الكلاسيكية الجديدة

📅 آخر تحديث: ١ أغسطس ٢٠٢٦
✍️ نُشر في: ١ أغسطس ٢٠٢٦
📷 يحتوي على 172 صور
الموسوعة الحرة

ظهرت الكلاسيكية الجديدة ، أو الكلاسيكية الحديثة ، كحركة ثقافية غربية في الفنون الزخرفية والبصرية والأدب والمسرح والموسيقى والعمارة ، مستلهمةً من فنون وثقافة العصور الكلاسيكية القديمة . وُلدت الكلاسيكية الجديدة في روما ، ويعود الفضل في ذلك إلى حد كبير إلى كتابات يوهان يواكيم فينكلمان خلال إعادة اكتشاف بومبي وهيركولانيوم . وانتشرت شعبيتها في جميع أنحاء أوروبا مع عودة جيل من طلاب الفنون الأوروبيين من إيطاليا إلى بلدانهم بعد إتمام رحلتهم الكبرى ، حاملين معهم مُثُلًا يونانية رومانية مُعاد اكتشافها. [ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ] وبرزت الحركة الكلاسيكية الجديدة الرئيسية في عصر التنوير في القرن الثامن عشر ، وبلغت ذروتها في أوائل ومنتصف القرن التاسع عشر، لتنافس في نهاية المطاف الرومانسية . وفي العمارة، استمر هذا الأسلوب طوال القرنين التاسع عشر والعشرين وحتى القرن الحادي والعشرين. [ 5 ] [ 6 ]

بدأ الطراز الكلاسيكي الجديد الأوروبي في الفنون البصرية حوالي عام ١٧٦٠ كرد فعل على طراز الروكوكو السائد . يركز طراز الروكوكو المعماري على الرشاقة والزخرفة وعدم التناظر، بينما يقوم الطراز الكلاسيكي الجديد على مبادئ البساطة والتناظر، التي كانت تُعتبر من فضائل فنون روما واليونان القديمتين ، ومستمدة مباشرة من الكلاسيكية في عصر النهضة في القرن السادس عشر . تختار كل حركة من حركات الكلاسيكية الجديدة نماذج معينة من بين مجموعة النماذج الكلاسيكية المتاحة لها، وتتجاهل نماذج أخرى. بين عامي ١٧٦٥ و١٨٣٠، أشاد أنصار الكلاسيكية الجديدة - من كتّاب وخطباء ورعاة وجامعي تحف وفنانين ونحاتين - بفكرة الجيل الفني المرتبط بفيدياس ، لكن نماذج المنحوتات التي تبنوها فعليًا كانت في الغالب نسخًا رومانية لمنحوتات هيلينية . لقد تجاهلوا كلًا من الفن اليوناني القديم وأعمال أواخر العصور القديمة . شكّل اكتشاف فن الروكوكو في مدينة تدمر القديمة من خلال النقوش في كتاب روبرت وود " أطلال تدمر " بمثابة كشفٍ هام. فمع كون اليونان منطقةً غير مستكشفة إلى حد كبير، واعتبارها أرضًا خطرة تابعة للإمبراطورية العثمانية ، كان تقدير الكلاسيكيين الجدد للعمارة اليونانية يتم في الغالب عبر الرسومات والنقوش التي خضعت لتنقيح وتعديل دقيقين، حيث جرى "تصحيح" و"ترميم" معالم اليونان، ليس دائمًا عن قصد.

كان أسلوب الإمبراطورية ، وهو المرحلة الثانية من الكلاسيكية الجديدة في العمارة والفنون الزخرفية ، مركزه الثقافي في باريس خلال الحقبة النابليونية . وقد ظلّت الكلاسيكية الجديدة، لا سيما في العمارة، وفي مجالات أخرى أيضاً، قوة مؤثرة لفترة طويلة بعد أوائل القرن التاسع عشر، مع موجات دورية من الإحياء في القرنين العشرين والحادي والعشرين، وخاصة في الولايات المتحدة وروسيا.

تاريخ

الكلاسيكية الجديدة هي إحياءٌ لأساليب وروح العصور الكلاسيكية القديمة، مستوحاة مباشرةً من تلك الحقبة، [ 7 ] والتي تزامنت مع تطورات الفلسفة وغيرها من مجالات عصر التنوير، وعكستها، وكانت في البداية رد فعلٍ على تجاوزات أسلوب الروكوكو السابق . [ 8 ] ورغم أن هذه الحركة تُوصف غالبًا بأنها النقيض للرومانسية ، إلا أن هذا تبسيطٌ مفرطٌ لا يصمد أمام التدقيق عند دراسة فنانين أو أعمالٍ محددة. ويُعدّ إنجرس ، الذي يُفترض أنه رائد الكلاسيكية الجديدة المتأخرة ، خير مثالٍ على ذلك. [ 9 ] ويمكن تتبع جذور هذا الإحياء إلى تأسيس علم الآثار الرسمي . [ 10 ] [ 11 ]

يُعتبر عالم الآثار الإيطالي ومنظر الفن جيوفاني بيترو بيلوري رائدًا للكلاسيكية الجديدة. في عام 1664، ألقى محاضرة بعنوان "المثال" في الفن في أكاديمية سان لوكا بروما، والتي أصبحت البيان المحوري لنظرية الفن المثالي. [ 12 ] كان لمحاضرة بيلوري تأثير حاسم على النظرية الأكاديمية الأوروبية، وأصبحت فيما بعد الأساس النظري للكلاسيكية الجديدة التي بشر بها وينكلمان. [ 13 ]

يوهان يواكيم فينكلمان ، الذي يطلق عليه غالبًا "أبو علم الآثار" [ 14 ]

كان لكتابات يوهان يواكيم فينكلمان دورٌ هام في تشكيل هذه الحركة في كلٍّ من العمارة والفنون البصرية. وكانت كتبه " أفكار حول محاكاة الأعمال اليونانية في الرسم والنحت " (1755) و "تاريخ الفن القديم " (1764) أول ما ميّز بوضوح بين الفن اليوناني القديم والفن الروماني، وحدّد مراحل في الفن اليوناني، متتبعًا مسارًا من النمو إلى النضج ثم المحاكاة أو الانحطاط الذي لا يزال له تأثير حتى يومنا هذا. اعتقد فينكلمان أن الفن يجب أن يهدف إلى "البساطة النبيلة والعظمة الهادئة" [ 15 ] ، وأشاد بمثالية الفن اليوناني، حيث قال إننا نجد "ليس فقط الطبيعة في أبهى صورها، بل أيضًا ما هو أبعد من الطبيعة، ألا وهو أشكال مثالية معينة لجمالها، والتي، كما يُعلّمنا أحد المفسرين القدماء لأفلاطون ، تأتي من صورٍ يُبدعها العقل وحده". لم تكن هذه النظرية جديدة على الإطلاق في الفن الغربي، لكن تركيزه على النسخ الدقيق للنماذج اليونانية كان كالتالي: "إن السبيل الوحيد أمامنا لنصبح عظماء، أو إن أمكن، لا مثيل لنا، هو تقليد القدماء". [ 16 ]

شهدت الثورة الصناعية تحولاً عالمياً في الاقتصاد البشري نحو عمليات تصنيع أكثر كفاءة واستقراراً. [ 17 ] وشهد العالم تقدماً مادياً هائلاً وازدهاراً متزايداً. [ 18 ] ومع ظهور الرحلات السياحية الكبرى ، بدأت موجة من جمع التحف الأثرية التي أرست أسس العديد من المجموعات العظيمة، مما ساهم في إحياء الطراز الكلاسيكي الجديد في جميع أنحاء أوروبا. [ 19 ] ويشير مصطلح "الكلاسيكية الجديدة" في كل فن إلى نموذج كلاسيكي محدد.

في اللغة الإنجليزية، يُستخدم مصطلح "الكلاسيكية الجديدة" بشكل أساسي للإشارة إلى الفنون البصرية؛ أما الحركة المشابهة في الأدب الإنجليزي ، والتي بدأت قبل ذلك بكثير، فتُسمى الأدب الأوغسطي . وقد بدأ هذا الأدب، الذي هيمن لعدة عقود، بالتراجع بحلول الوقت الذي أصبحت فيه الكلاسيكية الجديدة رائجة في الفنون البصرية. وعلى الرغم من اختلاف المصطلحات، إلا أن الوضع في الأدب الفرنسي كان مشابهًا. ففي الموسيقى، شهدت تلك الفترة صعود الموسيقى الكلاسيكية ، ويُستخدم مصطلح "الكلاسيكية الجديدة" للإشارة إلى تطورات القرن العشرين . ومع ذلك، مثّلت أوبرا كريستوف فيليبالد غلوك نهجًا كلاسيكيًا جديدًا محددًا، كما أوضح في مقدمته للنوتة الموسيقية المنشورة لأوبرا ألكيست (1769)، والتي هدفت إلى إصلاح الأوبرا من خلال إزالة الزخارف ، وزيادة دور الجوقة بما يتماشى مع المأساة اليونانية ، واستخدام ألحان أبسط غير مزخرفة. [ 20 ]

لم يُصاغ مصطلح "الكلاسيكية الجديدة" إلا في منتصف القرن التاسع عشر، وكان يُوصف هذا الأسلوب آنذاك بمصطلحات مثل "الأسلوب الأصيل" و"المُصلح" و"الإحياء"، مع اختلاف كبير في تعريف الإحياء. لا شك أن النماذج القديمة كانت حاضرة بقوة، ولكن يمكن اعتبار هذا الأسلوب أيضًا إحياءً لعصر النهضة، وخاصة في فرنسا كعودة إلى أسلوب الباروك الأكثر صرامة ونبلاً في عهد لويس الرابع عشر ، والذي نما لديه حنين كبير إليه مع بدء تراجع مكانة فرنسا العسكرية والسياسية المهيمنة. [ 21 ] حتى أن لوحة تتويج نابليون التي رسمها إنجرس استعارت من اللوحات الثنائية القنصلية في أواخر العصور القديمة وإحياءها في العصر الكارولنجي ، الأمر الذي أثار استياء النقاد.

بلغت الكلاسيكية الجديدة ذروتها في العمارة والنحت والفنون الزخرفية ، حيث كانت النماذج الكلاسيكية في نفس المجال وفيرة نسبيًا ومتاحة؛ أمثلة من اللوحات القديمة تُظهر الصفات التي وجدها وينكلمان في كتاباته في فن النحت، والتي كانت ولا تزال تفتقر إليها. شارك وينكلمان في نشر المعرفة حول أولى اللوحات الرومانية الكبيرة التي تم اكتشافها في بومبي وهيركولانيوم ، ومثل معظم معاصريه باستثناء جافين هاميلتون ، لم يُعجب بها، مستشهدًا بتعليقات بليني الأصغر حول تراجع فن الرسم في عصره. [ 22 ]

أما بالنسبة للرسم، فقد كان الرسم اليوناني في طي النسيان: إذ أعاد رسامو الكلاسيكية الجديدة إحياءه بخيالهم، جزئيًا من خلال النقوش البارزة والفسيفساء ورسم الفخار ، وجزئيًا من خلال نماذج الرسم والزخرفة في عصر النهضة العليا لجيل رافائيل ، واللوحات الجدارية في قصر نيرون الذهبي ، وبومبي ، وهيركولانيوم، ومن خلال الإعجاب المتجدد بنيكولا بوسان . ويُلاحظ أن الكثير من الرسم "الكلاسيكي الجديد" يميل إلى الكلاسيكية في موضوعاته أكثر من أي شيء آخر. وقد احتدم جدل حاد، ولكنه غالبًا ما كان مبنيًا على معلومات مغلوطة، لعقود حول المزايا النسبية للفن اليوناني والروماني، وكان وينكلمان وزملاؤه من المهتمين بالفن اليوناني عمومًا في الجانب المنتصر. [ 23 ]

الرسم والتصوير والطباعة

من الصعب استعادة الطبيعة الجذرية والمثيرة للرسم الكلاسيكي الجديد المبكر للجمهور المعاصر؛ حتى أن الكتاب الذين يميلون إليه الآن يعتبرونه "مملًا" و"غير مثير للاهتمام بالنسبة لنا تقريبًا" - بعض تعليقات كينيث كلارك على لوحة بارناسوس الطموحة لأنطون رافائيل مينغز في فيلا ألباني ، [ 35 ] للفنان الذي وصفه صديقه وينكلمان بأنه "أعظم فنان في عصره، وربما في العصور اللاحقة". [ 36 ] استخدمت رسومات جون فلاكسمان ، التي حُوِّلت لاحقًا إلى مطبوعات ، خطوطًا بسيطة للغاية (يُعتقد أنها أنقى وسيلة كلاسيكية [ 37 ] ) وشخصياتٍ جانبية في الغالب لتصوير الأوديسة ومواضيع أخرى، وقد "أشعلت شرارة الإبداع الفني لدى الشباب الأوروبي" ولكنها الآن "مهملة" [ 38 ]، بينما وُصفت لوحات أنجليكا كوفمان التاريخية ، وهي رسامة بورتريه في الأساس، بأنها تتسم "بنعومة متكلفة وملل" من قِبَل فريتز نوفوتني [ 39 ] . لقد تم التخلي عن زخارف الروكوكو وحركة الباروك، لكن العديد من الفنانين كافحوا لإيجاد بديلٍ لهما، وفي غياب أمثلة قديمة للرسم التاريخي، باستثناء المزهريات اليونانية التي استخدمها فلاكسمان، كان يُلجأ إلى رافائيل كنموذج بديل، كما أوصى وينكلمان.

