الفن الآسيوي

تنوع الفن الصيني (بالصينية: 中國藝術/中国艺术) عبر تاريخه العريق ، مقسمًا إلى فترات زمنية تبعًا للسلالات الحاكمة في الصين وتطور التكنولوجيا. وقد تأثرت مختلف أشكال الفن بالفلاسفة والمعلمين والشخصيات الدينية، وحتى القادة السياسيين. يشمل الفن الصيني الفنون الجميلة والفنون الشعبية وفنون الأداء . والفن الصيني هو أي فن ، سواء كان حديثًا أو قديمًا، نشأ في الصين أو يُمارس فيها أو على يد فنانين أو مؤدين صينيين.

في عهد أسرة سونغ ، تميز الشعر بنوع من الشعر الغنائي يُعرف باسم "تسي" (詞)، والذي عبّر عن مشاعر الرغبة، غالبًا من خلال شخصية مُتخيّلة. وفي عهد أسرة سونغ أيضًا، ظهرت لوحاتٌ تُعبّر عن المناظر الطبيعية بتعبيراتٍ أكثر دقة، بخطوطٍ ضبابية وتضاريس جبلية تُجسّد البُعد من خلال معالجة انطباعية للظواهر الطبيعية. وخلال هذه الفترة، ركّز الرسم على العناصر الروحية بدلًا من العاطفية، كما كان الحال في الفترة السابقة. وتطورت "كونتشو" ، أقدم أشكال الأوبرا الصينية الباقية، خلال عهد أسرة سونغ في كونشان ، بالقرب من مدينة شنغهاي الحالية. وفي عهد أسرة يوان ، أثّرت لوحات الرسام الصيني تشاو منغفو (趙孟頫) بشكل كبير على رسم المناظر الطبيعية الصينية اللاحقة، وأصبحت أوبرا أسرة يوان نوعًا من الأوبرا الصينية التي لا تزال تُمارس حتى اليوم باسم الأوبرا الكانتونية .

الرسم الصيني

غونغبي وشييي هما أسلوبان من أساليب الرسم في الرسم الصيني .

تعني كلمة "غونغبي" "الدقة"، وتتميز بألوانها الغنية وتفاصيلها الدقيقة، وغالبًا ما تصور صورًا شخصية أو قصصًا. أما كلمة "شييي" فتعني "الرسم الحر"، وغالبًا ما يكون شكلها مبالغًا فيه وغير واقعي، مع التركيز على التعبير العاطفي للرسام، وعادةً ما تُستخدم في تصوير المناظر الطبيعية. ^{[ 11 ]}

إلى جانب الورق والحرير، استُخدمت اللوحات التقليدية أيضًا في الرسم على الجدران، كما هو الحال في كهوف موغاو في مقاطعة قانسو. بُنيت كهوف موغاو في دونهوانغ خلال عهد أسرة وي الشمالية (386-534 م). وتضم أكثر من 700 كهف، منها 492 كهفًا مزينة بلوحات جدارية، بمساحة إجمالية تزيد عن 45,000 متر مربع. ^{[ 12 ] [ 13 ]} تتميز هذه اللوحات الجدارية بتنوع محتواها، إذ تشمل تماثيل بوذا، والجنة، والملائكة، وأحداثًا تاريخية هامة، وحتى صورًا للمتبرعين. تأثرت أساليب الرسم في الكهوف القديمة بالهند والغرب. ومنذ عهد أسرة تانغ (618-906 م)، بدأت اللوحات الجدارية تعكس أسلوب الرسم الصيني الفريد. ^{[ 14 ]}

بانوراما على طول النهر خلال مهرجان تشينغمينغ ، نسخة طبق الأصل من القرن الثامن عشر للأصل الذي يعود للقرن الثاني عشر للفنان الصيني تشانغ زيدوان ؛ ملاحظة: تبدأ اللفافة من اليمين

الخط الصيني

يمكن تتبع أصول الخط الصيني إلى خط داتشوان (خط الختم الكبير) الذي ظهر في عهد أسرة تشو . بعد توحيد الإمبراطور تشين للصين، جمع رئيس الوزراء لي سي ودمج خط شياوتشوان (خط الختم الصغير) ليصبح النص الرسمي الجديد. يتميز خط الختم الصغير بأناقته، ولكنه صعب الكتابة بسرعة. في عهد أسرة هان الشرقية ، بدأ نوع من الخط يُسمى ليشو (الخط الرسمي) بالظهور. ولأنه يخلو من الدوائر وقليل الخطوط المنحنية، فهو مناسب جدًا للكتابة السريعة. بعد ذلك، ظهر خط كايشو (الخط التقليدي المنتظم)، ونظرًا لبساطة تركيبه ووضوحه، لا يزال هذا الخط مستخدمًا على نطاق واسع حتى اليوم. ^{[ 15 ] [ 16 ]}

الحرف الصينية القديمة

يشم

استُخدم اليشم في بداياته كزينة أو كأوانٍ قربانية. ظهرت أقدم قطعة صينية منحوتة من اليشم في حضارة هيمودو خلال العصر الحجري الحديث المبكر (حوالي 3500-2000 قبل الميلاد). خلال عهد أسرة شانغ (حوالي 1600-1046 قبل الميلاد)، ظهرت أدوات "بي" (اليشم الدائري المثقوب) و"كونغ" (أنبوب اليشم المربع)، والتي يُعتقد أنها كانت أوانٍ قربانية، تُمثل السماء والأرض. في عهد أسرة تشو (1046-256 قبل الميلاد)، وبفضل استخدام أدوات نقش ذات صلابة أعلى، نُحت اليشم بدقة أكبر وبدأ استخدامه كقلادة أو زينة في الملابس. ^{[ 17 ] [ 18 ]} كان يُعتقد أن اليشم خالد ويمكنه حماية صاحبه، لذلك كانت تُدفن الأشياء المنحوتة من اليشم غالبًا مع المتوفى، مثل بدلة دفن من اليشم من قبر ليو شنغ، أمير من سلالة هان الغربية . ^{[ 18 ] [ 19 ]}

الخزف

الخزف نوع من السيراميك يُصنع من الكاولين في درجات حرارة عالية. ظهرت أقدم أنواع السيراميك في الصين خلال عهد أسرة شانغ (حوالي 1600-1046 قبل الميلاد). وقد أرست صناعة السيراميك الأساس لاختراع الخزف الصيني. ويمكن تتبع تاريخ الخزف الصيني إلى عهد أسرة هان (206 قبل الميلاد - 220 ميلادي). ^{[ 20 ]} في عهد أسرة تانغ ، قُسّم الخزف إلى نوعين: السيلادون والأبيض. وفي عهد أسرة سونغ ، اختيرت مدينة جينغدتشن مركزًا ملكيًا لإنتاج الخزف، وبدأت بإنتاج الخزف الأزرق والأبيض. ^{[ 21 ]}

الفن التبتي هو الفن المتميز لمنطقة التبت ( منطقة التبت ذاتية الحكم في الصين) وغيرها من ممالك الهيمالايا الحالية والسابقة ( بوتان ، لاداخ ، نيبال، وسيكيم ). يُعد الفن التبتي في المقام الأول فنًا مقدسًا ، يعكس التأثير الكبير للبوذية التبتية على هذه الثقافات. تُعتبر ماندالا الرمل ( بالتبتية : كيلخور ) تقليدًا بوذيًا تبتيًا يرمز إلى زوال الأشياء. ففي البوذية ، يُنظر إلى كل ما هو مادي على أنه زائل. وماندالا الرمل مثال على ذلك، إذ بمجرد بنائها وانتهاء مراسمها ومشاهدتها، تُهدم بشكل منهجي .

مع ظهور البوذية الماهايانية كمدرسة مستقلة في القرن الرابع قبل الميلاد، ركزت على دور البوديساتفا ، الكائنات الرحيمة التي تتخلى عن خلاصها الشخصي إلى النيرفانا لمساعدة الآخرين. ومنذ القدم، كانت العديد من البوديساتفا موضوعات للفن النحتي. وقد ورثت البوذية التبتية، باعتبارها فرعًا من البوذية الماهايانية، هذا التقليد. إلا أن الحضور المهيمن للفاجرايانا ( أو التانترا البوذية) ربما كان له أهمية بالغة في الثقافة الفنية. ومن البوديساتفا الشائعة في الفن التبتي الإله تشينريزيغ (أفالوكيتسفارا)، الذي يُصوَّر غالبًا على هيئة قديس ذي ألف ذراع وعين في منتصف كل يد، يُمثل الرحيم البصير الذي يسمع طلباتنا. ويمكن فهم هذا الإله أيضًا على أنه ييدام ، أو "بوذا التأمل" في ممارسة الفاجرايانا.

