متعدد الألوان

📅 آخر تحديث: ٢٢ يوليو ٢٠٢٦
✍️ نُشر في: ٢٢ يوليو ٢٠٢٦
📷 يحتوي على 194 صور
الموسوعة الحرة

إعادة بناء نظام الألوان الخاص بالإفريز على معبد دوري عام 1883

تعدد الألوان هو "ممارسة تزيين العناصر المعمارية والمنحوتات وما إلى ذلك بمجموعة متنوعة من الألوان". [ 1 ] يستخدم المصطلح للإشارة إلى أنماط معينة من العمارة أو الفخار أو النحت بألوان متعددة.

عند النظر إلى الأعمال الفنية والمعمارية من العصور القديمة والعصور الوسطى الأوروبية ، يميل الناس إلى الاعتقاد بأنها كانت أحادية اللون. في الواقع، كان الماضي ما قبل عصر النهضة زاخرًا بالألوان، فالمنحوتات اليونانية الرومانية والكاتدرائيات القوطية ، التي تبدو اليوم بيضاء أو بيج أو رمادية، كانت في الأصل مطلية بألوان متنوعة. وكما قال أندريه مالرو : "لم تكن أثينا بيضاء قط، لكن تماثيلها، الخالية من الألوان، شكلت الذوق الفني لأوروبا [...] لقد وصل إلينا الماضي برمته بلا ألوان." [ 2 ] لم تكن الألوان المتعددة، ولا تزال، ممارسة مقتصرة على العالم الغربي فحسب . فقد زُينت أعمال فنية غير غربية، مثل المعابد الصينية ، وتماثيل أولي الأوقيانوسية ، ومزهريات المايا الخزفية ، بألوان متعددة أيضًا.

ما قبل التاريخ

يُشار إلى ما قبل التاريخ عمومًا بأنه الفترة التاريخية للبشرية التي سبقت بدء التاريخ المدون . وخلال هذه الفترة، أُنتجت العديد من الأعمال الفنية متعددة الألوان. ومن أكثر أشكال الفن متعدد الألوان شيوعًا التي لا تزال باقية حتى اليوم: اللوحات، والفخار، والمنحوتات. ونظرًا لاختلاف أنظمة الكتابة بين الثقافات، فإن بداية التاريخ المدون ونهاية ما قبل التاريخ تختلف من ثقافة لأخرى.

الشرق الأدنى القديم

على غرار الفنون القديمة في مناطق أخرى، تميز فن الشرق الأدنى القديم بتعدد ألوانه، حيث كانت الألوان الزاهية حاضرة بكثرة. فقدت العديد من المنحوتات ألوانها الأصلية اليوم، لكن لا تزال هناك نماذج تحتفظ بها. ومن أبرزها بوابة عشتار ، البوابة الثامنة للمدينة الداخلية لبابل (في منطقة الحلة الحالية ، محافظة بابل ، العراق) . شُيدت هذه البوابة حوالي عام 575 قبل الميلاد بأمر من الملك نبوخذ نصر الثاني على الجانب الشمالي من المدينة. وكانت جزءًا من طريق احتفالي مسور فخم يؤدي إلى المدينة. ولا تزال ألوانها زاهية كما كانت في ذلك الزمان لأن جدرانها بُنيت من الطوب المزجج.

كما تم طلاء العديد من منحوتات الشرق الأدنى القديم. فعلى سبيل المثال، على الرغم من أن معظمها الآن بلون الحجر، إلا أن جميع النقوش الآشورية التي زينت القصور الملكية كانت مطلية بألوان شديدة التشبع.

مصر القديمة

بفضل مناخ مصر الجاف، حُفظت الألوان الأصلية للعديد من المنحوتات القديمة، سواءً كانت دائرية أو بارزة أو لوحات أو غيرها من القطع الأثرية، بشكلٍ جيد. ومن أفضل الأمثلة المحفوظة للعمارة المصرية القديمة المقابر، المغطاة من الداخل بنقوش بارزة مطلية بألوان زاهية أو برسومات جدارية . استخدم الفنانون المصريون بشكل أساسي أصباغًا سوداء وحمراء وصفراء وبنية وزرقاء وخضراء. استُخلصت هذه الألوان من معادن مطحونة، ومواد صناعية ( كالأزرق المصري والأخضر المصري، والفتات المستخدم في صناعة طلاء الزجاج والخزف)، وأسود كربوني (السخام والفحم ). كانت معظم المعادن متوفرة من مصادر محلية، مثل أصباغ أكسيد الحديد ( المغرة الحمراء والمغرة الصفراء واللون البني الداكن)؛ واللون الأبيض المستخرج من كربونات الكالسيوم الموجودة في تلال الحجر الجيري الشاسعة في مصر؛ والأزرق والأخضر من الأزوريت والمالاكيت .