جمعت أعمال فنانين آخرين، لا يمكن وصفهم بسهولة بالسطحية، بين جوانب الرومانسية وأسلوب كلاسيكي حديث، وتشكل جزءًا من تاريخ كلا الحركتين. لم يُكمل الرسام الألماني الدنماركي أسموس جاكوب كارستنز سوى عدد قليل جدًا من الأعمال الأسطورية الضخمة التي خطط لها، تاركًا في الغالب رسومات ودراسات لونية غالبًا ما تنجح في الاقتراب من وصفة وينكلمان لـ "البساطة النبيلة والعظمة الهادئة". [ 40 ] على عكس مخططات كارستنز غير المنفذة، كانت نقوش جيوفاني باتيستا بيرانيزي عديدة ومربحة، وحملها معه أولئك الذين قاموا بجولة كبرى في جميع أنحاء أوروبا. كان موضوعه الرئيسي هو مباني وآثار روما، وكان أكثر استلهامًا من القديم منه من الحديث. يصبح الجو المقلق نوعًا ما للعديد من مناظره ( Vedute ) مهيمنًا في سلسلته المكونة من 16 مطبوعة لـ Carceri d'invenzione ("السجون الخيالية") التي تنقل "هندستها المعمارية الضخمة القمعية" "أحلام الخوف والإحباط". [ 41 ] أمضى هنري فوسلي المولود في سويسرا معظم حياته المهنية في إنجلترا، وبينما كان أسلوبه الأساسي قائمًا على المبادئ الكلاسيكية الجديدة، فإن مواضيعه ومعالجته غالبًا ما عكست النزعة "القوطية" للرومانسية ، وسعت إلى إثارة الدراما والإثارة.

اكتسبت المدرسة الكلاسيكية الجديدة في الرسم اتجاهًا جديدًا مع النجاح الباهر الذي حققته لوحة "قسم هوراتي " لجاك لويس دافيد في صالون باريس عام 1785. ورغم استحضارها للفضائل الجمهورية، إلا أنها كانت بتكليف من الحكومة الملكية، أصرّ دافيد على رسمها في روما. نجح دافيد في الجمع بين الأسلوب المثالي والدراما والقوة. المنظور المركزي عمودي على سطح اللوحة، ويزداد وضوحًا بفضل الرواق الخافت في الخلف، والذي تُعرض أمامه الشخصيات البطولية كما في إفريز ، مع لمحة من الإضاءة الاصطناعية وإخراج الأوبرا ، والألوان الكلاسيكية لنيكولا بوسان . سرعان ما أصبح دافيد رائدًا للفن الفرنسي، وبعد الثورة الفرنسية، انخرط في العمل السياسي وسيطر على جزء كبير من الرعاية الحكومية للفنون. تمكن من الحفاظ على نفوذه خلال الحقبة النابليونية ، واتجه إلى أعمال دعائية صريحة، لكنه اضطر إلى مغادرة فرنسا إلى المنفى في بروكسل مع عودة آل بوربون إلى الحكم . [ 42 ]

كان من بين طلاب دافيد الكثيرين جان أوغست دومينيك إنجرس ، الذي اعتبر نفسه كلاسيكيًا طوال مسيرته الفنية الطويلة، على الرغم من أسلوبه الناضج الذي يتسم بعلاقة ملتبسة مع التيار الرئيسي للكلاسيكية الجديدة، وانحرافاته اللاحقة نحو الاستشراق وأسلوب التروبادور ، والتي يصعب تمييزها عن أعمال معاصريه الرومانسيين الصريحين، إلا من خلال الأولوية التي يوليها أعماله دائمًا للرسم. عرض دافيد أعماله في صالون باريس لأكثر من 60 عامًا، من عام 1802 وحتى بدايات الانطباعية ، لكن أسلوبه، بمجرد أن تبلور، لم يتغير كثيرًا. [ 43 ]

منحوتة

إذا كانت اللوحات الكلاسيكية الجديدة تعاني من نقص في النماذج القديمة، فإن النحت الكلاسيكي الجديد كان يعاني من وفرتها. مع أن أمثلة النحت اليوناني الأصلي من " العصر الكلاسيكي " الذي بدأ حوالي 500 قبل الميلاد كانت قليلة جدًا آنذاك، إلا أن أكثر الأعمال تقديرًا كانت في معظمها نسخًا رومانية. [ 49 ] تمتع كبار النحاتين الكلاسيكيين الجدد بشهرة واسعة في عصرهم، لكنهم اليوم أقل تقديرًا، باستثناء جان أنطوان هودون ، الذي كان عمله في الغالب عبارة عن صور شخصية، غالبًا ما تكون تماثيل نصفية، والتي لم تُضحِّ بالانطباع القوي عن شخصية المرسوم من أجل المثالية. أصبح أسلوبه أكثر كلاسيكية مع استمرار مسيرته المهنية الطويلة، ويمثل تطورًا سلسًا من سحر الروكوكو إلى الوقار الكلاسيكي. على عكس بعض النحاتين الكلاسيكيين الجدد، لم يُصر على أن يرتدي عارضوه الزي الروماني، أو أن يكونوا عراة. صوّر معظم الشخصيات البارزة في عصر التنوير، وسافر إلى أمريكا لإنتاج تمثال لجورج واشنطن ، بالإضافة إلى تماثيل نصفية لتوماس جيفرسون وبنجامين فرانكلين وغيرهم من مؤسسي الجمهورية الجديدة. [ 50 ] [ 51 ]

كان أنطونيو كانوفا والدنماركي بيرتل ثورفالدسن مقيمين في روما، وقد أنتجا، إلى جانب البورتريهات، العديد من التماثيل والمجموعات الطموحة بالحجم الطبيعي؛ وقد مثّل كلاهما النزعة المثالية القوية في النحت الكلاسيكي الجديد. يتميز كانوفا بالخفة والرشاقة، بينما يتسم ثورفالدسن بالصرامة؛ ويتجلى هذا الاختلاف في مجموعتيهما الخاصتين بـ" الحسنوات الثلاث" . [ 52 ] كان هؤلاء جميعًا، بالإضافة إلى فلاكسمان، لا يزالون نشطين في عشرينيات القرن التاسع عشر، وكان تأثير الرومانسية على فن النحت بطيئًا، حيث ظلت أشكال من الكلاسيكية الجديدة هي الأسلوب السائد طوال معظم القرن التاسع عشر.

كان السويدي يوهان توبياس سيرجل من أوائل رواد المدرسة الكلاسيكية الجديدة في النحت . [ 53 ] وكان جون فلاكسمان نحاتًا أيضًا، أو بالأحرى، نحاتًا، حيث أنتج في الغالب منحوتات بارزة كلاسيكية صارمة تُضاهي في أسلوبها مطبوعاته؛ كما صمم وصنع نماذج خزفية كلاسيكية جديدة لجوسيا ويدجوود لعدة سنوات. وكان يوهان جوتفريد شادو وابنه رودولف ، أحد النحاتين الكلاسيكيين الجدد القلائل الذين توفوا في سن مبكرة، من أبرز الفنانين الألمان، [ 54 ] إلى جانب فرانز أنطون فون زاونر في النمسا. واتجه النحات النمساوي فرانز زافير ميسرشميت، من أواخر عصر الباروك ، إلى الكلاسيكية الجديدة في منتصف حياته المهنية، قبل فترة وجيزة من تعرضه على ما يبدو لنوع من الأزمة النفسية، وبعدها اعتزل في الريف وكرس نفسه لـ"رؤوس الشخصيات" المميزة للغاية لشخصيات صلعاء ذات تعابير وجه مبالغ فيها. [ 55 ] ومثل تماثيل "كارسيري" لبيرانيزي ، حظيت هذه الأعمال باهتمام متجدد كبير خلال عصر التحليل النفسي في أوائل القرن العشرين. درس النحات الهولندي الكلاسيكي الجديد ماثيو كيسلز على يد ثورفالدسن وعمل بشكل شبه حصري في روما.

منذ ما قبل ثلاثينيات القرن التاسع عشر، لم يكن للولايات المتحدة تقاليد نحت خاصة بها، باستثناء مجالات شواهد القبور وريشات الرياح ورؤوس السفن، [ 56 ] تم اعتماد الأسلوب الكلاسيكي الجديد الأوروبي هناك، والذي ساد لعقود من الزمن ويتجلى في منحوتات هوراشيو غرينوف ، وهارييت هوسمر ، وهيرام باورز ، وراندولف روجرز، وويليام هنري راينهارت .

العمارة والفنون الزخرفية

فندق غوتيير ، شارع بيير بوليت رقم. 6، باريس، ربما بقلم ج. ميتيفييه، 1780 [ 57 ]
" الغرفة الأترورية "، من بوتسدام ، ألمانيا، حوالي عام 1840، رسم توضيحي لفريدريش فيلهلم كلوزه

كان الفن الكلاسيكي الجديد تقليدياً وجديداً، تاريخياً وحديثاً، محافظاً وتقدمياً في آن واحد. [ 58 ]

اكتسبت الكلاسيكية الجديدة نفوذها أولاً في بريطانيا وفرنسا، من خلال جيل من طلاب الفنون الفرنسيين الذين تلقوا تدريبهم في روما وتأثروا بكتابات وينكلمان، وسرعان ما تبنتها الأوساط التقدمية في بلدان أخرى مثل السويد وبولندا وروسيا . في البداية، تم دمج عناصر الديكور الكلاسيكية مع الأشكال الأوروبية المألوفة، كما هو الحال في التصميمات الداخلية لعشيق كاترين العظيمة ، الكونت غريغوري أورلوف ، الذي صممه مهندس معماري إيطالي مع فريق من عمال الجص الإيطاليين : فقط الميداليات البيضاوية المعزولة التي تشبه النقوش البارزة والنقوش البارزة فوق الأبواب تشير إلى الكلاسيكية الجديدة؛ أما المفروشات فهي روكوكو إيطالي بالكامل.

ارتبطت موجة ثانية من الكلاسيكية الجديدة، أكثر حدةً ودراسةً (عبر فن النقوش ) وأكثر وعيًا بالجوانب الأثرية، بذروة الإمبراطورية النابليونية . في فرنسا، تجلّت المرحلة الأولى من الكلاسيكية الجديدة في " طراز لويس السادس عشر "، والثانية في طرازي " الديركتوار " و "الإمبراطورية" . وظلّ طراز الروكوكو رائجًا في إيطاليا حتى جلبت الأنظمة النابليونية الكلاسيكية الأثرية الجديدة، التي تبنّاها الشباب الإيطاليون الحضريون التقدميون ذوو الميول الجمهورية كبيان سياسي.