يضمّ البوذية التبتية البوذية التانترية ، المعروفة أيضًا باسم بوذية فاجرايانا نسبةً إلى رمزية الفاجرا ، صاعقة الألماس (المعروفة في التبتية باسم دورجي ). ويمكن اعتبار معظم الفنون البوذية التبتية التقليدية جزءًا من ممارسة التانترا. تتضمن تقنيات فاجرايانا العديد من التصورات/التخيلات أثناء التأمل، ويمكن اعتبار معظم الفنون التانترية المتقنة وسائل مساعدة لهذه التصورات؛ بدءًا من تمثيلات آلهة التأمل ( ييدام ) وصولًا إلى الماندالات وجميع أنواع الأدوات الطقسية.

من الجوانب البصرية للبوذية التانترية التصوير الشائع للآلهة الغاضبة ، والتي غالبًا ما تُصوَّر بوجوه غاضبة، أو دوائر من اللهب، أو بجماجم الموتى. تمثل هذه الصور الحماة ( بالسنسكريتية : دارما بالا )، ومظهرهم المهيب يخفي طبيعتهم الرحيمة الحقيقية. في الواقع، يرمز غضبهم إلى تفانيهم في حماية تعاليم الدارما ، وكذلك حماية الممارسات التانترية المحددة لمنع تحريفها أو تعطيلها. والأهم من ذلك، أنها تُستخدم كجوانب نفسية غاضبة يمكن توظيفها للتغلب على المواقف السلبية لدى الممارس.

يشير المؤرخون إلى أن الرسم الصيني كان له تأثير عميق على الرسم التبتي عمومًا. فابتداءً من القرنين الرابع عشر والخامس عشر، استوعب الرسم التبتي العديد من العناصر الصينية، وخلال القرن الثامن عشر، كان للرسم الصيني تأثير عميق وواسع النطاق على الفنون البصرية التبتية. ^{[ 26 ]} ووفقًا لجوزيبي توتشي ، بحلول عهد أسرة تشينغ، "تطور فن تبتي جديد، كان بمثابة صدى محلي للروعة والزخرفة الصينية الأنيقة في القرن الثامن عشر". ^{[ 26 ]}

يشمل الفن والعمارة اليابانيان أعمالاً فنية أُنتجت في اليابان منذ بدايات الاستيطان البشري فيها، في الألفية العاشرة قبل الميلاد تقريباً، وحتى يومنا هذا. ويغطي الفن الياباني طيفاً واسعاً من الأساليب والوسائط الفنية، بما في ذلك الفخار القديم، والمنحوتات الخشبية والبرونزية، والرسم بالحبر على الحرير والورق، وأنواع أخرى لا حصر لها من الأعمال الفنية؛ من العصور القديمة وحتى القرن الحادي والعشرين المعاصر.

اكتسب هذا الفن شعبية كبيرة في ثقافة إيدو (طوكيو) خلال النصف الثاني من القرن السابع عشر، حيث نشأ مع أعمال هيشيكاوا مورونوبو أحادية اللون في سبعينيات القرن السابع عشر. في البداية، تم استخدام حبر الهند فقط ، ثم تم تلوين بعض المطبوعات يدويًا بالفرشاة، ولكن في القرن الثامن عشر طور سوزوكي هارونوبو تقنية الطباعة متعددة الألوان لإنتاج نيشيكي-إي .

الرسم الياباني (絵画، كايغا ) هو أحد أقدم الفنون اليابانية وأكثرها رقيًا ، ويشمل طيفًا واسعًا من الأنواع والأساليب. وكما هو الحال في تاريخ الفنون اليابانية عمومًا، فإن تاريخ الرسم الياباني هو تاريخ طويل من التوليف والتنافس بين الجماليات اليابانية الأصيلة واستيعاب الأفكار المستوردة.

تعود أصول الرسم في اليابان إلى عصور ما قبل التاريخ . ويمكن العثور على رسومات بسيطة لشخصيات عصوية وتصاميم هندسية على فخار فترة جومون وأجراس دوتاكو البرونزية من فترة يايوي (300  ق.م. - 300  م) . كما عُثر على لوحات جدارية بتصاميم هندسية وتصويرية في العديد من التلال الأثرية من فترة كوفون (300-700 م). 

استُمدّ فن النحت الياباني القديم في معظمه من عبادة الأصنام في البوذية أو الطقوس الروحانية لآلهة الشنتو . وعلى وجه الخصوص، أصبح فن النحت، من بين جميع الفنون، متمركزًا بقوة حول البوذية. وكانت المواد المستخدمة تقليديًا هي المعادن، وخاصة البرونز ، والخشب، الذي كان يُستخدم غالبًا في صناعة التماثيل، وغالبًا ما كان يُطلى أو يُذهب أو يُرسم بألوان زاهية. وبحلول نهاية فترة توكوغاوا ، اختفى هذا النوع من النحت التقليدي إلى حد كبير، باستثناء الأعمال المصغرة، وذلك بسبب فقدان المعابد البوذية والنبلاء للدعم الفني.

يشير مصطلح " أوكيو "، الذي يعني "العالم العائم"، إلى ثقافة الشباب المتدفقة التي ازدهرت في المراكز الحضرية لإيدو (طوكيو الحالية)، وأوساكا ، وكيوتو، والتي كانت بمثابة عالم قائم بذاته. وهو تلميح ساخر إلى المصطلح المتجانس صوتيًا "عالم الأحزان" (憂き世)، وهو عالم الموت والولادة الذي سعى البوذيون إلى التحرر منه.

تشتهر الفنون الكورية بتقاليدها في صناعة الفخار والموسيقى والخط والرسم والنحت وغيرها من الأنواع الفنية، والتي غالباً ما تتميز باستخدام الألوان الجريئة والأشكال الطبيعية والشكل والحجم الدقيقين وزخرفة الأسطح.

على الرغم من وجود اختلافات واضحة ومميزة بين ثلاث ثقافات مستقلة، إلا أن هناك أوجه تشابه وتفاعلات تاريخية هامة بين فنون كوريا والصين واليابان.

لا تزال دراسة الفن الكوري وتقديره في الغرب في مراحلها التكوينية. ونظرًا لموقع كوريا بين الصين واليابان، فقد نُظر إليها كمجرد قناة لنقل الثقافة الصينية إلى اليابان. إلا أن الباحثين المعاصرين بدأوا يُقرّون بفرادة الفن والثقافة الكورية، ودورها المحوري ليس فقط في نقل الثقافة الصينية، بل في استيعابها وخلق ثقافة فريدة خاصة بها. فالفن الذي ينشأ ويتطور في أمة ما هو فن أصيل.

عمومًا، يُؤرَّخ تاريخ الرسم الكوري إلى حوالي عام 108 ميلادي، حين ظهر لأول مرة كشكل فني مستقل. وبين ذلك التاريخ واللوحات الجدارية التي تظهر على مقابر مملكة غوريو ، لم تُجرَ سوى دراسات قليلة. ويكفي القول إنه حتى عهد مملكة جوسون ، كان التأثير الرئيسي للرسم الكوري هو الرسم الصيني، وإن كان قد استُخدمت فيه المناظر الطبيعية الكورية، وملامح الوجه، والمواضيع البوذية، مع التركيز على رصد الأجرام السماوية تماشيًا مع التطور السريع لعلم الفلك الكوري.

على مر تاريخ الرسم الكوري، كان هناك فصل مستمر بين الأعمال أحادية اللون ذات ضربات الفرشاة السوداء على ورق التوت أو الحرير في كثير من الأحيان؛ والفن الشعبي الملون أو مين هوا ، والفنون الطقسية، ورسومات المقابر، وفنون المهرجانات التي استخدمت الألوان على نطاق واسع.

كان هذا التمييز غالبًا قائمًا على الطبقة الاجتماعية: فقد رأى الباحثون، ولا سيما في الفن الكونفوشيوسي ، أنه يمكن رؤية اللون في اللوحات أحادية اللون ضمن التدرجات اللونية، وأن الاستخدام الفعلي للألوان يُضعف اللوحات ويُقيد الخيال. أما الفن الشعبي الكوري، ورسم الإطارات المعمارية، فقد اعتُبر وسيلةً لإضفاء إشراق على بعض الإطارات الخشبية الخارجية، وذلك ضمن تقاليد العمارة الصينية، والتأثيرات البوذية المبكرة للألوان الغنية والزاهية المستوحاة من الفن الهندي .