إلى جانب تأثيرها الزخرفي، استُخدمت الألوان أيضًا لدلالاتها الرمزية. فقد كانت للألوان في المنحوتات والتوابيت والعمارة خصائص جمالية ورمزية. رأى المصريون القدماء اللون الأسود لونًا للتربة الطميية الخصبة، فربطوه بالخصوبة والتجدد. كما ارتبط الأسود بالحياة الآخرة، وكان لون آلهة الجنائز مثل أنوبيس . أما الأبيض فكان لون النقاء، بينما ارتبط الأخضر والأزرق بالنباتات والتجدد. ولهذا السبب، كان أوزيريس يُصوَّر غالبًا ببشرة خضراء، وكانت وجوه التوابيت من الأسرة السادسة والعشرين خضراء في كثير من الأحيان. وارتبط الأحمر والبرتقالي والأصفر بالشمس. وكان الأحمر أيضًا لون الصحاري، وبالتالي ارتبط بست وقوى الدمار. [ 5 ] [ 6 ]

لاحقًا، خلال القرن التاسع عشر، نُظمت بعثاتٌ بهدف توثيق فنون وثقافة مصر القديمة. يُعدّ كتاب "وصف مصر" سلسلةً من منشورات أوائل القرن التاسع عشر، زاخرة برسوماتٍ توضيحيةٍ للمعالم الأثرية والتحف المصرية القديمة. معظمها بالأبيض والأسود، لكن بعضها ملون، ما يُظهر تعدد الألوان الذي كان سائدًا في الماضي. في بعض الحالات، لم يتبقَّ سوى آثارٍ قليلةٍ من الطلاء على الجدران والأعمدة والمنحوتات، لكن الرسامين نجحوا في إظهار الحالة الأصلية للمباني في صورهم. [ 7 ]

العالم الكلاسيكي

بقايا متعددة الألوان على تاج أيوني يوناني قديم ، من مبنى غير محدد يعود إلى القرن الخامس قبل الميلاد، متحف الأغورا القديمة، أثينا، رواق أتالوس

تم اكتشاف بعض الأواني الفخارية متعددة الألوان المبكرة جدًا في جزيرة كريت المينوية ، مثل موقع فايستوس الذي يعود إلى العصر البرونزي . [ 9 ] في كل من اليونان وروما القديمتين ، كانت المنحوتات تُطلى بألوان زاهية. غالبًا ما كان الطلاء يقتصر على أجزاء تُصوّر الملابس والشعر وما إلى ذلك، مع ترك لون الجلد الطبيعي للحجر. لكن العديد من المنحوتات كانت مغطاة بالكامل. لا ينبغي النظر إلى طلاء المنحوتات اليونانية والرومانية على أنه مجرد تحسين لشكلها المنحوت، بل يتميز بخصائص أسلوب فني مميز. على سبيل المثال، ثبت مؤخرًا أن المنحوتات الجملونية من معبد أفايا في جزيرة إيجينا كانت مطلية بأنماط جريئة ومتقنة، تُصوّر، من بين تفاصيل أخرى، ملابس منقوشة. يتوازى تعدد ألوان التماثيل الحجرية مع استخدام مواد لتمييز الجلد والملابس وتفاصيل أخرى في المنحوتات المصنوعة من الذهب والعاج ، ومع استخدام المعادن لتصوير الشفاه والحلمات وما إلى ذلك على البرونز عالي الجودة مثل برونزيات رياشي . أتاح توفر الأساليب والتقنيات الرقمية الحديثة إعادة بناء وتصوير فن التلوين ثلاثي الأبعاد القديم بطريقة علمية سليمة، وقد استكشفت العديد من المشاريع هذه الإمكانيات في السنوات الأخيرة. [ 10 ]