في الفنون الزخرفية، يتجلى الطراز الكلاسيكي الجديد في أثاث الإمبراطورية المصنوع في باريس ولندن ونيويورك وبرلين؛ وفي أثاث بيدرمير المصنوع في النمسا؛ وفي متاحف كارل فريدريش شينكل في برلين، وبنك إنجلترا الذي صممه السير جون سوان في لندن، ومبنى " الكابيتول الأمريكي " الذي شُيّد حديثًا في واشنطن العاصمة؛ وفي النقوش البارزة لجوسيا ويدجوود ومزهريات "البازلت الأسود" . كان هذا الطراز عالميًا؛ فقد صمم المهندس المعماري الاسكتلندي تشارلز كاميرون ديكورات داخلية فخمة على الطراز الإيطالي للإمبراطورة كاترين العظيمة، المولودة في ألمانيا، في سانت بطرسبرغ، روسيا.

في الداخل، كشفت الكلاسيكية الجديدة عن جوهر التصميم الداخلي الكلاسيكي الأصيل، مستلهمةً من الاكتشافات الجديدة في بومبي وهيركولانيوم . بدأت هذه الاكتشافات في أواخر أربعينيات القرن الثامن عشر، لكنها لم تحظَ بانتشار واسع إلا في ستينيات القرن نفسه، [ 59 ] مع صدور أولى المجلدات الفاخرة من كتاب " آثار هيركولانيوم " ( Le Antichità di Ercolano) وتوزيعها المحكم . أظهرت آثار هيركولانيوم أن حتى أكثر التصاميم الداخلية الكلاسيكية في عصر الباروك ، أو أكثر الغرف "الرومانية" التي صممها ويليام كينت، كانت مستوحاة من العمارة الخارجية للكنائس والمعابد، ولكن برؤية خارجية، ومن هنا جاء مظهرها الفخم في كثير من الأحيان للعين الحديثة: إطارات النوافذ المثلثة التي تحولت إلى مرايا مذهبة ، والمدافئ التي تعلوها واجهات معابد. سعت التصاميم الداخلية الجديدة إلى إعادة إحياء لغة رومانية أصيلة ومفردات داخلية حقيقية.

تضمنت التقنيات المستخدمة في هذا الأسلوب زخارف مسطحة وخفيفة، منحوتة بنقوش بارزة منخفضة تشبه الإفريز ، أو مرسومة بألوان أحادية بتقنية الكاميو (مثل النقوش البارزة)، أو ميداليات أو مزهريات أو تماثيل نصفية أو جماجم ثيران أو زخارف أخرى معزولة، معلقة على أكاليل من الغار أو الشرائط، مع زخارف عربية دقيقة على خلفيات، ربما، بلون "الأحمر البومبي" أو درجات باهتة، أو ألوان حجرية. كان هذا الأسلوب في فرنسا في البداية أسلوبًا باريسيًا، يُعرف باسم "الأسلوب اليوناني"، وليس أسلوبًا بلاطيًا؛ عندما اعتلى لويس السادس عشر العرش عام 1774، أدخلت ماري أنطوانيت ، ملكته المولعة بالموضة، أسلوب لويس السادس عشر إلى البلاط. ومع ذلك، لم تكن هناك محاولة حقيقية لاستخدام الأشكال الأساسية للأثاث الروماني حتى حوالي مطلع القرن التاسع عشر، وكان صانعو الأثاث أكثر ميلاً إلى الاستلهام من العمارة القديمة، تماماً كما كان صائغو الفضة أكثر ميلاً إلى الاستلهام من الفخار القديم والنحت على الحجر أكثر من الأعمال المعدنية: "يبدو أن المصممين والحرفيين ... قد استمتعوا بشكل غريب بنقل الزخارف من وسيط إلى آخر". [ 60 ]

شاتو دو مالميسون ، 1800، غرفة الإمبراطورة جوزفين ، على أعتاب بين أسلوب Directoire وأسلوب الإمبراطورية

ابتداءً من حوالي عام 1800، أدى تدفق جديد من الأمثلة المعمارية اليونانية، التي ظهرت من خلال النقوش والحفر، إلى إعطاء دفعة جديدة للكلاسيكية الجديدة، أو ما يُعرف بإحياء الطراز اليوناني . في الوقت نفسه، مثّل أسلوب الإمبراطورية موجةً أكثر فخامةً من الكلاسيكية الجديدة في العمارة والفنون الزخرفية. استند هذا الأسلوب بشكل أساسي إلى الأساليب الرومانية الإمبراطورية، ونشأ في عهد نابليون في الإمبراطورية الفرنسية الأولى، واستمد اسمه منه، حيث كان يهدف إلى تمجيد قيادة نابليون والدولة الفرنسية. يتوافق هذا الأسلوب مع أسلوب بيدرمير الأكثر برجوازية في البلدان الناطقة بالألمانية، والأسلوب الفيدرالي في الولايات المتحدة، [ 59 ] وأسلوب ريجنسي في بريطانيا، وأسلوب نابليون في السويد. بحسب مؤرخ الفن هيو هونور ، "بدلاً من أن تكون ذروة الحركة الكلاسيكية الجديدة، كما يُفترض أحيانًا، فإن عصر الإمبراطورية يُشير إلى انحدارها السريع وتحولها مرة أخرى إلى مجرد إحياء للفن القديم، مُفرغًا من كل الأفكار السامية وقوة القناعة التي ألهمت روائعها". [ 61 ] وقد أُطلق على مرحلة سابقة من هذا الأسلوب اسم أسلوب آدم في بريطانيا العظمى.

استمرت الكلاسيكية الجديدة في كونها قوة مؤثرة في الفن الأكاديمي طوال القرن التاسع عشر وما بعده، كنقيض دائم للرومانسية أو إحياء الطراز القوطي ، على الرغم من أنها، منذ أواخر القرن التاسع عشر، اعتُبرت في كثير من الأحيان مناهضة للحداثة، أو حتى رجعية، في الأوساط النقدية المؤثرة. وأصبحت مراكز العديد من المدن الأوروبية، ولا سيما سانت بطرسبرغ وميونيخ ، أشبه بمتاحف للعمارة الكلاسيكية الجديدة.

يُعدّ الطراز القوطي المُجدّد (الذي يرتبط غالبًا بالحركة الثقافية الرومانسية)، وهو أسلوب نشأ في القرن الثامن عشر وازدادت شعبيته خلال القرن التاسع عشر، نقيضًا للطراز الكلاسيكي الجديد. فبينما تميّز الطراز الكلاسيكي الجديد بتأثيرات من الطرازين اليوناني والروماني، والخطوط الهندسية، والنظام، ركّز الطراز القوطي المُجدّد على المباني ذات الطابع القروسطي، والتي غالبًا ما صُمّمت لتتمتع بمظهر ريفي "رومانسي".

فرنسا

أسلوب لويس السادس عشر (1774-1789)

يمثل هذا الانتقال من أسلوب الروكوكو إلى الكلاسيكية. على عكس كلاسيكية لويس الرابع عشر ، التي حوّلت الزخارف إلى رموز، يُصوّر أسلوب لويس السادس عشر الزخارف بأكبر قدر ممكن من الواقعية والطبيعية، أي أن أغصان الغار هي أغصان غار حقيقية، والورود كذلك، وهكذا. أحد المبادئ الزخرفية الرئيسية هو التناظر. في التصميمات الداخلية، تُستخدم ألوان زاهية للغاية، بما في ذلك الأبيض، والرمادي الفاتح، والأزرق الفاتح، والوردي، والأصفر، والبنفسجي الفاتح جدًا، والذهبي. ويتم تجنب الإفراط في الزخرفة. [ 72 ] إن العودة إلى العصور القديمة مرادفة قبل كل شيء للعودة إلى الخطوط المستقيمة: كانت الخطوط الرأسية والأفقية الصارمة هي السائدة. لم تعد الخطوط المتعرجة مقبولة، باستثناء أنصاف الدوائر أو الأشكال البيضاوية النادرة. كما كرّم الديكور الداخلي هذا الميل إلى الدقة، مما أدى إلى عودة الأسطح المستوية والزوايا القائمة إلى الموضة. استُخدمت الزخرفة لتخفيف هذه الصرامة، لكنها لم تتداخل أبدًا مع الخطوط الأساسية، وكانت دائمًا موزعة بشكل متناظر حول محور مركزي. ومع ذلك، كان النجارون غالباً ما يميلون الزوايا الأمامية لتجنب الصلابة المفرطة. [ 73 ]

استُلهمت الزخارف في طراز لويس السادس عشر من العصور القديمة ، وطراز لويس الرابع عشر، والطبيعة. ومن العناصر المميزة لهذا الطراز: شعلة متقاطعة مع غمد مزين بالسهام، وأقراص متداخلة، وزخارف غيوشيه ، وعقد مزدوجة على شكل فيونكة، ومباخر متصاعدة الدخان، وتكرارات خطية لزخارف صغيرة ( ورود ، خرز، بيض)، وميداليات تذكارية أو زهرية معلقة بشريط معقود، وأوراق الأقنثوس ، وزخارف الجادرون ، والتشابك، والزخارف المتعرجة ، وقرون الوفرة ، والأقنعة ، والجرار القديمة، والحوامل الثلاثية، ومباخر العطور، والدلافين، ورؤوس الكباش والأسود، والمخلوقات الخرافية ، والجريفونات . كما تُستخدم الزخارف المعمارية اليونانية الرومانية بكثرة: الأخاديد ، والأعمدة (المخددة وغير المخددة)، والدرابزينات المخددة (الملتوية والمستقيمة)، والأعمدة ( الملتصقة وغير الملتصقة، والتي تُستبدل أحيانًا بالأعمدة المنحنية )، والأقواس الحلزونية ، والزخارف الثلاثية ذات النقاط ( بارزة وخداعية ) . [ 74 ]

أسلوب Directoire (1789–1804)

الطراز الإمبراطوري (1804-1815)

مثّلت الكلاسيكية الجديدة المجتمع الفرنسي الجديد الذي خرج من الثورة ، وفرضت توجهاتها في جميع مجالات الحياة، بما في ذلك الفن. وخلال هذه الفترة، اختُرعت آلة الجاكار (التي أحدثت ثورة في نظام الخياطة اليدوي بالكامل). وكان اللون الأحمر أحد الألوان السائدة، مُزيّنًا بالبرونز المُذهّب . كما استُخدمت ألوان زاهية أخرى، كالأبيض، والكريمي، والبنفسجي، والبني، والأزرق، والأحمر الداكن، مع زخارف صغيرة من البرونز المُذهّب. وشملت العمارة الداخلية ألواحًا خشبية مُزيّنة بنقوش بارزة مُذهّبة (على خلفية بيضاء أو ملونة). وُضعت الزخارف بشكل هندسي. وغُطّيت الجدران بالجص وأقمشة ورق الجدران. وصُنعت أرفف المدافئ من الرخام الأبيض، وُضعت في زواياها تماثيل كارياتيد ، أو عناصر أخرى: كالمسلات ، وأبو الهول ، والأسود المجنحة، وما إلى ذلك. ووُضعت عليها قطع برونزية، بما في ذلك ساعات المدافئ . وتألفت الأبواب من ألواح مستطيلة بسيطة، مُزيّنة بشخصية مركزية مُستوحاة من فن بومبي. أقمشة الإمبراطورية هي الداماسك ذو الخلفية الزرقاء أو البنية، والساتان ذو الخلفية الخضراء أو الوردية أو البنفسجية، والمخمل من نفس الألوان، والدبابيس المطرزة بالذهب أو الفضة، والأقمشة القطنية. وقد استُخدمت جميع هذه الأقمشة في الديكورات الداخلية للستائر، ولتغطية بعض قطع الأثاث، وللوسائد أو التنجيد (كما استُخدم الجلد أيضًا في التنجيد). [ 81 ]