الفن المعاصر في كوريا: كان أول مثال على الرسم الزيتي ذي الطابع الغربي في الفن الكوري هو اللوحات الشخصية للفنان الكوري كو هو إي دونغ (1886-1965). لم يتبق منها اليوم سوى ثلاث لوحات. تُقدم هذه اللوحات الشخصية فهمًا للوسيط الفني يتجاوز مجرد تأكيد الاختلافات الأسلوبية والثقافية. بحلول أوائل القرن العشرين، كان لقرار الرسم بالزيت والقماش في كوريا تفسيران مختلفان. أحدهما شعور بالتنوير نتيجة للأفكار والأساليب الفنية الغربية. هذا التنوير نابع من حركة فكرية في القرنين السابع عشر والثامن عشر. كان كو يرسم بهذه الطريقة خلال فترة ضم اليابان لكوريا. خلال تلك الفترة، ادعى الكثيرون أن فنه قد يكون ذا طابع سياسي، إلا أنه صرّح بأنه فنان وليس سياسيًا. صرح كو قائلاً: "أثناء وجودي في طوكيو، حدث أمرٌ غريبٌ للغاية. في ذلك الوقت، كان عدد الطلاب الكوريين في طوكيو أقل من مئة طالب. كنا جميعًا نستمتع بالهواء الجديد ونبدأ دراساتنا الجديدة، لكن كان هناك من سخر من اختياري لدراسة الفن. قال لي صديقٌ مقرّبٌ إنه ليس من الصواب أن أدرس الرسم في مثل هذا الوقت." ^{[ 28 ]}

عُرفت صناعة الفخار الكوري منذ عام 6000 قبل الميلاد. وكان يُطلق على هذا الفخار اسم الفخار ذي النقوش المشطية نسبةً إلى الخطوط الزخرفية المنقوشة على سطحه الخارجي. اعتمدت المجتمعات الكورية القديمة بشكل أساسي على صيد الأسماك، لذا استخدموا الفخار لتخزين الأسماك وغيرها من المواد التي يتم جمعها من البحر، مثل المحار. تميز الفخار بنوعين إقليميين رئيسيين: فخزف الساحل الشرقي يتميز بقاعدة مسطحة، بينما يتميز فخار الساحل الجنوبي بقاعدة مستديرة. ^{[ 29 ]}

يُعدّ الفضة عنصرًا شائعًا في فنون بروناي . يصنع صائغو الفضة الحليّ والمزهريات وأجراس الغونغ (قرص معدني ذو حافة مُخرّطة يُصدر رنينًا عند دقّه). ومن الأدوات الشائعة الأخرى الباسيجوبان، وهو نوع من الأواني الصغيرة المزخرفة برسومات الماندالا ، ويُستخدم لحفظ التبغ.

توارثت الأجيال مهارات النسيج في بروناي، التي تنتج أقمشةً لصنع الفساتين والسارونجات . "لطالما شكّل نسج الأقمشة وتزيينها، فضلاً عن ارتدائها وعرضها وتبادلها، جزءًا هامًا من ثقافة بروناي (أور 96)". وقد اكتسب النسيج أهميةً بالغةً في القرن الخامس عشر، عندما زار أنطونيو بيغافيتا بروناي خلال رحلاته ولاحظ كيفية صنع الملابس. ومن الأمثلة على ذلك "جونغسارات"، وهو رداء مصنوع يدويًا يُستخدم في حفلات الزفاف والمناسبات الخاصة، ويتميز عادةً بلمسة من الفضة والذهب، ويمكن استخدامه أيضًا في تغطية الجدران.

يُطلق على نوعي الملابس في بروناي اسمي باتيك وإيكات . الباتيك عبارة عن قماش قطني مصبوغ ومُزخرف بتقنية تُعرف باسم الصباغة المقاومة للشمع . ^{[ 30 ]} أما الإيكات ، فيُصنع بعملية مشابهة للباتيك، ولكن بدلاً من صبغ النقش على القماش الجاهز، يتم إنشاؤه أثناء النسيج.

يتمتع الفن والثقافة الكمبودية بتاريخ غني ومتنوع يمتد لقرون عديدة، وقد تأثرا بشكل كبير بالهند . وبدورها، أثرت كمبوديا بشكل كبير على تايلاند ولاوس، والعكس صحيح. وعلى مدار تاريخ كمبوديا الطويل، كان الدين مصدر إلهام رئيسي. فعلى مدى ألفي عام تقريبًا، طور الكمبوديون معتقدًا خميريًا فريدًا من خلال التوفيق بين المعتقدات الروحانية المحلية والديانات الهندية، البوذية والهندوسية . وصلت الثقافة والحضارة الهندية، بما في ذلك لغتها وفنونها، إلى برّ جنوب شرق آسيا الرئيسي حوالي القرن الأول الميلادي. ^{[ 31 ]} ويُعتقد عمومًا أن التجار البحريين جلبوا العادات والثقافة الهندية إلى الموانئ على طول خليج تايلاند والمحيط الهادئ أثناء تجارتهم مع الصين. وكانت دولة فونان أول دولة استفادت من ذلك . وفي أوقات مختلفة ^، استوعبت الثقافة الكمبودية أيضًا عناصر من الثقافات الجاوية والصينية واللاوية والتايلاندية . [ ^{32 ]}

يمتد تاريخ الفنون البصرية في كمبوديا لقرونٍ عديدة، وصولاً إلى الحرف القديمة؛ وبلغ فن الخمير ذروته خلال فترة أنغكور . تشمل الفنون والحرف الكمبودية التقليدية المنسوجات، والحياكة غير النسيجية ، وصياغة الفضة ، والنحت على الحجر ، والأواني المطلية ، والخزف ، والجداريات في المعابد ، وصناعة الطائرات الورقية . ^{[ 33 ]} بدأ تقليد الفن الحديث في كمبوديا في منتصف القرن العشرين، إلا أن الفنون التقليدية والحديثة على حد سواء تراجعت في أواخر القرن نفسه لأسبابٍ عديدة، منها اغتيال الفنانين على يد الخمير الحمر . وقد شهدت البلاد انتعاشاً فنياً حديثاً بفضل تزايد الدعم من الحكومات والمنظمات غير الحكومية والسياح الأجانب. ^{[ 34 ]}

منحوتات الخمير

يشير مصطلح "النحت الخميري" إلى المنحوتات الحجرية التي كانت تُصنع في إمبراطورية الخمير ، التي حكمت منطقةً تُشبه كمبوديا الحديثة، ولكنها كانت أكبر منها بكثير، وذلك من القرن التاسع إلى القرن الثالث عشر. وتوجد أشهر الأمثلة على هذه المنحوتات في أنغكور ، التي كانت بمثابة مقر الإمبراطورية.

بحلول القرن السابع، بدأت المنحوتات الخميرية تنأى عن تأثيراتها الهندوسية - تأثيرات ما قبل غوبتا على التماثيل البوذية، وتأثيرات بالافا على التماثيل الهندوسية - ومن خلال تطور أسلوبي مستمر، طورت أصالتها الخاصة، والتي يمكن اعتبارها بحلول القرن العاشر كاملة ومطلقة. وسرعان ما تجاوزت المنحوتات الخميرية التمثيل الديني، الذي أصبح ذريعة لتصوير شخصيات البلاط في هيئة آلهة. ^{[ 35 ]} بل إنها أصبحت أيضاً وسيلة وغاية في حد ذاتها لإتقان الأسلوب، كساحة اختبار. وقد رأينا سابقاً كيف يوفر السياق الاجتماعي لمملكة الخمير مفتاحاً ثانياً لفهم هذا الفن. ولكن يمكننا أيضاً أن نتخيل أنه على مستوى أكثر حصرية، كانت مجموعات صغيرة من المثقفين والفنانين تعمل، تتنافس فيما بينها في الإتقان والإتقان سعياً وراء كمال افتراضي في الأسلوب. ^{[ 36 ]}

إن الآلهة التي نجدها في منحوتات الخمير هي آلهة الديانتين العظيمتين في الهند، البوذية والهندوسية . ودائمًا ما تُصوَّر بدقة أيقونية فائقة، مما يدل بوضوح على إشراف كهنة مُلِمّين على تنفيذ هذه الأعمال. ^{[ 32 ]} ومع ذلك، وعلى عكس الصور الهندوسية التي تُكرر نمطًا مثاليًا، تُعامل هذه الصور بواقعية وأصالة كبيرتين لأنها تُصوِّر نماذج حية: الملك وحاشيته. في الواقع، كانت الوظيفة الاجتماعية الحقيقية لفن الخمير هي تمجيد الطبقة الأرستقراطية من خلال هذه الصور للآلهة المتجسدة في الأمراء. في الحقيقة، تطلبت عبادة "ديفاراجا" تطوير فن أرستقراطي بامتياز، يُفترض أن يرى فيه الشعب الدليل الملموس على ألوهية الحاكم، بينما تستمتع الطبقة الأرستقراطية برؤية نفسها - إن صحّ التعبير، في صورة مثالية - مُخلَّدة في روعة الزخارف المُتقنة والملابس الأنيقة والمجوهرات الباذخة. ^{[ 37 ]}

تُعدّ المنحوتات صورًا رائعة للآلهة، وشخصيات ملكية مهيبة، وإن لم تخلُ من لمسة أنثوية رقيقة، مما يُوحي بشخصيات بارزة في البلاط الملكي وذوي نفوذ كبير. ولا شكّ أن الفنانين الذين نحتوا هذه الأحجار قد حققوا الأهداف والمتطلبات الأساسية التي فرضها من كلّفوا بنحتها. تُمثّل المنحوتات الإله المُختار بالطريقة التقليدية، وقد نجحت في تصوير شخصيات رفيعة المستوى في البلاط الملكي بكلّ روعتها، بملابسها وزينتها ومجوهراتها ذات الجمال الراقي، بمهارة وخبرة فائقتين. ^{[ 38 ]}

تُعدّ الفنون الصخرية أقدم الفنون المعروفة في الفلبين ، وأقدمها نقوش أنغونو الصخرية ، التي نُحتت خلال العصر الحجري الحديث، ويعود تاريخها إلى ما بين 6000 و2000 قبل الميلاد. ويُحتمل أن هذه النقوش استُخدمت كجزء من ممارسات علاجية قديمة للأطفال المرضى. تلتها نقوش ألاب الصخرية ، التي يعود تاريخها إلى ما لا يزيد عن 1500 قبل الميلاد، والتي تضمنت رموزًا للخصوبة مثل رمز العضو التناسلي الأنثوي. وتشمل الفنون الصخرية رسومات صخرية، منها فن الفحم الصخري في بينابلانكا ، وفن الفحم الصخري في سينغنابان ، وفن الهيماتيت الأحمر في أندا ، ^{[ 39 ]} والفن الصخري المكتشف حديثًا في مونريال (تيكاو) ، والذي يصور قرودًا ووجوهًا بشرية وديدانًا أو ثعابين ونباتات ويعاسيب وطيورًا. ^{[ 40 ]} وبين عامي 890 و710 قبل الميلاد، صُنعت جرة مانونغول في جنوب بالاوان . استُخدمت هذه الجرار كجرار دفن ثانوية، حيث يصور غطاؤها العلوي رحلة الروح إلى العالم الآخر عبر قارب برفقة مرشد روحي . ^{[ 41 ]} في عام 100 قبل الميلاد، نُحتت كهوف دفن المومياوات في كابايان من جبل. وبين عامي 5 قبل الميلاد و225 ميلادي، صُنعت الأواني الفخارية الماتومية ذات الأشكال البشرية في كوتاباتو. وكانت هذه الحرف عبارة عن جرار دفن ثانوية، يصور العديد منها رؤوسًا وأيديًا وأقدامًا وصدورًا بشرية. ^{[ 42 ]}

بحلول القرن الرابع الميلادي، وربما قبل ذلك، كان سكان الفلبين القدماء يصنعون سفنًا حربية عملاقة، حيث عُثر على أقدم الأدلة الأثرية المعروفة في بوتوان ، حيث تم تحديد السفينة على أنها " بالانغاي" ويعود تاريخها إلى عام 320 ميلادي. ^{[ 43 ]} أما أقدم قطعة أثرية عُثر عليها حتى الآن وتحمل كتابةً فهي نقش لاغونا النحاسي ، الذي يعود تاريخه إلى عام 900 ميلادي. وتناقش اللوحة سداد دين. ^{[ 44 ]} ويُعد ختم بوتوان العاجي أقدم عمل فني عاجي معروف في البلاد، ويعود تاريخه إلى ما بين القرنين التاسع والثاني عشر الميلاديين. ويحتوي الختم على نقوش لخط قديم. ^{[ 45 ]} وخلال هذه الفترة، صُنعت العديد من القطع الأثرية، مثل تمثال أغوسان ، وهو تمثال ذهبي لإله، ربما تأثر بالهندوسية والبوذية. ^{[ 46 ]} وفي الفترة ما بين القرنين الثاني عشر والخامس عشر، صُنعت لوحة بوتوان الفضية القديمة . لم يتم فك رموز الكتابة على الفضة حتى الآن. ^{[ 47 ]} بين القرنين الثالث عشر والرابع عشر، صنع سكان بانتون، رومبلون، قماش بانتون ، وهو أقدم نسيج إيكات باقٍ في جنوب شرق آسيا. كان يُستخدم هذا القماش كغطاء للموتى. ^{[ 48 ]} بحلول القرن السادس عشر، وحتى أواخر القرن التاسع عشر، أثر الاستعمار الإسباني على مختلف أشكال الفن في البلاد. ^{[ 49 ]}

من عام 1565 إلى عام 1815، كان الحرفيون الفلبينيون يصنعون سفن مانيلا الشراعية المستخدمة في التجارة من آسيا إلى الأمريكتين، حيث كانت تُصدّر معظم البضائع إلى أوروبا. ^{[ 50 ]} في عام 1565، سُجّلت عادة الوشم القديمة في الفلبين لأول مرة من خلال كتاب "بينتادوس" . ^{[ 51 ]} في عام 1584، اكتمل بناء حصن سان أنطونيو أباد ، بينما بُني حصن سانتياغو في عام 1591. وبحلول عام 1600، أُنشئت مدرجات الأرز في جبال كورديليرا الفلبينية . وقد صُنّفت خمس مجموعات من مدرجات الأرز كمواقع للتراث العالمي . ^{[ 52 ]} في عام 1607، بُنيت كنيسة سان أغوستين (مانيلا) . وقد أُعلن المبنى موقعًا للتراث العالمي . ويشتهر الموقع بتصميمه الداخلي المزخرف. ^{[ 53 ]} في عام 1613، كُتبت أقدم كتابة سويات باقية على الورق من خلال وثائق بايبايين في جامعة سانتو توماس . ^{[ 54 ]} بعد عام 1621، تم إنشاء أحجار مونريال في تيكاو، ماسباتي. ^{[ 55 ]} في عام 1680، تم بناء قوس القرون . وفي عام 1692، تم رسم صورة سيدة العزلة في بورتا فاغا . ^{[ 56 ]}

تأسست كنيسة ماناواغ عام ١٧٠١. وفي عام ١٧١٠، شُيِّدت كنيسة باواي ، المدرجة ضمن مواقع التراث العالمي . تشتهر الكنيسة بدعاماتها الضخمة، التي تُعد جزءًا من فن العمارة الباروكية المقاومة للزلازل. ^{[ ٥٣ ]} وفي عام ١٧٢٠، رُسمت اللوحات الدينية في كامارين دي لا فيرجن في سانتا آنا. ^{[ ٥٧ ]} وفي عام ١٧٢٥، شُيِّدت كنيسة سانتا آنا التاريخية . وفي عام ١٧٦٥، شُيِّدت كنيسة سانتا ماريا ، المدرجة ضمن مواقع التراث العالمي . يتميز الموقع ببنيته الجبلية. ^{[ ٥٣ ]} وشُيِّدت كنيسة باكارا عام ١٧٨٢. وفي عام ١٧٨٣، سُجِّلت قلاع باتانيس لأول مرة. ولا يزال العمر الدقيق لهذه المباني غير معروف. ^{[ ٥٨ ]} وفي عام ١٧٩٧، شُيِّدت كنيسة مياغاو ، المدرجة ضمن مواقع التراث العالمي . تشتهر الكنيسة بنقوش واجهتها. ^{[ 53 ]} بُنيت كنيسة تايم عام 1803. وفي عام 1807، رُسمت لوحات ثورة الباسي، التي تُصوّر ثورة الإيلوكانو ضد التدخل الإسباني في إنتاج واستهلاك الباسي. وفي عام 1822، أُنشئت حديقة باكو التاريخية. وفي عام 1824، صُنعت آلة الأرغن المصنوعة من الخيزران في لاس بيناس ، لتصبح أول آلة أرغن مصنوعة من الخيزران، والوحيدة حتى الآن. وبحلول عام 1852، اكتملت لوحات الفن المقدس لكنيسة أبرشية سانتياغو أبوستول . وفي عام 1884، فازت كل من لوحتي "اغتيال الحاكم بوستامانتي وابنه" و "سبولياريوم" بجوائز خلال مسابقة فنية في إسبانيا. وفي عام 1890، رُسمت لوحة " إطعام الدجاجة ". رُسمت لوحة "الحياة الباريسية" عام ١٨٩٢، بينما رُسمت لوحة " لا بولاكينيا" عام ١٨٩٥. أما العمل الفني الطيني "انتصار العلم على الموت " فقد نُحت عام ١٨٩٠. ^{[ ٥٩ ]} وفي عام ١٨٩١، بُنيت أول كنيسة فولاذية بالكامل في آسيا، وهي كنيسة سان سيباستيان (مانيلا) . وفي عام ١٨٩٤، نُحت العمل الفني الطيني "انتقام الأم" . ^{[ ٦٠ ]}