تخضع جميع زخارف الإمبراطورية لروح تناظر صارمة تُذكّر بأسلوب لويس الرابع عشر . عمومًا، تتطابق الزخارف على جانبي القطعة الأيمن والأيسر في كل تفاصيلها؛ وعندما لا تتطابق، تكون الزخارف الفردية نفسها متناظرة تمامًا في تركيبها: رؤوس عتيقة بخصلات شعر متطابقة تنسدل على كل كتف، وشخصيات أمامية للنصر بأردية مرتبة بشكل متناظر، وورود أو بجعات متطابقة تُحيط بلوحة القفل، وما إلى ذلك. ومثل لويس الرابع عشر ، كان لنابليون مجموعة من الشعارات المرتبطة بشكل لا لبس فيه بحكمه، وأبرزها النسر والنحلة والنجوم والحرفين الأولين I ( للإمبراطور ) و N ( لنابليون )، والتي كانت تُنقش عادةً داخل إكليل غار إمبراطوري. تشمل الزخارف المستخدمة: تماثيل النصر حاملة أغصان النخيل، والراقصات اليونانيات، والنساء العاريات والمغطات، وتماثيل العربات القديمة، والملائكة المجنحة ، وأقنعة أبولو وهيرميس وغورغون ، والبجع ، والأسود ، ورؤوس الثيران والخيول والوحوش البرية، والفراشات، والمخالب، والكيميرا المجنحة، وأبو الهول ، وجمجمة الثيران ، وفرس البحر، وأكاليل البلوط المعقودة بشرائط رفيعة متدلية، وأغصان العنب المتسلقة، وزخارف الخشخاش ، والورود ، وأغصان النخيل، والغار. تزخر هذه الفترة بزخارف يونانية رومانية: أوراق الأقنثوس الصلبة والمسطحة ، وزخارف النخيل، وقرون الوفرة، والخرز، والأمفورات، والحوامل الثلاثية، والأقراص المتداخلة، وهراوات عطارد ، والمزهريات ، والخوذات ، والمشاعل المشتعلة ، وعازفي البوق المجنحين، والآلات الموسيقية القديمة (التوبا، والخشخيشات، وخاصة القيثارات ). وعلى الرغم من أصولها القديمة، فقد تم التخلي عن الزخارف المخددة والثلاثية التي كانت شائعة في عهد لويس السادس عشر. وتنتشر زخارف إحياء الطراز المصري بشكل خاص في بداية هذه الفترة: الجعارين ، وتيجان اللوتس ، والأقراص المجنحة، والمسلات، والأهرامات ، والشخصيات التي ترتدي تماثيل النيميسيس ، والكارياتيدات المجنحة التي تقف على أقدام حافية، والنساء اللواتي يرتدين أغطية رأس مصرية. [ 82 ]

ألمانيا

انتشرت العمارة الكلاسيكية الجديدة كرمز للثروة والسلطة في ألمانيا، وخاصة في بروسيا آنذاك . شيّد كارل فريدريش شينكل العديد من المباني البارزة بهذا الطراز، بما في ذلك متحف ألتس في برلين. ورغم هيمنة التخطيط العمراني الباروكي على المدينة، إلا أن أسلوبه المعماري والوظيفي منحها مركزًا كلاسيكيًا جديدًا مميزًا.

تُعتبر أكاديمية البناء التابعة له واحدة من رواد العمارة الحديثة نظرًا لواجهتها الانسيابية نسبيًا التي كانت سائدة حتى ذلك الحين.

إيطاليا

من النصف الثاني من القرن الثامن عشر وحتى القرن التاسع عشر، مرت إيطاليا بالكثير من التغيرات الاجتماعية والاقتصادية، والعديد من الغزوات الأجنبية، وحركة التوحيد الإيطالي المضطربة، والتي أسفرت عن توحيد إيطاليا في عام 1861. وهكذا، مر الفن الإيطالي بسلسلة من التغييرات الطفيفة والكبيرة في الأسلوب.

كانت الكلاسيكية الجديدة الإيطالية أولى مظاهر الحقبة المعروفة بالكلاسيكية الجديدة، واستمرت لفترة أطول من غيرها من الصيغ الوطنية. وقد تطورت هذه الكلاسيكية الجديدة كرد فعل على الطراز الباروكي حوالي عام 1750 ، واستمرت حتى حوالي عام 1850. بدأت الكلاسيكية الجديدة في فترة إعادة اكتشاف مدينة بومبي، وانتشرت في جميع أنحاء أوروبا مع عودة جيل من طلاب الفنون إلى بلدانهم من رحلتهم الكبرى في إيطاليا، حاملين معهم مُثُلًا يونانية رومانية مُعاد اكتشافها. تمركزت هذه الحركة أولًا في روما، حيث نشط فنانون مثل أنطونيو كانوفا وجاك لويس دافيد في النصف الثاني من القرن الثامن عشر، قبل انتقالهم إلى باريس. كما حقق رسامو المناظر الطبيعية ، مثل كاناليتو وجيوفاني باولو بانيني ، نجاحًا كبيرًا خلال تلك الرحلة. استُلهمت العمارة الكلاسيكية الجديدة من أعمال عصر النهضة لأندريا بالاديو ، وبرز لويجي فانفيتيللي كأحد أبرز مُجسدي هذا الطراز.

كان للأدب الكلاسيكي أثر بالغ على حركة التوحيد الإيطالي (الريسورجيمينتو): ومن أبرز شخصيات تلك الفترة فيتوريو ألفيري ، وجوزيبي باريني ، وفينشنزو مونتي ، وأوغو فوسكولو ، وجياكومو ليوباردي ، وأليساندرو مانزوني (ابن شقيق سيزار بيكاريا )، الذين تأثروا أيضاً بعصر التنوير الفرنسي والرومانسية الألمانية. هيمن عازف الكمان الماهر باغانيني وأوبرات روسيني ، ودونيزيتي ، وبيليني ، وفيردي لاحقاً، على المشهد الموسيقي الكلاسيكي والرومانسي الإيطالي.

مثّل فن فرانشيسكو هايز ، ولا سيما فن الماكيايولي، قطيعةً مع المدرسة الكلاسيكية، التي انتهت مع توحيد إيطاليا (انظر الفن الإيطالي الحديث والمعاصر). وكانت الكلاسيكية الجديدة آخر الأساليب الفنية الإيطالية المنشأ، بعد عصر النهضة والباروك، التي انتشرت في جميع أنحاء الفن الغربي.

رومانيا

خلال القرن التاسع عشر، ساد الطراز الكلاسيكي في والاشيا ومولدافيا ، التي أصبحت فيما بعد مملكة رومانيا ، واستمر لفترة طويلة حتى القرن العشرين، على الرغم من تعايشه لفترات قصيرة مع أنماط أخرى. وقد استُقدم مهندسون معماريون ومهندسون أجانب منذ العقد الأول من القرن التاسع عشر. وكان معظم المهندسين الذين بنوا في مطلع القرن من الأجانب، لأن الرومانيين لم يكونوا قد تلقوا بعد التدريب اللازم لتصميم مبانٍ تختلف اختلافًا كبيرًا عن التقاليد الرومانية. وبدأ هؤلاء المهندسون، الذين اعتمدوا في الغالب على الطراز الكلاسيكي، البناء بالتعاون مع حرفيين رومانيين، تلقوا تدريبهم في مدارس أو أكاديميات أجنبية. كما درس مهندسون معماريون رومانيون في مدارس أوروبا الغربية. ومن الأمثلة على ذلك ألكسندرو أوراسكو ، أحد رواد الطراز الكلاسيكي الجديد في رومانيا.

تجلّت الكلاسيكية في كلٍّ من العمارة الدينية والعلمانية. ومن الأمثلة الجيدة على العمارة العلمانية قصر شتيربي في شارع كاليا فيكتوريا ( بوخارست )، الذي بُني حوالي عام 1835، وفقًا لتصاميم المهندس المعماري الفرنسي ميشيل سانجواند . وقد أُضيف إليه طابق جديد عام 1882، صمّمه المهندس المعماري النمساوي جوزيف هارتمان [ 87 ] [ 88 ].

أوكرانيا

في بعض المدن الأوكرانية، حُفظ التراث المعماري الغني الذي يعود إلى عهد الإمبراطوريتين الروسية والنمساوية المجرية، مما يعكس حقيقة أن الأراضي الأوكرانية ذات الأغلبية العرقية كانت خاضعة لسيطرة دول أخرى طوال معظم تاريخها. ومن الأمثلة البارزة على ذلك شارع تياترالنا في مدينة كروبيفنيتسكي ، حيث شُيّدت جميع مبانيه في القرن التاسع عشر على الطراز الكلاسيكي الجديد على يد مهندسين معماريين أوروبيين مدعوين. [ 89 ] [ 90 ]

روسيا والاتحاد السوفيتي

شهدت العمارة الروسية بين عامي 1905 و1914 فترة وجيزة لكنها مؤثرة من إحياء الطراز الكلاسيكي الجديد ؛ بدأ هذا التوجه بإعادة إحياء طراز الإمبراطورية في العصر الإسكندري ، وسرعان ما توسع ليشمل مجموعة متنوعة من مدارس عصر النهضة الجديدة، والبالادية ، والمدارس الحديثة ذات الطابع الكلاسيكي المميز. وقد قاد هذه المدارس معماريون وُلدوا في سبعينيات القرن التاسع عشر، وبلغوا ذروة إبداعهم قبل الحرب العالمية الأولى، مثل إيفان فومين ، وفلاديمير شتشوكو ، وإيفان زولتوفسكي . وعندما انتعش الاقتصاد في عشرينيات القرن العشرين، واصل هؤلاء المعماريون وأتباعهم العمل في بيئة حديثة في المقام الأول ؛ حيث التزم بعضهم (مثل زولتوفسكي) التزامًا صارمًا بالقواعد الكلاسيكية، بينما طور آخرون (مثل فومين، وشتشوكو، وإيليا غولوسوف ) أساليبهم الحديثة الخاصة. [ 91 ]

مع قمع استقلالية المعماريين وإنكار الحداثة رسميًا (1932)، والذي تجلى في المسابقة الدولية لتصميم قصر السوفيت ، رُوِّج للكلاسيكية الجديدة فورًا كأحد الخيارات في العمارة الستالينية ، وإن لم يكن الخيار الوحيد. تعايشت هذه الكلاسيكية مع عمارة بوريس يوفان ذات النزعة الحداثية المعتدلة، والتي تقترب من فن الآرت ديكو المعاصر (شوكو). ومرة ​​أخرى، قدمت مدرسة زولتوفسكي أنقى نماذج هذا الأسلوب، والتي ظلت ظاهرة معزولة. كان التدخل السياسي كارثة على قادة البنائية، ولكنه لاقى ترحيبًا حارًا من معماريي المدارس الكلاسيكية.

كان الطراز الكلاسيكي الجديد خيارًا سهلًا للاتحاد السوفيتي ، إذ لم يعتمد على تقنيات البناء الحديثة ( كالهياكل الفولاذية أو الخرسانة المسلحة )، وكان من الممكن إعادة إنتاجه باستخدام أساليب البناء التقليدية . وهكذا، سُهِّلَت محاكاة تصاميم زولتوفسكي وفومين وغيرهما من كبار المعماريين في المدن النائية في ظل تقنين صارم للمواد . وقد سمح تحسين تقنيات البناء بعد الحرب العالمية الثانية للمعماريين الستالينيين بالخوض في بناء ناطحات السحاب، على الرغم من أن هذه الناطحات (بما في ذلك العمارة "المُصدَّرة" لقصر الثقافة والعلوم في وارسو ومركز شنغهاي الدولي للمؤتمرات) لا تشترك إلا قليلًا مع النماذج الكلاسيكية من الناحية الأسلوبية. واستمر الطراز الكلاسيكي الجديد وطراز عصر النهضة الجديد في مشاريع سكنية ومكتبية أقل تطلبًا حتى عام 1955، عندما وضع نيكيتا خروتشوف حدًا للعمارة الستالينية الباهظة.