في القرن العشرين، أو ربما قبل ذلك، كُتب مصحف بايانغ. وفي نفس الفترة، اكتشف غرباء التقويم الزراعي الحجري لغيداي، بيساو. وفي عام ١٩١٣، اكتمل بناء نصب ريزال التذكاري . وفي عام ١٩٢٧، أُعيد بناء المبنى الرئيسي لجامعة سانتو توماس ، بينما بُني مبنى المعهد المركزي التابع لها في عام ١٩٣٣. وفي عام ١٩٣١، دُمر القصر الملكي دارول جامبانغان في سولو. ^{[ ٦١ ]} وفي العام نفسه، بُني مسرح مانيلا متروبوليتان . واكتملت لوحات "تقدم الطب في الفلبين" في عام ١٩٥٣. وبُنيت كنيسة سانتو دومينغو في عام ١٩٥٤. وفي عام ١٩٦٢، اكتملت لوحة المعهد الدولي لبحوث الأرز ، بينما رُسمت جدارية مانيلا في عام ١٩٦٨. وفي عام ١٩٩٣، أُنشئ نصب بونيفاسيو التذكاري . ^{[ ٥٧ ] [ ٤٧ ]}

تشكّلت الفنون والثقافة الإندونيسية عبر تفاعل طويل الأمد بين العادات المحلية الأصيلة وتأثيرات أجنبية متعددة. تقع إندونيسيا في قلب طرق التجارة القديمة بين الشرق الأقصى والشرق الأوسط، مما أدى إلى تأثر العديد من الممارسات الثقافية بشدة بمجموعة متنوعة من الأديان، بما في ذلك الهندوسية والبوذية والكونفوشيوسية والإسلام ، وكلها ذات نفوذ قوي في المدن التجارية الرئيسية. والنتيجة هي مزيج ثقافي معقد يختلف اختلافًا كبيرًا عن الثقافات المحلية الأصلية. لا تشتهر إندونيسيا عمومًا باللوحات، باستثناء لوحات بالي المعقدة والمعبرة ، والتي غالبًا ما تُصوّر مشاهد طبيعية ومواضيع من الرقصات التقليدية.

وتشمل الاستثناءات الأخرى تصاميم طلاء كينياه الأصلية ، المستوحاة، كما هو شائع في الثقافات الأسترونيزية ، من زخارف طبيعية متوطنة مثل السرخس والأشجار والكلاب وطيور أبو قرن والأشكال البشرية. ولا تزال هذه التصاميم تزين جدران بيوت كينياه داياك الطويلة في منطقة آبو كايان بشرق كاليمانتان .

تتمتع إندونيسيا بتاريخ طويل يمتد إلى العصر البرونزي والحديدي ، لكن هذا الشكل الفني ازدهر بشكل خاص من القرن الثامن إلى القرن العاشر، سواء كأعمال فنية مستقلة، أو تم دمجه أيضًا في المعابد.

من أبرز معالم معبد بوروبودور في وسط جاوة ، المنحوتات البارزة التي تمتد لمئات الأمتار . وتُروى قصة حياة بوذا وتُجسد تعاليمه على امتداد ميلين تقريبًا من هذه المنحوتات الرائعة. وكان المعبد يضم في الأصل 504 تماثيل لبوذا جالسًا. ويُظهر هذا الموقع، كما هو الحال في مواقع أخرى في وسط جاوة، تأثيرًا هنديًا واضحًا.

يُستخدم فن الخط، المستوحى في معظمه من القرآن الكريم ، كعنصر زخرفي، إذ يحظر الإسلام التصوير الواقعي. وقد استقر بعض الرسامين الأجانب في إندونيسيا . ويستخدم الرسامون الإندونيسيون المعاصرون مجموعة واسعة من الأساليب والمواضيع.

الفن البالي

الفن البالي فنٌ ذو أصول هندوسية - جاوية ، نشأ من أعمال حرفيي مملكة ماجاباهيت ، مع توسعهم إلى بالي في أواخر القرن الثالث عشر. من القرن السادس عشر وحتى القرن العشرين، كانت قرية كاماسان في كلونغكونغ (شرق بالي) مركزًا للفن البالي الكلاسيكي. خلال النصف الأول من القرن العشرين، ظهرت أنواع جديدة من الفن البالي. ومنذ أواخر القرن العشرين، اكتسبت أوبود والقرى المجاورة لها شهرةً كمركز للفن البالي. تشتهر أوبود وباتوان بلوحاتهما ، وماس بمنحوتاتها الخشبية، وسيلوك بصياغة الذهب والفضة، وباتوبولان بمنحوتاتها الحجرية. يصف كوفاروباياس ^{[ 62 ]} الفن البالي بأنه "... فن شعبي باروكي متطور للغاية، وإن كان غير رسمي، يجمع بين حيوية الفلاحين ورقي الكلاسيكية في جاوة الهندوسية، ولكنه متحرر من التحيزات المحافظة، ويتمتع بحيوية جديدة مستمدة من فيض الروح البدائية الاستوائية". وأشار إيزمان إلى أن الفن البالي يُنحت ويُرسم ويُنسج ويُجهز في الواقع ليصبح أشياءً مخصصة للاستخدام اليومي، وليس كقطع فنية. ^{[ 63 ]}

في عشرينيات القرن العشرين، ومع وصول العديد من الفنانين الغربيين، أصبحت بالي ملاذاً للفنانين (كما كانت تاهيتي بالنسبة لبول غوغان ) لفناني الطليعة مثل والتر سبيس (ألماني)، ورودولف بونيه (هولندي)، وأدريان جان لو مايور (بلجيكي)، وآري سميت (هولندي)، ودونالد فريند (أسترالي) في السنوات الأخيرة. لم يكن لمعظم هؤلاء الفنانين الغربيين تأثير يُذكر على سكان بالي حتى فترة ما بعد الحرب العالمية الثانية، على الرغم من أن بعض الروايات تُبالغ في التركيز على الوجود الغربي على حساب تقدير الإبداع البالي.

بلغت هذه الفترة الرائدة من الإبداع ذروتها في أواخر ثلاثينيات القرن العشرين. وقد شجع تدفق الزوار المشهورين، بمن فيهم تشارلي شابلن وعالما الأنثروبولوجيا غريغوري بيتسون ومارغريت ميد ، السكان المحليين الموهوبين على ابتكار أعمال فنية أصيلة. وخلال إقامتهم في بالي في منتصف ثلاثينيات القرن العشرين، جمع بيتسون وميد أكثر من 2000 لوحة، معظمها من قرية باتوان، بالإضافة إلى لوحات من قرية سانور الساحلية. ^{[ 64 ]} ويُنسب الفضل في تحديث اللوحات البالية التقليدية إلى سبايس وبونيه بين الفنانين الغربيين. ومنذ خمسينيات القرن العشرين، استلهم الفنانون الباليون من هذين الفنانين عناصر المنظور والتشريح. ^{[ 65 ]} والأهم من ذلك، أنهم لعبوا دوراً محورياً في التغيير من خلال تشجيع التجريب، وتعزيز الخروج عن التقاليد. وكانت النتيجة طفرة في التعبير الفردي، مما زاد من وتيرة التطور في الفن البالي.

يشمل الفن اللاوسي الخزف والنحت البوذي اللاوسي والموسيقى اللاوسية .

صُنعت المنحوتات البوذية اللاوية من مجموعة متنوعة من المواد، بما في ذلك الذهب والفضة، والبرونز في أغلب الأحيان . كما استُخدم الطوب والملاط في صناعة التماثيل الضخمة، وأشهرها تمثال فيا فات (القرن السادس عشر) في فينتيان ، على الرغم من أن عملية ترميم غيّرت مظهر التمثال تمامًا، ولم يعد يُشبه بوذا لاويًا. ويُعدّ الخشب شائعًا في صناعة التماثيل البوذية الصغيرة النذرية التي تُترك غالبًا في الكهوف. كما يُستخدم الخشب بكثرة في صناعة التماثيل الكبيرة بالحجم الطبيعي لبوذا. ومن أشهر المنحوتات المنحوتة من الأحجار شبه الكريمة تمثال فرا كيو ( بوذا الزمردي ) وتمثال فرا فوتا بوتسافارات. ويُعتقد أن تمثال فرا كيو، الذي يُرجّح أنه من شيانغ سين ( تشيانغ سين )، منحوت من كتلة صلبة من اليشم. وقد بقي في فينتيان لمدة مئتي عام قبل أن يستولي عليه السياميون كغنيمة في أواخر القرن الثامن عشر. يُستخدم اليوم كرمزٍ رسمي لمملكة تايلاند، ويُحفظ في القصر الكبير في بانكوك. كما يُحفظ تمثال فرا فوتا بوتسافارات، مثله مثل تمثال فرا كيو، في مصلى خاص به في القصر الكبير في بانكوك. قبل أن يستولي عليه السياميون في أوائل القرن التاسع عشر، كان هذا التمثال البلوري رمزًا رسميًا لمملكة تشامباساك اللاوية .

تُزيّن كهوف باك أو العديد من المنحوتات البوذية اللاوية الجميلة . تقع كهوف ثام تينغ (الكهف السفلي ) وثام ثيونغ (الكهف العلوي) بالقرب من باك أو ( مصب نهر أو)، قرب مدينة لوانغ برابانغ في لاوس. تُشكّل هذه الكهوف مجموعة رائعة لا يُمكن الوصول إليها إلا بالقارب، وتبعد حوالي ساعتين عن مركز لوانغ برابانغ باتجاه المنبع ، وقد اكتسبت شهرةً واسعةً وازداد إقبال السياح عليها مؤخرًا. تشتهر الكهوف بمنحوتاتها البوذية واللاوية الرائعة المنحوتة على جدرانها، بالإضافة إلى مئات التماثيل البوذية المهملة المنتشرة على أرضياتها ورفوفها الجدارية. وُضعت هذه التماثيل هناك لأن أصحابها لم يرغبوا في إتلافها، لذا تُبذل جهودٌ مضنية للوصول إلى الكهوف ووضع التماثيل غير المرغوب فيها فيها.

يتألف الفن الماليزي في المقام الأول من الفن الملاوي والفن البورنيوي ، ويتشابه مع أنماط أخرى من جنوب شرق آسيا، مثل بروناي وإندونيسيا وسنغافورة . يعود تاريخ الفن في ماليزيا إلى عهد السلطنات الملاوية، متأثراً بالفنون الصينية والهندية والإسلامية .

يرتكز الفن الماليزي التقليدي بشكل أساسي على حرف النحت والنسيج وصياغة الفضة. ^{[ 66 ]} ويتنوع الفن التقليدي من السلال المنسوجة يدويًا في المناطق الريفية إلى المشغولات الفضية في البلاط الملكي الماليزي. ومن الأعمال الفنية الشائعة الخناجر المزخرفة ومجموعات جوز التنبول . كما تُصنع منسوجات فاخرة تُعرف باسم "سونغكيت" ، بالإضافة إلى أقمشة الباتيك التقليدية المزخرفة . ويشتهر سكان شرق ماليزيا الأصليون بأقنعتهم الخشبية. لم يشهد الفن الماليزي توسعًا إلا مؤخرًا، إذ كانت المحظورات الإسلامية المتعلقة برسم الأشخاص والحيوانات قوية قبل خمسينيات القرن الماضي. ^{[ 67 ]} وتُستخدم منسوجات مثل الباتيك والسونغكيت و " بوا كومبو" و "تيكات" للزينة، وغالبًا ما تُطرز برسومات أو نقوش. وكانت المجوهرات التقليدية تُصنع من الذهب والفضة المرصعة بالأحجار الكريمة، وفي شرق ماليزيا، استُخدم الجلد والخرز لتحقيق نفس الغرض. ^{[ 68 ]}

يشير مصطلح "فن ميانمار" إلى الفنون البصرية التي أُبدعت في ميانمار (بورما). تأثر الفن البورمي القديم بالفن الهندي، وكان في كثير من الأحيان ذا طابع ديني، بدءًا من المنحوتات الهندوسية في مملكة ثاتون وصولًا إلى الصور البوذية التيرافادية في مملكة سري كشيترا . ^{[ 69 ]}

شهدت فترة باغان تطورات ملحوظة في العديد من الفنون، من اللوحات الجدارية والمنحوتات إلى فن الجص والنحت على الخشب. ^{[ 69 ]} بعد ندرة الأعمال الفنية الباقية بين القرنين الرابع عشر والسادس عشر، ^{[ 70 ]} ابتكر الفنانون لوحات ومنحوتات تعكس الثقافة البورمية. ^{[ 71 ]} تعرض الفنانون البورميون لتدخلات ورقابة حكومية، مما أعاق تطور الفن في ميانمار. ^{[ 72 ]} يعكس الفن البورمي العناصر البوذية الأساسية، بما في ذلك المودرا ، وحكايات الجاتاكا ، والباغودا ، والبوديساتفا . ^{[ 73 ]}

يشمل تاريخ الفن السنغافوري التقاليد الفنية الأصلية لأرخبيل الملايو والممارسات البصرية المتنوعة للفنانين المتجولين والمهاجرين من الصين وشبه القارة الهندية وأوروبا . ^{[ 74 ]}

يشمل الفن السنغافوري تقاليد النحت والنسيج والفنون الزخرفية في العالم الملاوي ؛ وفن البورتريه والمناظر الطبيعية والنحت والطباعة ورسومات التاريخ الطبيعي من فترة الاستعمار البريطاني للبلاد؛ إلى جانب لوحات نانيانغ المتأثرة بالفن الصيني، والفن الواقعي الاجتماعي ، والفن التجريدي ، وممارسات التصوير الفوتوغرافي التي ظهرت في فترة ما بعد الحرب. [ ^{74 ] واليوم} ، يشمل الفن السنغافوري ممارسات الفن المعاصر في سنغافورة ما بعد الاستقلال، مثل فن الأداء ، والفن المفاهيمي ، وفن التركيب ، وفن الفيديو ، وفن الصوت ، وفن الوسائط الجديدة . ^{[ 75 ]} غالبًا ما يُربط ظهور الفن السنغافوري الحديث ، أو بشكل أكثر تحديدًا، "ظهور التعبير الفني الواعي بذاته" ^{[ 74 ]} ، بظهور الجمعيات الفنية والمدارس الفنية والمعارض في القرن العشرين، على الرغم من أن هذا المفهوم قد توسع منذ ذلك الحين ليشمل أشكالًا سابقة من التمثيل البصري، مثل تلك التي تعود إلى فترات تاريخية مختلفة في سنغافورة. ^{[ 76 ] [ 77 ]}

في الوقت الراهن، ينتشر الفن المعاصر في سنغافورة عالميًا من خلال بينالي الفنون والمعارض الدولية الكبرى الأخرى. ويميل الفن المعاصر في سنغافورة إلى دراسة مواضيع مثل "الحداثة المفرطة والبيئة العمرانية؛ والاغتراب وتغير الأعراف الاجتماعية؛ والهويات ما بعد الاستعمارية والتعددية الثقافية ". ^{[ 78 ]} ومن بين هذه التوجهات، يبرز "استكشاف الأداء والجسد المؤدي" كخيط مشترك. ^{[ 78 ]} وتتمتع سنغافورة بتاريخ عريق في فن الأداء ، حيث سنّت الحكومة قانونًا تاريخيًا يمنع تمويل هذا النوع الفني تحديدًا من عام 1994 إلى عام 2003، وذلك في أعقاب عمل فني أدائي مثير للجدل في مساحة "الممر الخامس" الفنية. ^{[ 79 ] [ 80 ]}

كان الفن التايلاندي ، بشقيه البصري والتقليدي، فنًا بوذيًا وملكيًا في المقام الأول. واقتصر النحت تقريبًا على تماثيل بوذا ، بينما اقتصر الرسم على تزيين الكتب والمباني، ولا سيما القصور والمعابد. وتتميز تماثيل بوذا التايلاندية من مختلف العصور بأنماط فنية متنوعة. أما الفن التايلاندي المعاصر، فيجمع غالبًا بين العناصر التايلاندية التقليدية والتقنيات الحديثة .