المملكة المتحدة

ابتكر الأخوان آدم وجيمس أسلوب آدم ، ونشرا عام ١٧٧٧ مجلدًا من النقوش التي تُصوّر الزخارف الداخلية. في الزخارف الداخلية المُستوحاة من رسومات روبرت آدم، تُقسّم الجدران والأسقف والأبواب وأي سطح آخر إلى لوحات كبيرة: مستطيلة، دائرية، مربعة، مُزينة بالجص وزخارف يونانية رومانية على الحواف. تشمل الزخارف المستخدمة الأكاليل ، واللآلئ، والأشرطة المُزخرفة، والميداليات ، وأي زخارف أخرى شائعة في العصور الكلاسيكية القديمة (وخاصةً الأترورية منها). أما التجهيزات الزخرفية، مثل المزهريات الحجرية على شكل جرار، والأواني الفضية المُذهّبة، والمصابيح، والتماثيل الصغيرة، فتستمد جميعها إلهامها من العصور الكلاسيكية القديمة. يُبرز أسلوب آدم المرايا المستطيلة الأنيقة، المُؤطّرة كلوحات فنية (بإطارات مُزخرفة بأوراق نباتية)، أو ذات سقف مُثلّث يعلوها ، يحمل جرة أو ميدالية. يتميز تصميم آخر لمرايا آدم بشكله الذي يشبه نافذة البندقية ، حيث تتوسطها مرآة كبيرة بين مرآتين أخريين أرق وأطول. وهناك نوع آخر من المرايا البيضاوية، والتي عادةً ما تُزين بأكاليل. وتتشابه بنية الأثاث المصمم على هذا الطراز مع أثاث لويس السادس عشر . [ 98 ]

إلى جانب أسلوب آدم، تشتهر إنجلترا في مجال الفنون الزخرفية بصانع الخزف جوزيا ويدجوود (1730-1795)، الذي أسس مصنعًا للخزف يُدعى إتروريا. تُصنع أواني ويدجوود من مادة تُسمى جاسبروير ، وهي نوع صلب ودقيق الحبيبات من الخزف الحجري . عادةً ما تُزين مزهريات ويدجوود بنقوش بارزة بلونين، وغالبًا ما تكون الأشكال بيضاء والخلفية زرقاء.

الولايات المتحدة

في القارة الأمريكية ، تأثرت العمارة والديكور الداخلي بشكل كبير بالأنماط الأوروبية. وقد برز الذوق الفرنسي بقوة في الولايات الجنوبية (بعد الثورة الفرنسية، انتقل بعض المهاجرين إلى هناك، وفي كندا، ينحدر جزء كبير من السكان من أصول فرنسية). وقد أضفت الروح العملية والظروف المادية للأمريكيين في ذلك الوقت طابعًا مميزًا على التصميم الداخلي. فجميع الأثاث والسجاد وأدوات المائدة والخزف والفضيات الأمريكية، بتأثيراتها الأوروبية، وأحيانًا الإسلامية والتركية والآسيوية ، صُنعت وفقًا للمعايير والذوق والمتطلبات الوظيفية الأمريكية. وشهدت الولايات المتحدة فترة ازدهار طراز الملكة آن ، وفترة أخرى ازدهار طراز تشيبينديل . كما تطور طراز خاص به، وهو الطراز الفيدرالي، بشكل كامل في القرنين الثامن عشر والتاسع عشر، متأثرًا بالذوق البريطاني. وتحت تأثير الكلاسيكية الجديدة، ظهرت العمارة والتصميم الداخلي والأثاث. وعلى الرغم من تنوع خصائص هذا الطراز من ولاية إلى أخرى، إلا أنه يتميز بوحدة جوهرية. تتسم هياكل العمارة والتصميمات الداخلية والأثاث بالطابع الكلاسيكي، مع دمج تأثيرات الباروك والروكوكو . وتشمل الأشكال المستخدمة المستطيلات والأشكال البيضاوية والأهلة. وتُعيد الألواح الجصية أو الخشبية على الجدران والأسقف إنتاج الزخارف الكلاسيكية. أما الأثاث، فيميل إلى أن يكون مزينًا بالتطعيمات الزهرية والتطعيمات البرونزية أو النحاسية ( المذهبة أحيانًا ). [ 102 ]

حدائق

في إنجلترا، كان للأدب الأوغسطي توازي مباشر مع أسلوب تصميم المناظر الطبيعية الأوغسطي. وتتجلى هذه الروابط بوضوح في أعمال ألكسندر بوب . ومن أفضل الأمثلة الباقية على الحدائق الإنجليزية الكلاسيكية الجديدة: تشيسويك هاوس ، وستو هاوس ، وستورهيد . [ 103 ]

موضة

في عالم الموضة، أثرت الكلاسيكية الجديدة على بساطة فساتين النساء، وعلى رواج اللون الأبيض لفترة طويلة، حتى قبل الثورة الفرنسية، ولكن لم تنتشر محاولات تقليد الأنماط القديمة على نطاق واسع في فرنسا، على الأقل بين النساء، إلا بعد الثورة. لطالما ارتدت السيدات الأنيقات أزياءً كلاسيكية، متقمصات شخصيات من الأساطير اليونانية أو الرومانية في الصور الشخصية (لا سيما صور عارضة الأزياء الشابة إيما، ليدي هاميلتون، التي انتشرت في ثمانينيات القرن الثامن عشر)، ولكن هذه الأزياء كانت تُرتدى فقط في جلسات التصوير وحفلات التنكر حتى فترة الثورة، وربما، كغيرها من الأنماط الغريبة، كملابس منزلية. أما الأزياء التي ظهرت في صور جولييت ريكامييه ، وجوزفين دي بوهارنيه ، وتيريزا تاليان، وغيرهن من رائدات الموضة الباريسيات، فكانت مناسبة للخروج والظهور في الأماكن العامة أيضاً. عندما رأى تاليران السيدة تاليان في دار الأوبرا، قال مازحًا : " لا يمكن للمرء أن يكون أكثر فخامةً في ملابسه!". في عام ١٧٨٨، قبيل الثورة الفرنسية، أقامت لويز إليزابيث فيجيه لو برون، رسامة البلاط، مأدبة عشاء يونانية ارتدت فيها السيدات أثوابًا يونانية بيضاء بسيطة. [ ١٠٤ ] كانت تسريحات الشعر الكلاسيكية القصيرة، مع تجعيد الشعر كلما أمكن، أقل إثارةً للجدل وانتشر استخدامها على نطاق واسع، وأصبح الشعر مكشوفًا حتى في الأماكن المفتوحة؛ فباستثناء فساتين السهرة، كان من المعتاد ارتداء القبعات أو أغطية أخرى حتى في الأماكن المغلقة. واستُخدمت أشرطة أو شرائط رفيعة على الطراز اليوناني لربط الشعر أو تزيينه.

كانت الفساتين خفيفة وفضفاضة للغاية، وعادةً ما تكون بيضاء اللون، وغالبًا ما تكشف عن أذرعها بشكلٍ لافت، وتنسدل بشفافية من الكاحل إلى أسفل الصدر مباشرةً، حيث يبرز حاشية رفيعة أو رباط حول الجسم، غالبًا بلون مختلف. يُعرف هذا التصميم الآن باسم " فستان الإمبراطورية"، على الرغم من أنه يسبق الإمبراطورية الفرنسية الأولى لنابليون، إلا أن إمبراطورته الأولى جوزفين دي بوهارنيه كان لها دورٌ بارز في نشره في جميع أنحاء أوروبا. وكان الشال أو الوشاح المستطيل الطويل، الذي غالبًا ما يكون أحمر سادة ولكنه مزين بحافة في الصور، يُستخدم في الطقس البارد، ويبدو أنه كان يُلف حول الخصر عند الجلوس - حيث كانت الوضعيات شبه المستلقية المريحة هي الأكثر شيوعًا. [ 105 ] وبحلول بداية القرن التاسع عشر، انتشرت هذه الأنماط على نطاق واسع في جميع أنحاء أوروبا.

كانت أزياء الرجال الكلاسيكية الجديدة أكثر إشكالية، ولم تنتشر فعلياً إلا في مجال تصفيف الشعر، حيث لعبت دوراً هاماً في قصات الشعر القصيرة التي قضت نهائياً على استخدام الشعر المستعار، ثم بودرة الشعر البيضاء، لدى الشباب. كان البنطال رمزاً للبربرية عند الإغريق والرومان، ولكن خارج مرسم الرسام، أو النحات على وجه الخصوص، لم يكن سوى قلة من الرجال مستعدين للتخلي عنه. في الواقع، شهدت تلك الفترة انتصار البنطال الكامل، أو البنطال القصير ، على الكولوت أو السراويل القصيرة التي كانت رائجة في عهد النظام القديم . حتى عندما صمم دافيد زياً وطنياً فرنسياً جديداً بناءً على طلب الحكومة خلال ذروة الحماس الثوري لتغيير كل شيء عام 1792، تضمن هذا الزي جوارب ضيقة تحت معطف يصل إلى أعلى الركبة. لقد أمضت نسبة كبيرة من الشباب الميسورين جزءًا كبيرًا من الفترة الرئيسية في الخدمة العسكرية بسبب حروب الثورة الفرنسية ، وكان الزي العسكري، الذي بدأ يركز على السترات القصيرة من الأمام، مما يتيح رؤية كاملة للسراويل الضيقة، يُرتدى غالبًا عندما لا يكونون في الخدمة، وقد أثر ذلك على أنماط الرجال المدنيين.

أدرك الفنانون أن مشكلة السراويل تشكل عائقًا أمام رسم لوحات تاريخية معاصرة ؛ فمثلها مثل عناصر أخرى من الأزياء المعاصرة، اعتبرها العديد من الفنانين والنقاد قبيحة للغاية وغير بطولية. ولتجنب تصويرها في المشاهد الحديثة، استُخدمت حيل مختلفة. ففي لوحة " جيمس دوكينز وروبرت وود يكتشفان آثار تدمر " (1758) لغافين هاميلتون ، يظهر عالما الآثار النبيلان مرتديين أثوابًا عربية تشبه التوغا . أما في لوحة "واتسون والقرش " (1778) لجون سينغلتون كوبلي ، فمن الممكن تصوير الشخصية الرئيسية عارية، وقد صُممت اللوحة بحيث يظهر رجل واحد فقط من بين الرجال الثمانية الآخرين بساق واحدة بارزة . ومع ذلك، قاد الأمريكيان كوبلي وبنجامين ويست الفنانين الذين أثبتوا بنجاح أنه يمكن استخدام السراويل في المشاهد البطولية، من خلال أعمال مثل لوحة ويست " موت الجنرال وولف" (1770) ولوحة كوبلي " موت الرائد بيرسون، 6 يناير 1781 " (1783)، على الرغم من أنه كان لا يزال يتم تجنب السراويل بعناية في لوحة "طوف ميدوسا" ، التي اكتملت في عام 1819.