أظهرت اللوحات التايلاندية التقليدية موضوعاتها ثنائية الأبعاد دون مراعاة المنظور . وكان حجم كل عنصر في اللوحة يعكس درجة أهميته. وتتمثل التقنية الأساسية في التكوين في تقسيم المساحات، حيث تُعزل العناصر الرئيسية عن بعضها البعض بواسطة عناصر فاصلة. وقد أدى ذلك إلى إلغاء الأرضية الوسيطة، التي كانت ستُشير إلى المنظور. ولم يُدخل المنظور إلى الفن إلا نتيجة للتأثير الغربي في منتصف القرن التاسع عشر.

كانت المواضيع السردية الأكثر شيوعًا في اللوحات هي أو لا تزال: قصص جاتاكا ، وحلقات من حياة بوذا ، والسماء والجحيم البوذي ، ومشاهد الحياة اليومية.

بدأت فترة سوخوثاي في القرن الرابع عشر في مملكة سوخوثاي . تميزت تماثيل بوذا في تلك الفترة بأناقتها، بأجسادها الرشيقة ووجوهها البيضاوية النحيلة. وقد أبرز هذا الأسلوب الجانب الروحي لبوذا، من خلال إغفال العديد من التفاصيل التشريحية الدقيقة . وتعزز هذا التأثير بالممارسة الشائعة المتمثلة في صب التماثيل في المعدن بدلاً من نحتها . وشهدت هذه الفترة ظهور وضعية "بوذا السائر".

حاول فنانو سوخوثاي اتباع العلامات المميزة المتعارف عليها لبوذا، كما وردت في نصوص بالي القديمة:

• بشرة ناعمة لدرجة أن الغبار لا يلتصق بها؛
• أرجل تشبه أرجل الغزلان؛
• أفخاذ مثل شجرة البانيان ؛
• أكتاف ضخمة كرأس فيل؛
• ذراعان مستديرتان كخرطوم الفيل، وطويلتان بما يكفي للمس الركبتين؛
• أيدٍ كزهرات اللوتس على وشك التفتح؛
• انقلبت أطراف الأصابع للخلف كبتلات الزهور؛
• رأس يشبه البيضة؛
• شعر يشبه لسعة العقرب؛
• ذقن يشبه نواة المانجو؛
• أنف يشبه منقار الببغاء؛
• شحمة الأذن تطول بفضل أقراط العائلة المالكة؛
• رموش تشبه رموش البقرة؛
• الحواجب تشبه الأقواس المرسومة.

كما أنتجت سوخوثاي كمية كبيرة من الخزف المزجج على طراز ساوانخالوك ، والذي تم تداوله في جميع أنحاء جنوب شرق آسيا.

بدأ الفن في تيمور الشرقية بالانتشار منذ أعمال العنف التي اندلعت خلال أزمة تيمور الشرقية عام 2006. وبدأ الأطفال المقيمون في البلاد برسم جداريات تدعو للسلام على الجدران . ^{[ 81 ] [ 82 ]}

تعمل جمعية فنون تيمور الشرقية على الترويج للفنون في المنطقة، وتضم العديد من الأعمال الفنية المختلفة التي تم إنتاجها في البلاد. ^{[ 83 ]}

لوحة تطريز لنمرين من عهد أسرة نغوين

لوحة تطريزية للزهور والطيور في عهد أسرة نغوين

يُعدّ الفن الفيتنامي من أقدم الحضارات في منطقة جنوب شرق آسيا، وهو إرث فني غني يعود إلى عصور ما قبل التاريخ، ويشمل: الرسم على الحرير، والنحت، والفخار، والخزف، والطباعة الخشبية، والعمارة، والموسيقى، والرقص، والمسرح.

الفن الفيتنامي التقليدي هو الفن الذي يُمارس في فيتنام أو من قِبل فنانين فيتناميين، منذ العصور القديمة (بما في ذلك طبول دونغ سون المزخرفة ) وحتى فن ما بعد الهيمنة الصينية الذي تأثر بشدة بالفن البوذي الصيني ، إلى جانب فلسفات أخرى مثل الطاوية والكونفوشيوسية . كما لعب فن تشامبا والفن الفرنسي دورًا أقل أهمية لاحقًا.

يمتد التأثير الصيني على الفن الفيتنامي ليشمل صناعة الفخار والخزف ، والخط، والعمارة التقليدية. وقد أثبتت لوحات اللك الفيتنامية شعبيتها الكبيرة في الوقت الراهن.

شهدت سلالة نغوين ، آخر سلالة حاكمة في فيتنام (حوالي 1802-1945)، اهتمامًا متجددًا بفن الخزف والبورسلين. واستوردت البلاطات الإمبراطورية في جميع أنحاء آسيا الخزف الفيتنامي.

على الرغم من التطور الكبير الذي شهدته الفنون الأدائية (مثل موسيقى ورقص البلاط الإمبراطوري) خلال عهد أسرة نغوين، إلا أن البعض ينظر إلى مجالات فنية أخرى على أنها بدأت في التراجع خلال الجزء الأخير من عهد أسرة نغوين.

ابتداءً من القرن التاسع عشر، انتشر الفن الحديث والتأثيرات الفنية الفرنسية في فيتنام. وفي أوائل القرن العشرين، تأسست المدرسة العليا للفنون الجميلة في الهند الصينية لتدريس الأساليب الأوروبية، ومارس تأثيرها بشكل رئيسي في المدن الكبرى، مثل هانوي ومدينة هو تشي منه . ^{[ 84 ]}

فرضت قيود السفر على الفيتناميين خلال فترة الحكم الفرنسي لفيتنام التي دامت 80 عامًا، بالإضافة إلى حرب الاستقلال الطويلة، مما حال دون تمكّن سوى عدد قليل جدًا من الفنانين الفيتناميين من التدرب أو العمل خارج فيتنام. ^{[ 85 ]} وقد أتيحت الفرصة لعدد محدود من الفنانين من خلفيات ميسورة الحال للذهاب إلى فرنسا وبناء مسيرتهم الفنية هناك في الغالب. ^{[ 85 ]} ومن الأمثلة على ذلك: لي ثي لو، ولي فو، وماي ترونغ ثو، ولي فان دي، ولي با دانغ، وفام تانغ. ^{[ 85 ]}

بدأ الفنانون الفيتناميون المعاصرون في استخدام التقنيات الفرنسية مع العديد من الوسائط التقليدية مثل الحرير واللك وما إلى ذلك، مما أدى إلى خلق مزيج فريد من العناصر الشرقية والغربية.

نشأ الفن البوذي في شبه القارة الهندية في القرون التي تلت حياة غوتاما بوذا التاريخي في القرنين السادس والخامس قبل الميلاد، قبل أن يتطور من خلال احتكاكه بثقافات أخرى وانتشاره في أنحاء آسيا والعالم. رافق الفن البوذي المؤمنين مع انتشار تعاليم الدارما، وتكيّف وتطور في كل بلد جديد. امتد شمالًا عبر آسيا الوسطى وصولًا إلى شرق آسيا ليشكل الفرع الشمالي للفن البوذي، وشرقًا حتى جنوب شرق آسيا ليشكل الفرع الجنوبي. في الهند، ازدهر الفن البوذي بل وأثر في تطور الفن الهندوسي ، إلى أن كادت البوذية أن تختفي في الهند حوالي القرن العاشر الميلادي، ويعود ذلك جزئيًا إلى الانتشار الواسع للإسلام جنبًا إلى جنب مع الهندوسية .