من بين تسريحات الشعر الرجالية المستوحاة من الطراز الكلاسيكي، تسريحة "بيدفورد كروب" ، التي تُعتبر، بلا شك، سلفًا لمعظم تسريحات الشعر الرجالية الحديثة البسيطة، والتي ابتكرها السياسي الراديكالي فرانسيس راسل، دوق بيدفورد الخامس، احتجاجًا على فرض ضريبة على بودرة الشعر ؛ حيث شجع أصدقاءه على اعتمادها من خلال رهانٍ على رفضهم. وهناك تسريحة أخرى مؤثرة (أو مجموعة من التسريحات) أطلق عليها الفرنسيون اسم " كوافير آ لا تيتوس " نسبةً إلى تيتوس جونيوس بروتوس (وليس الإمبراطور الروماني تيتوس كما يُظن غالبًا)، وتتميز بشعر قصير ومُدرّج، ولكنه مُكدّس نوعًا ما عند أعلى الرأس، وغالبًا ما يكون مُصفّفًا بخصلات مُنسدلة أو مُقلمة؛ وتُعرف بعض أشكالها من شعر كلٍ من نابليون وجورج الرابع ملك المملكة المتحدة. ويُقال إن الممثل فرانسوا جوزيف تالما هو من قدّم هذه التسريحة ، حيث تفوّق على زملائه الممثلين الذين يرتدون الشعر المستعار عند ظهوره في عروض مسرحية لأعمال مثل مسرحية " بروتوس " لفولتير (التي تتناول قصة لوسيوس جونيوس بروتوس ، الذي أمر بإعدام ابنه تيتوس). في عام 1799 ذكرت مجلة أزياء باريسية أن حتى الرجال الصلع كانوا يتبنون شعر تيتوس المستعار، [ 106 ] وكان هذا النمط يرتديه النساء أيضًا، حيث ذكرت صحيفة Journal de Paris في عام 1802 أن "أكثر من نصف النساء الأنيقات كن يرتدين شعرهن أو شعرهن المستعار على طريقة تيتوس" . [ 107 ]

موسيقى

تُعدّ الكلاسيكية الجديدة في الموسيقى حركةً ظهرت في القرن العشرين؛ وفي هذه الحالة، كانت تُحيي الأساليب الموسيقية الكلاسيكية والباروكية للقرنين السابع عشر والثامن عشر، بميلها إلى الألحان اليونانية والرومانية، وليس موسيقى العالم القديم نفسه. (لم يكن أوائل القرن العشرين قد ميّز بعدُ بين العصر الباروكي في الموسيقى، الذي استقى منه مؤلفو الكلاسيكية الجديدة إلهامهم بشكل رئيسي، وبين ما نسميه الآن العصر الكلاسيكي). كانت هذه الحركة رد فعل في النصف الأول من القرن العشرين على تفكك التلوين اللحني في أواخر الرومانسية والانطباعية ، وظهرت بالتوازي مع الحداثة الموسيقية، التي سعت إلى التخلي عن التناغم الموسيقي تمامًا. لقد أظهر ذلك رغبة في النظافة والبساطة في الأسلوب، مما سمح بإعادة صياغة متنافرة تمامًا للإجراءات الكلاسيكية، ولكنه سعى إلى إزالة خيوط العنكبوت الرومانسية ولمحات الانطباعية الخافتة لصالح الإيقاعات الجريئة والتناغم الحازم والأشكال المقطعية الواضحة، بالتزامن مع رواج الرقص والأزياء "الكلاسيكية" المعاد بناؤها في الباليه والتربية البدنية .

شهدت مقطوعات الرقص في القرنين السابع عشر والثامن عشر انتعاشًا طفيفًا قبل الحرب العالمية الأولى، لكن الكلاسيكيين الجدد لم يكونوا راضين تمامًا عن التناغم الموسيقي غير المُعدَّل، وميلوا إلى التركيز على التنافر الواضح في الزخارف والتعليقات، والخصائص الزاوية للتناغم النغمي في القرن السابع عشر، والخطوط الحيوية للكتابة الموسيقية المتناغمة. وقد مهدت مقطوعة " الألحان والرقصات القديمة" لأوتورينو ريسبيغي (1917) الطريق لنوع الصوت الذي طمح إليه الكلاسيكيون الجدد. وعلى الرغم من أن استعارة الأساليب الموسيقية من الماضي لم تكن ممارسة نادرة عبر التاريخ الموسيقي، فقد مرت الموسيقى الفنية بفترات استخدم فيها الموسيقيون تقنيات حديثة مقترنة بأشكال أو تناغمات قديمة لإنشاء أنواع جديدة من الأعمال. من أبرز خصائص هذا الأسلوب التأليفي: الاستناد إلى السلم الموسيقي الدياتوني، والأشكال التقليدية (كالمقطوعات الراقصة، والكونشرتو جروسي، وأشكال السوناتا، وغيرها)، وفكرة الموسيقى المطلقة غير المقيدة بالارتباطات الوصفية أو العاطفية، واستخدام الأنسجة الموسيقية الخفيفة، وإيجاز التعبير الموسيقي. وقد برز هذا الأسلوب بشكل ملحوظ في الموسيقى الكلاسيكية بين عشرينيات وخمسينيات القرن العشرين. يُعد إيغور سترافينسكي أشهر مؤلف موسيقي استخدم هذا الأسلوب؛ إذ بدأ فعلياً الثورة الموسيقية بتأليفه ثمانية آلات نفخية (1923) على غرار أعمال باخ. ومن الأعمال الفردية التي تُمثل هذا الأسلوب خير تمثيل سيمفونية بروكوفييف الكلاسيكية رقم 1 في مقام ري الكبير، والتي تُذكرنا بأسلوب هايدن أو موتسارت السيمفوني . أما الباليه الكلاسيكي الجديد ، الذي ابتكره جورج بالانشين، فقد ساهم في تبسيط أسلوب الإمبراطورية الروسية من حيث الأزياء والخطوات والسرد، مع إدخال ابتكارات تقنية في الوقت نفسه.

الكلاسيكية الجديدة اللاحقة واستمراراتها

بعد منتصف القرن التاسع عشر، بدأ الطراز الكلاسيكي الجديد يفقد هيمنته، ليحل محله أسلوب انتقائي يجمع بين الأنماط الكلاسيكية . ويُعد قصر غارنييه في باريس مثالًا بارزًا على ذلك، فبالرغم من كونه كلاسيكيًا جديدًا في جوهره، إلا أنه يضم عناصر وزخارف مستوحاة من فن العمارة الباروكية وعصر النهضة . وقد شاع هذا الأسلوب في أواخر القرن التاسع عشر وأوائل القرن العشرين، قبل الحرب العالمية الأولى . وإلى جانب الطراز الكلاسيكي الجديد، اشتهرت حركة الفنون الجميلة في باريس بهذا الانتقائية في الأنماط الكلاسيكية.

قام بابلو بيكاسو بتجربة الزخارف الكلاسيكية في السنوات التي أعقبت الحرب العالمية الأولى مباشرة. [ 110 ]

في العمارة الأمريكية، مثّلت الكلاسيكية الجديدة أحد تجليات حركة النهضة الأمريكية ، حوالي عام ١٨٩٠-١٩١٧؛ وكان آخر تجلياتها في عمارة الفنون الجميلة ، وكانت آخر مشاريعها العامة الكبرى نصب لنكولن التذكاري (الذي وُجّهت إليه انتقادات لاذعة آنذاك)، والمعرض الوطني للفنون في واشنطن العاصمة (الذي وُجّهت إليه انتقادات لاذعة أيضًا من قِبل الأوساط المعمارية لكونه متخلفًا وقديم الطراز في تصميمه)، ونصب روزفلت التذكاري في المتحف الأمريكي للتاريخ الطبيعي . واعتُبرت هذه المشاريع مفارقات أسلوبية عند اكتمالها. وفي ظل الحكم البريطاني للهند، مثّلت خطة السير إدوين لوتينز الضخمة لمدينة نيودلهي نهاية عصر الكلاسيكية الجديدة. وجاءت الحرب العالمية الثانية لتُحطّم معظم التوق إلى (وتقليد) ذلك الزمن الأسطوري.

شهدت الفنون غير البصرية في القرن العشرين حركةً فنيةً كاملةً عُرفت أيضاً بالكلاسيكية الجديدة. شملت هذه الحركة الموسيقى والفلسفة والأدب على الأقل. وقد امتدت هذه الحركة بين نهاية الحرب العالمية الأولى ونهاية الحرب العالمية الثانية. (للاطلاع على معلومات حول الجوانب الموسيقية، انظر: الموسيقى الكلاسيكية في القرن العشرين والكلاسيكية الجديدة في الموسيقى . وللاطلاع على معلومات حول الجوانب الفلسفية، انظر: الكتب العظيمة ).

رفضت هذه الحركة الأدبية الكلاسيكية الجديدة الرومانسية المتطرفة (كما في حركة دادا على سبيل المثال) ، مفضلةً ضبط النفس والدين (وتحديدًا المسيحية) وبرنامجًا سياسيًا رجعيًا. ورغم أن تي إي هولم وضع أسس هذه الحركة في الأدب الإنجليزي ، إلا أن أشهر الكلاسيكيين الجدد كانا تي إس إليوت وويذام لويس . وفي روسيا، تبلورت الحركة في وقت مبكر من عام ١٩١٠ تحت اسم "الأكمية" ، وكان من أبرز ممثليها آنا أخماتوفا وأوسيب ماندلشتام .

فن الآرت ديكو

Although it started to be seen as 'dated' after WW1, principles, proportions and other Neoclassical elements were not abandoned yet. Art Deco was the dominant style during the interwar period, and it corresponds with the taste of a bourgeois elite for high class French styles of the past, including the Louis XVI, Directoire and Empire (the period styles of French Neoclassicism). At the same time, the French elite was equally capable of appreciating Modern art, like the works of Pablo Picasso or Amedeo Modigliani. The result of this situation is the early Art Deco style, which uses both new and old elements. The Palais de Tokyo from 1937 in Paris, by André Aubert and Marcel Dastugue, is a good example of this. Although ornaments are not used here, the facade being decorated only with reliefs, the way columns are present here is a strong reminiscence of Neoclassicism. Art Deco design often drew on Neoclassical motifs without expressing them overtly: severe, blocky commodes by Émile-Jacques Ruhlmann or Louis Süe & André Mare; crisp, extremely low-relief friezes of damsels and gazelles in every medium; fashionable dresses that were draped or cut on the bias to recreate Grecian lines; the art dance of Isadora Duncan. Conservative modernist architects such as Auguste Perret in France kept the rhythms and spacing of columnar architecture even in factory buildings.

The oscillation of Art Deco between the use of historic elements, shapes and proportions, and the appetite for 'new', for Modernism, is the result of multiple factors. One of them is eclecticism. The complexity and heterogeneity of Art Deco is largely due to the eclectic spirit. Stylized elements from repertoire of Beaux-Arts, Neoclassicism, or of cultures distant in time and space (Ancient Egypt, Pre-Columbian Americas, or Sub-Saharian African art) are put together with references to Modernist avant-guard artists of the early 20th century (Henri Matisse, Amedeo Modigliani or Constantin Brâncuși). The Art Deco phenomenon owes to academic eclecticism and Neoclassicism mainly the existence of a specific architecture. Without the contribution of the Beaux-Arts trained architects, Art Deco architecture would have remained, with the exception of residential buildings, a collection of decorative objects magnified to an urban scale, like the pavilions of the International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts from 1925, controversial at their time. Another reason for the swinging between historical elements and modernism was consumer culture. Objects and buildings in the puritan International style, devoid of any ornamentation or citation of the past, were too radical for the general public. In interwar France and England, the spirit of the public and much architectural criticism could not conceive a style totally deprived of ornament, like the International style.