تُعدّ الماندالا أداة بصرية شائعة في الفن البوذي . من منظور المشاهد، تُمثّل الماندالا، بشكلٍ تخطيطي، الكون المثالي. ^{[ 86 ] [ 87 ]} في مختلف التقاليد الروحية، تُستخدم الماندالا لتركيز انتباه المتدربين والخبراء، وكأداة تعليمية روحية، ولإنشاء مساحة مقدسة ، وكأداة مساعدة للتأمل والدخول في حالة النشوة . يمكن لطبيعتها الرمزية أن تُساعد المرء على "الوصول تدريجيًا إلى مستويات أعمق من اللاوعي، مما يُساعد المتأمل في نهاية المطاف على تجربة شعور صوفي بالوحدة مع الوحدة المطلقة التي ينبثق منها الكون بكل أشكاله المتعددة". ^{[ 88 ]} رأى المحلل النفسي كارل يونغ الماندالا على أنها "تمثيل لمركز الذات اللاواعية"، ^{[ 89 ]} واعتقد أن لوحاته للماندالا مكّنته من تحديد الاضطرابات العاطفية والعمل على تحقيق التكامل في الشخصية. ^{[ 90 ]}

يتشابه الفن البوتاني مع فن التبت . وكلاهما يستند إلى البوذية الفاجرايانا ، مع مجمعها من الكائنات الإلهية.

تُعدّ دروكبا كاجيو ونينغما من أبرز المدارس البوذية في بوتان . تُعرف الأولى، وهي فرع من مدرسة كاجيو ، بلوحاتها التي توثّق نسب أساتذة البوذية وسبعين من قادة المؤسسة الرهبانية البوتانية ( جي خينبو ). أما مدرسة نينغما ، فتشتهر بصور بادماسامبهافا ، الذي يُنسب إليه الفضل في إدخال البوذية إلى بوتان في القرن السابع. وتقول الأسطورة إن بادماسامبهافا أخفى كنوزًا مقدسة ليجدها أساتذة البوذية في المستقبل، ولا سيما بيما لينغبا . كما يُعدّ مكتشفو الكنوز ( تيرتون ) موضوعًا متكررًا في فن نينغما.

يُخصَّص لكل كائن إلهي أشكال وألوان و/أو رموز مميزة، مثل زهرة اللوتس، وقوقعة البحر، والصاعقة، ووعاء التسول. تُصنع جميع الصور المقدسة وفقًا لمواصفات دقيقة ظلت ثابتة بشكل ملحوظ على مر القرون.

تزخر الفنون البوتانية بأنواعٍ مختلفة من البرونز، تُعرف مجتمعةً باسم "خام-سو " (صُنع في خام )، على الرغم من أنها تُصنع في بوتان، وذلك لأن تقنية صناعتها استُوردت في الأصل من مقاطعة خام في التبت الشرقية . وتُصاغ اللوحات الجدارية والمنحوتات في هذه المناطق وفقًا للمبادئ الخالدة للفن البوذي. ورغم أن تركيزها على التفاصيل مُستمد من النماذج التبتية، إلا أنه يُمكن تمييز أصولها بسهولة، على الرغم من الملابس المطرزة بكثافة والزخارف البراقة التي تُغطي هذه التماثيل. ويبدو أن الفنانين، في عالم الشياطين الغريب، تمتعوا بحرية أكبر في الإبداع مقارنةً بنحتهم صور الكائنات الإلهية.

تُعرف الفنون والحرف اليدوية في بوتان، التي تُمثل "روح وهوية مملكة الهيمالايا" الفريدة، باسم فنون زوريغ تشوسوم ، أي "الفنون والحرف اليدوية الثلاثة عشر في بوتان". وتشمل هذه الحرف النجارة، والرسم، وصناعة الورق، والحدادة، والنسيج، والنحت، وغيرها الكثير. يُعد معهد زوريغ تشوسوم في تيمفو المؤسسة الرائدة في مجال الفنون والحرف التقليدية، وقد أنشأته حكومة بوتان بهدف الحفاظ على ثقافة بوتان وتقاليدها العريقة، وتدريب الطلاب على جميع أشكال الفنون التقليدية. ويوجد معهد مماثل آخر في شرق بوتان يُعرف باسم تراشي يانغتسي. كما يُعرض الجانب الريفي البوتاني في "متحف التراث الشعبي " في تيمفو. ويوجد أيضًا "استوديو الفنانين المتطوعين" في تيمفو لتشجيع الفنون والترويج لها بين شباب المدينة. ^{[ 91 ] [ 92 ]}

يمكن تصنيف الفن الهندي إلى فترات محددة، تعكس كل منها تطورات دينية وسياسية وثقافية معينة. من أقدم الأمثلة على ذلك النقوش الصخرية ، مثل تلك الموجودة في بهيمبيتكا ، والتي يعود تاريخ بعضها إلى ما قبل 5500  قبل الميلاد. واستمر إنتاج هذه الأعمال لعدة آلاف من السنين.

ثمّ تلا ذلك فن حضارة وادي السند . ومن الأمثلة اللاحقة الأعمدة المنحوتة في إلورا بولاية ماهاراشترا ، بالإضافة إلى اللوحات الجدارية في كهوف أجانتا وإلورا .

تشمل مساهمات الإمبراطورية المغولية في الفن الهندي الرسم المغولي ، وهو أسلوب من الرسم المصغر تأثر بشدة بالمنمنمات الفارسية ، والعمارة المغولية .

خلال فترة الحكم البريطاني للهند ، تطورت اللوحة الهندية الحديثة نتيجةً لدمج الأساليب الهندية التقليدية والأوروبية. وكان راجا رافي فارما رائدًا في هذه الفترة. كما ازدهرت مدرسة البنغال للفنون خلال هذه الفترة، بقيادة أبانيدراناث طاغور ، وجاجانيندراناث طاغور ، وجاميني روي ، وموكول داي ، وناندالال بوس .

يُعد فن الرانغولي أحد أكثر الفنون شعبية في الهند . وهو نوع من أنواع الزخرفة بالرسم على الرمل باستخدام مسحوق أبيض ناعم وألوان، ويُستخدم عادةً خارج المنازل في الهند.

ترتبط الفنون البصرية (النحت والرسم والعمارة) ارتباطًا وثيقًا بالفنون غير البصرية. ووفقًا لكابيلا فاتسيايان ، "طورت العمارة والنحت والرسم والأدب (كافيا) والموسيقى والرقص في الهند الكلاسيكية قواعدها الخاصة التي تحددها وسائطها الفنية، لكنها تشاركت فيما بينها ليس فقط المعتقدات الروحية الكامنة وراء العقل الديني الفلسفي الهندي، بل أيضًا الإجراءات التي تم من خلالها توضيح العلاقات بين الرمز والحالات الروحية بالتفصيل".

إن أفضل طريقة لفهم الخصائص الفريدة للفن الهندي هي من خلال فهم الفكر الفلسفي والتاريخ الثقافي الواسع والخلفية الاجتماعية والدينية والسياسية للأعمال الفنية.

فترات محددة:

• الهندوسية والجاينية والبوذية في العصور القديمة (3500 قبل الميلاد - الوقت الحاضر )
• الصعود الإسلامي (712-1757 م )
• الفترة الاستعمارية (1757-1947)
• الفن الحديث وما بعد الحداثي في ​​الهند
• الاستقلال وفترة ما بعد الاستعمار (ما بعد عام 1947)

تُعدّ الثقافة التقليدية العريقة والراقية في كاتماندو ، بل وفي نيبال بأكملها ، مثالاً فريداً على التناغم المتواصل بين القيم الهندوسية والبوذية التي يمارسها شعبها المتدين . كما أنها احتضنت التنوع الثقافي الذي توفره الديانات الأخرى كالجاينية والإسلام والمسيحية .

يتمتع الفن الباكستاني بتقاليد وتاريخ عريقين. وهو يشمل أشكالاً فنية متنوعة، منها الرسم والنحت والخط والخزف وفنون النسيج كالحرير المنسوج. وجغرافياً، يُعد جزءاً من فنون شبه القارة الهندية ، التي تشمل ما يُعرف اليوم بباكستان . ^{[ 93 ]}

كان الفن الشعبي البدوي جانبًا حيويًا من فنون آسيا الوسطى، إذ عكس نمط حياة الجماعات البدوية المقيمة في المنطقة. ومن بين السمات التي يعكسها هذا الفن الأحجار شبه الكريمة، والألحفة، والأبواب المنحوتة، والسجاد المطرز. ^{[ 98 ] [ 99 ]}

• تاريخ الرسم
• لوحة المناظر الطبيعية