The use of historic styles as sources of inspiration for Art Deco starts as far back as the years before WW1, through the efforts of decorators like Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot or Émile-Jacques Ruhlmann, who relate to the prestigious French artistic and handicraft tradition of the late 18th and early 19th centuries (the Louis XVI, Directoire and Louis Philippe), and who want to bring a new approach to these styles. The neo-Louis XVI style was really popular in France and Romania in the years before WW1, around 1910, and it heavily influenced multiple early Art Deco designs and buildings. A good example of this is the Château de Sept-Saulx in Grand Est, France, by Louis Süe, 1928–1929.[118]

Neoclassicism and totalitarian regimes

In Fascist Italy, Nazi Germany, Romania under the rule of Carol II and the Soviet Union, during the 1920s and 1930s, totalitarian regimes chose Neoclassicism for state buildings and art. Architecture was central to totalitarian regimes' expression of their permanence (despite their obvious novelty). The way totalitarian regimes drew from Classicism took many forms. When it comes to state buildings in Italy and Romania, architects attempted to fuse a modern sensibility with abstract classical forms. Two good examples of this are the Palazzo della Civiltà Italiana in Rome, and the University Rectorate and Law Faculty Building in Bucharest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46). In contrast, the Classicism of the Soviet Union, known as socialist realism, was bombastic, overloaded with ornaments and architectural sculptures, as an attempt to be in contrast with the simplicity of 'Capitalist' or 'bourgeois' styles like Art Deco or Modernism. The Lomonosov University in Moscow is a good example of this. Nikita Khrushchev, the Soviet leader that succeeded Stalin, did not like this pompous socialist realist architecture from the reign of his predecessor. Because of the low speed and cost of these Neoclassical buildings, he stated that 'they spent people's money on beauty that no one needs, instead of building simpler, but more'.

In the Soviet Union, Neoclassicism was embraced as a rejection of Art Deco and Modernism, which the Communists saw as being too 'bourgeois' and 'capitalist'. This Communist Neoclassical style is known as socialist realism, and it was popular during the reign of Joseph Stalin (1924–1953). In fine art. Generally, it manifested through deeply idealized representations of wiry workers, shown as heroes in collective farms or industrialized cities, political assemblies, achievements of Soviet technology, and through depictions happy children staying around Lenin or Stalin. Both subject matter and representation were carefully monitored. Artistic merit was determined by the degree to which a work contributed to the building of socialism. All artists had to join the state-controlled Union of Soviet Artists and produce work in the accepted style. The three guiding principles of socialist realism were party loyalty, presentation of correct ideology and accessibility. Realism, more easily understood by the masses, was the style of choice. At the beginning, in the Soviet Union, multiple competing avant-garde movements were present, notably Constructivism. However, as Stalin consolidated his power towards the end of the 1920s, avant-garde art and architecture were suppressed and eventually outlawed and official state styles were established. After Boris Iofan won the competition for the design of the Palace of the Soviets with a stepped classical tower, surmounted by a giant statue of Lenin, architecture soon reverted to pre-Revolutionary styles of art and architecture, untainted by Constructivism's perceived Western influence.[125] Although socialist realism in architecture ended more or less with the death of Stalin and the rise of Nikita Khrushchev, paintings in this style continued to be produced, especially in countries where there was a strong personality cult of the leader in power, like in the case of Mao Zedong's China, Kim Il Sung's North Korea, or Nicolae Ceaușescu's Romania.

The Nazis suppressed Germany's vibrant avant-garde culture once they gained control of the government in 1933. Albert Speer was set as Adolf Hitler's architectural advisor in 1934, and he tried to create an architecture that would both reflect the perceived unity of the German people and act as backdrop to the Nazis' expressions of power. The Nazis' approach to architecture was riddled with contradictions: while Hitler and Speer's plans for reordering Berlin aspired to imitate imperial Rome, in rural contexts Nazi buildings took inspiration from local vernaculars, trying to channel an 'authentic' German spirit. When it come to fine art, the Nazis created the term 'Degenerate art' for Modern art, a kind of art which to them was 'un-German', 'Jewish' or 'Communist'. The Nazis hated modern art and linked it to 'Cultural Bolshevism', the conspiracy theory that art (or culture broadly) was controlled by a leftist Jewish cabal seeking to destroy the aryan race. Hitler's war on Modern art mostly consisted of an exhibition that tried to discredit Modern artists, called the 'Degenerate Art exhibition' (German: Die Ausstellung "Entartete Kunst"). This exhibition was displayed next to the Great Exhibition of German Art, which consisted of artworks that the Nazis approved of. This way, the visitors of both exhibitions could compare the art labeled by the regime as 'good' and 'bad'. With a similar attitude, the regime closed in 1931 the Bauhaus, an avant-garde art school in Dessau that was extremely influential post-war. It reopened in Berlin in 1932, but was closed again in 1933.

Compared to Germany and the Soviet Union, in Italy the avant-garde contributed to state architecture. Classical architecture was also an influence, echoing Benito Mussolini's far cruder attempts to create links between his Fascist regime and ancient Rome. Some Italian architects tried to create fusions between Modernism and Classicism, like Marcello Piacentini with the Sapienza University of Rome, or Giuseppe Terragni with Casa del Fascio in Como.[126]

In Romania, towards the late 1930s, influenced by the Autocratic tendency of King Carol II, multiple state buildings were erected. They were Neoclassical, many very similar to what was popular in the same years in Fascist Italy. Examples in Bucharest include the University Rectorate and Law Faculty Building (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), the Kretzulescu Apartment Building (Calea Victoriei no. 45), the CFR Building (Bulevardul Dinicu Golescu no. 38) or the Victoria Palace (Piața Victoriei no. 1). The Royal Palace, whose interiors are mostly done in a neo-Adam style, stands out by being more decorated, a little closer to the architecture before World War I.

Postmodernism

An early text questioning Modernism was by architect Robert Venturi, Complexity and Contradiction in Architecture (1966), in which he recommended a revival of the 'presence of the past' in architectural design. He tried to include in his own buildings qualities that he described as 'inclusion, inconsistency, compromise, accommodation, adaptation, superadjacency, equivalence, multiple focus, juxtaposition, or good and bad space.'[139] Robert Venturi's work reflected the broader counter-cultural mood of the 1960s which saw younger generations begin to question and challenge the political, social and racial realities with which they found themselves confronted. This rejection of Modernism is known as Postmodernism. Robert Venturi parodies Ludwig Mies van der Rohe's well-known maxim 'less is more' with 'less is a bore'. During the 1980s and 1990s, some Postmodern architects found a refuge in a sort of Neo-Neoclassicism. Their use of Classicism was not limited only to ornaments, using more or less proportions and other principles too. Post-Modern Classicism had been variously described by some people as 'camp' or 'kitsch'. An architect who has been remarked through Post-Modern Classicism is Ricardo Bofill. His work includes two housing projects of titanic scale near Paris, known as Les Arcades du Lac from 1975 to 1981, and Les Espaces d'Abraxas from 1978 to 1983. A building that stands out through its revivalism is the J. Paul Getty Museum, in Malibu, California, from 1970 to 1975, inspired by the ancient Roman Villa of the Papyri at Herculaneum. The J. Paul Getty Museum is far closer to 19th century Neoclassicism, like the Pompejanum in Aschaffenburg, Germany, than to Post-Modern Classicism of the 1980s.[140]

Architecture in the 21st century

After a lull during the period of modern architectural dominance (roughly post-World War II until the mid-1980s), Neoclassicism has seen something of a resurgence.

As of the first decade of the 21st century, contemporary Neoclassical architecture is usually classed under the umbrella term of New Classical Architecture. Sometimes it is also referred to as Neo-Historicism or Traditionalism.[142] Also, a number of pieces of postmodern architecture draw inspiration from and include explicit references to Neoclassicism, Antigone District and the National Theatre of Catalonia in Barcelona among them. Postmodern architecture occasionally includes historical elements, like columns, capitals or the tympanum.

For sincere traditional-style architecture that sticks to regional architecture, materials and craftsmanship, the term Traditional Architecture (or vernacular) is mostly used. The Driehaus Architecture Prize is awarded to major contributors in the field of 21st century traditional or classical architecture, and comes with a prize money twice as high as that of the modernist Pritzker Prize.[143]

In the United States, various contemporary public buildings are built in Neoclassical style, with the 2006 Schermerhorn Symphony Center in Nashville being an example.

In Britain, a number of architects are active in the Neoclassical style. Examples of their work include two university libraries: Quinlan Terry's Maitland Robinson Library at Downing College and Robert Adam Architects' Sackler Library.

See also

Notes

  1. ↑Stevenson, Angus (2010-08-19). Oxford Dictionary of English. OUP Oxford. ISBN 9780199571123.
  2. ↑Kohle, Hubertu. (August 7, 2006). "The road from Rome to Paris. The birth of a modern Neoclassicism". Jacques Louis David. New perspectives.
  3. ↑Baldick, Chris (2015). "Neoclassicism". The Oxford Dictionary of Literary Terms(Online Version) (4th ed.). Oxford University Press. ISBN 9780191783234.
  4. ↑Greene, Roland; et al., eds. (2012). "Neoclassical poetics". The Princeton Encyclopedia of Poetry and Poetics (4th rev. ed.). Princeton, NJ: Princeton University Press. ISBN 978-0-691-15491-6.
  5. ↑"Neoclassical architecture | Definition, Characteristics, Examples, & Facts | Britannica". www.britannica.com. 2023-06-01. Retrieved 2023-07-30.
  6. ↑"Classical / Classical Revival / Neo-Classical: an architectural style guide". www.architecture.com. Retrieved 2023-07-30.
  7. ↑Irwin, David G. (1997). Neoclassicism A&I (Art and Ideas). Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-3369-9.
  8. ↑Honour, 17–25; Novotny, 21
  9. ↑A recurring theme in Clark: 19–23, 58–62, 69, 97–98 (on Ingres); Honour, 187–190; Novotny, 86–87
  10. ↑Lingo, Estelle Cecile (2007). François Duquesnoy and the Greek ideal. Yale University Press; First Edition. pp. 161. ISBN 978-0-300-12483-5.
  11. ↑Talbott, Page (1995). Classical Savannah: fine & decorative arts, 1800-1840. University of Georgia Press. p. 6. ISBN 978-0-8203-1793-9.
  12. ↑Langdon, H. (2001). "Bellori, Giovanni Pietro". The Oxford Companion to Western Art. Oxford: Oxford University Press. Retrieved 10 May 2025.
  13. ↑Chilvers, I. "Bellori, Giovanni Pietro". The Oxford Dictionary of Art and Artists. Oxford: Oxford University Press. Retrieved 10 May 2025.
  14. ↑Cunningham, Reich, Lawrence S., John J. (2009). Culture and values: a survey of the humanities. Wadsworth Publishing; 7 edition. p. 104. ISBN 978-0-495-56877-3.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  15. ↑Honour, 57–62, 61 quoted
  16. ↑Both quotes from the first pages of "Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture"
  17. ↑"Industrial History of European Countries". European Route of Industrial Heritage. Council of Europe. Retrieved 2 June 2021.
  18. ↑North, Douglass C.; Thomas, Robert Paul (May 1977). "The First Economic Revolution". The Economic History Review. 30 (2). Wiley on behalf of the Economic History Society: 229–230. doi:10.2307/2595144. JSTOR 2595144. Retrieved 6 June 2022.
  19. ↑Dyson, Stephen L. (2006). In Pursuit of Ancient Pasts: A History of Classical Archaeology in the Nineteenth and Twentieth Centuries. Yale University Press. pp. xii. ISBN 978-0-300-11097-5.
  20. ↑Honour, 21
  21. ↑Honour, 11, 23–25
  22. ↑Honour, 44–46; Novotny, 21
  23. ↑Honour, 43–62
  24. ↑Fortenberry 2017, p. 275.
  25. ↑Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 413. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  26. ↑Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 211. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  27. 12Fortenberry 2017, p. 276.
  28. ↑Robertson, Hutton (2022). The History of Art - From Prehistory to Presentday - A Global View. Thames & Hudson. p. 993. ISBN 978-0-500-02236-8.
  29. ↑Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 251. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  30. ↑Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 59. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  31. ↑Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 298. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  32. ↑Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 419. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  33. ↑Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 270. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  34. ↑Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 298. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  35. ↑Clark, 20 (quoted); Honour, 14; image of the painting (in fairness, other works by Mengs are more successful)
  36. ↑Honour, 31–32 (31 quoted)
  37. ↑Honour, 113–114
  38. ↑Honour, 14
  39. ↑Novotny, 62
  40. ↑Novotny, 51–54
  41. ↑Clark, 45–58 (47–48 quoted); Honour, 50–57
  42. ↑Honour, 34–37; Clark, 21–26; Novotny, 19–22
  43. ↑Novotny, 39–47; Clark, 97–145; Honour, 187–190
  44. ↑ART ● Architecture ● Painting ● Sculpture ● Graphics ● Design. Gardners Books. 2011. p. 313. ISBN 978-1-4454-5585-3.
  45. 123Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 273. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  46. ↑Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (in French). Hazan. p. 264. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  47. ↑Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (in French). Hazan. p. 265. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  48. ↑Fortenberry 2017, p. 278.
  49. ↑Novotny, 378
  50. ↑Novotny, 378–379
  51. ↑Chinard, Gilbert, ed., Houdon in America Arno PressNy, 1979, a reprint of a book published by Johns Hopkins University, 1930
  52. ↑Novotny, 379–384
  53. ↑Novotny, 384–385
  54. ↑Novotny, 388–389
  55. ↑Novotny, 390–392
  56. ↑Gerdts, William H., American Neo-Classic Sculpture: The Marble Resurrection, Viking Press, New York, 1973 p. 11
  57. ↑Larbodière, Jean-Marc (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (in French). Massin. p. 106. ISBN 978-2-7072-0915-3.
  58. ↑Palmer, Alisson Lee. Historical dictionary of neoclassical art and architecture. p. 1.
  59. 12Gontar
  60. ↑Honour, 110–111, 110 quoted
  61. ↑Honour, 171–184, 171 quoted
  62. ↑de Martin 1925, p. 11.
  63. ↑Jones 2014, p. 276.
  64. ↑de Martin 1925, p. 13.
  65. 123Jones 2014, p. 273.
  66. ↑Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 65. ISBN 978-1-84484-899-7.
  67. ↑Larbodière, Jean-Marc (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (in French). Massin. p. 105. ISBN 978-2-7072-0915-3.
  68. ↑de Martin 1925, p. 17.
  69. ↑"Corner Cabinet - The Art Institute of Chicago".
  70. ↑de Martin 1925, p. 61.
  71. 12Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 61. ISBN 978-1-84484-899-7.
  72. ↑Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 200, 201 & 202.
  73. ↑Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 71.
  74. ↑Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 72.
  75. ↑"ASTRONOMICAL CLOCK". madparis.fr. Retrieved 23 May 2021.
  76. ↑"Bergère du salon de Madame Récamier (OA 11384 à 11391), d'une paire avec OA 11386". collections.louvre.fr. 1799. Retrieved 23 May 2022.
  77. ↑Jones 2014, p. 275.
  78. 12Hopkins 2014, p. 111.
  79. ↑Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. Abrams. p. 209. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  80. ↑Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. Abrams. p. 32. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  81. ↑Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 217, 219, 220 & 221.
  82. ↑Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 103 & 105.
  83. ↑Ispir, Mihai (1984). Clasicismul în Arta Românească (in Romanian). Editura Meridiane.
  84. ↑Florea, Vasile (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent. Litera. pp. 296, 297. ISBN 978-606-33-1053-9.
  85. ↑Oltean, Radu (2009). București 550 de ani de la prima atestare documentată 1459-2009 (in Romanian). ArCuB. p. 113. ISBN 978-973-0-07036-1.
  86. ↑Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 65.
  87. ↑Florea, Vasile (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent. Litera. pp. 294, 296, 297. ISBN 978-606-33-1053-9.
  88. ↑Lăzărescu, Cristea & Lăzărescu 1972, p. 67, 68.
  89. ↑Кіровоградська римо-католицька парафія Святого Духа // Місто і люди. Єлисаветград — Кіровоград, 1754—2004. Ілюстрована енциклопедія., Кіровоград: , «Імекс-ЛТД», 2004, стор. 296—297
  90. ↑Місто і люди. Єлисаветград — Кіровоград, 1754—2004. Ілюстрована енциклопедія., Кіровоград: , «Імекс-ЛТД», 2004, стор.
  91. ↑"The Origins of Modernism in Russian Architecture". Content.cdlib.org. Retrieved 2012-02-12.
  92. 12Hopkins 2014, p. 103.
  93. ↑Bailey 2012, pp. 226.
  94. ↑Fortenberry 2017, p. 274.
  95. ↑Farthing, Stephen (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta urbană (in Romanian). rao. p. 260. ISBN 978-606-006-392-6.
  96. ↑Hopkins 2014, p. 104.
  97. ↑"Covered Urn - Cleveland Museum of Art". 30 October 2018. Retrieved 6 May 2022.
  98. ↑Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 253, 255 & 256.
  99. 12Hodge 2019, p. 112.
  100. ↑Hodge 2019, p. 31.
  101. ↑Irving, Mark (2019). 1001 BUILDINGS You Must See Before You Die. Cassel Illustrated. p. 281. ISBN 978-1-78840-176-0.
  102. ↑Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 269, 270, & 271.
  103. ↑Turner, Turner (2013). British gardens: history, philosophy and design, Chapter 6 Neoclassical gardens and landscapes 1730–1800. London: Routledge. p. 456. ISBN 978-0415518789.
  104. ↑Hunt, 244
  105. ↑Hunt, 244–245
  106. ↑Hunt, 243
  107. ↑Rifelj, 35
  108. 12Jones 2014, p. 296.
  109. ↑Hopkins 2014, p. 135.
  110. 12Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 79. ISBN 978-973-1872-03-2.
  111. ↑"Commode à deux vantaux, cabinet de milieu". musee-orsay.fr. Retrieved 25 June 2023.
  112. ↑"A Primavera: Homenagem a Jean Goujon". gulbenkian.pt. Retrieved 25 June 2023.
  113. ↑Kadijevic, Aleksandar. "Arhitekt Josif Najman (1890-1951), Moment 18, Beograd 1990, 100-106".{{cite journal}}: Cite journal requires |journal= (help)
  114. ↑Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 81. ISBN 978-973-1872-03-2.
  115. 12Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 91. ISBN 978-973-1872-03-2.
  116. ↑Curl, James Stevens (2013). The Egyptian Revival: Ancient Egypt as the Inspiration for Design Motifs in the West. Routledge. p. 412. ISBN 978-1-134-23467-7.
  117. ↑Woinaroski, Cristina (2013). Istorie urbană, Lotizarea și Parcul Ioanid din București în context european (in Romanian). SIMETRIA. p. 216. ISBN 978-973-1872-30-8.
  118. ↑Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. pp. 29, 31, 40, 79, 91. ISBN 978-973-1872-03-2.
  119. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 880. ISBN 978-1-52942-030-2.
  120. ↑Dempsey, Amy (2018). Modern Art. Thamed & Hudson. p. 93. ISBN 978-0-500-29322-5.
  121. ↑Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 72.
  122. ↑Hopkins 2014, p. 175.
  123. 12Hopkins 2014, p. 176.
  124. ↑Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 181.
  125. ↑Dempsey, Amy (2018). Modern Art. Thamed & Hudson. pp. 92, 93. ISBN 978-0-500-29322-5.
  126. ↑Hopkins 2014, p. 174, 175, 176.
  127. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. pp. 663, 664. ISBN 978-1-52942-030-2.
  128. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 663. ISBN 978-1-52942-030-2.
  129. ↑Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 53. ISBN 978-0-500-51914-1.
  130. 12Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 121. ISBN 978-0-500-51914-1.
  131. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 665. ISBN 978-1-52942-030-2.
  132. ↑"77 West Wacker Drive Interior (1992)". are.na. Retrieved 3 September 2023.
  133. 12Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 77. ISBN 978-0-500-51914-1.
  134. ↑Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 65. ISBN 978-0-500-51914-1.
  135. ↑Eleanor Gibson (19 September 2018). "Seven of Robert Venturi's best postmodern projects". dezeen.com. Retrieved 25 June 2023.
  136. ↑"The Forum Shops at Caesars Palace (1992)". are.na. Retrieved 3 September 2023.
  137. 12Gray, George T. (2022). An Introduction to the History of Architecture, Art & Design. Sunway University Press. p. 265. ISBN 978-967-5492-24-2.
  138. ↑"Philippe Starck, a pair of 'Louis Ghost' armchairs, Kartell. - Bukowskis". smow.com. Retrieved 19 June 2023.
  139. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 660. ISBN 978-1-52942-030-2.
  140. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. pp. 660, 661, 663. ISBN 978-1-52942-030-2.
  141. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 673. ISBN 978-1-52942-030-2.
  142. ↑"Neo-classicist Architecture. Traditionalism. Historicism".
  143. ↑Driehaus Prize for New Classical Architecture at Notre Dame SoAArchived 2017-02-10 at the Wayback Machine – Together, the $200,000 Driehaus Prize and the $50,000 Reed Award represent the most significant recognition for classicism in the contemporary built environment.; retained March 7, 2014

References

  • Bailey, Gauvin Alexander (2012). Baroque & Rococo. Phaidon. ISBN 978-0-7148-5742-8.
  • Celac, Mariana; Carabela, Octavian; Marcu-Lapadat, Marius (2017). Bucharest Architecture – an annotated guide. Order of Architects of Romania. ISBN 978-973-0-23884-6.
  • Clark, Kenneth (1976). The Romantic Rebellion: Romantic versus Classic Art. Omega. ISBN 0-86007-718-7.
  • de Martin, Henry (1925). Le Style Louis XVI (in French). Flammarion.
  • Fortenberry, Diane (2017). The Art Museum (Revised ed.). London: Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-7502-6. Archived from the original on 2021-04-23. Retrieved 2021-04-23.
  • Gontar, Cybele (October 2003). "Neoclassicism". New York: The Metropolitan Museum of Art.
  • Hodge, Susie (2019). The Short Story of Architecture. Laurence King Publishing. ISBN 978-1-7862-7370-3.
  • Hopkins, Owen (2014). Architectural Styles: A Visual Guide. Laurence King. ISBN 978-178067-163-5.
  • Honour, Hugh (1968). Neo-classicism. Style and Civilisation. Penguin.. Reprinted 1977.
  • Hunt, Lynn (1998). "Freedom of Dress in Revolutionary France". In Melzer, Sara E.; Norberg, Kathryn (eds.). From the Royal to the Republican Body: Incorporating the Political in Seventeenth- and Eighteenth-Century France. University of California Press. ISBN 9780520208070.
  • Jones, Denna, ed. (2014). Architecture The Whole Story. Thames & Hudson. ISBN 978-0-500-29148-1.
  • Lăzărescu, Cezar; Cristea, Gabriel; Lăzărescu, Elena (1972). Arhitectura Românească în Imagini (in Romanian). Editura Meridiane.
  • Novotny, Fritz. Painting and Sculpture in Europe, 1780–1880 (2nd (reprinted 1980) ed.).
  • Rifelj, Carol De Dobay (2010). Coiffures: Hair in Nineteenth-Century French Literature and Culture. University of Delaware Press. ISBN 9780874130997.

Further reading

  • Brown, Kevin (2017). Artist and Patrons: Court Art and Revolution in Brussels at the end of the Ancien Regime, Dutch Crossing, Taylor and Francis
  • Eriksen, Svend. Early Neoclassicism in France (1974)
  • Friedlaender, Walter (1952). David to Delacroix (originally published in German; reprinted 1980)
  • Gromort, Georges, with introductory essay by Richard Sammons (2001). The Elements of Classical Architecture (Classical America Series in Art and Architecture)
  • Harrison, Charles; Paul Wood and Jason Gaiger (eds) (2000; repr. 2003). Art in Theory 1648–1815: An Anthology of Changing Ideas
  • Hartop, Christopher, with foreword by Tim Knox (2010).
  • The Classical Ideal: English Silver, 1760–1840, exh. cat. Cambridge: John AdamsonISBN 978-0-9524322-9-6.
  • Irwin, David (1966). English Neoclassical Art: Studies in Inspiration and Taste
  • Johnson, James William. "What Was Neo-Classicism?" Journal of British Studies, vol. 9, no. 1, 1969, pp. 49–70. online
  • Rosenblum, Robert (1967). Transformations in Late Eighteenth-Century Art