عُثر على مثال مبكر للزخرفة متعددة الألوان في البارثينون أعلى الأكروبوليس في أثينا . مع ذلك، وبحلول الوقت الذي ازدهرت فيه الدراسات الأثرية الأوروبية في القرن الثامن عشر، كان الطلاء الذي كان يغطي المباني الكلاسيكية قد تلاشى تمامًا بفعل عوامل التعرية. ولذا، كانت الانطباعات الأولى لدى علماء الآثار والمعماريين عن هذه الآثار أن الجمال الكلاسيكي يُعبَّر عنه فقط من خلال الشكل والتكوين، ويفتقر إلى الألوان الزاهية، وكان هذا الانطباع هو الذي أثر في العمارة الكلاسيكية الجديدة . ومع ذلك، لاحظ بعض الكلاسيكيين، مثل جاك إغناس هيتورف، آثارًا للطلاء على العمارة الكلاسيكية، وبدأ هذا الأمر يُقبل تدريجيًا. وقد تسارع هذا القبول لاحقًا من خلال ملاحظة آثار الألوان الدقيقة بالمجهر وغيره من الوسائل، مما أتاح إعادة بناء أكثر دقة مما استطاع هيتورف ومعاصروه إنتاجه. ويمكن رؤية مثال على الزخرفة متعددة الألوان في العمارة اليونانية الكلاسيكية في النسخة بالحجم الطبيعي للبارثينون المعروضة في ناشفيل، تينيسي ، الولايات المتحدة الأمريكية.

اليونان القديمة

روما القديمة

شرق آسيا

يشتهر الفن الصيني باستخدام الألوان الزاهية. وتُظهر الأواني الخزفية الصينية من العصر الحجري الحديث، كتلك التي أنتجتها حضارة يانغشاو ، استخدام الأصباغ السوداء والحمراء. وفي وقت لاحق، ظهرت المنحوتات الجنائزية والدينية نتيجة لانتشار البوذية . وتُعدّ أشكال بوذا وبوديساتفا غوانيين من أكثر الآلهة شيوعًا في النحت البوذي الصيني . ولا تزال آثار الذهب والألوان الزاهية التي رُسمت بها المنحوتات تُعطي فكرة عن تأثيرها. وخلال عهد أسرتي هان وتانغ ، وُضعت تماثيل خزفية متعددة الألوان للخدم والفنانين والمستأجرين والجنود في مقابر أفراد الطبقة العليا. وقد تم إنتاج هذه التماثيل بكميات كبيرة باستخدام قوالب. وعلى الرغم من أن الخزف الصيني يشتهر بلونه الأزرق والأبيض، فقد تم إنتاج العديد من المزهريات والتماثيل الخزفية الملونة خلال عهد أسرتي مينغ وتشينغ . وخلال هاتين الأسرتين، تم أيضًا تصنيع أواني المينا المقسمة (كلوازونيه) التي تستخدم أسلاكًا نحاسية ( كلوازون ) ومينا لامع.

على غرار ما كان يحدث في الصين، أدى دخول البوذية إلى اليابان عام 538 (أو ربما 552 ميلادي) إلى إنتاج منحوتات بوذية يابانية متعددة الألوان. وكانت الصور الدينية اليابانية حتى ذلك الحين تتألف من تماثيل طينية تُستخدم لمرة واحدة، تُستخدم لنقل الصلوات إلى عالم الأرواح. [ 18 ]

العصور الوسطى

في جميع أنحاء أوروبا في العصور الوسطى، كانت المنحوتات الدينية الخشبية وغيرها من المواد تُطلى بألوان زاهية، وكذلك كانت جدران الكنائس من الداخل. وقد دُمرت هذه المنحوتات أو طُليت باللون الأبيض خلال مراحل تحطيم الأيقونات في الإصلاح البروتستانتي أو في اضطرابات أخرى كالثورة الفرنسية ، مع أن بعضها ما زال محفوظًا في متاحف مثل متحف فيكتوريا وألبرت ، ومتحف كلوني ، ومتحف اللوفر ، على سبيل المثال لا الحصر. كما طُليت واجهات الكنائس أيضًا، لكن القليل منها بقي. فقد أثرت عوامل التعرية وتغير الأذواق والقبول الديني بمرور الوقت على الحفاظ عليها. ومن أبرز الأمثلة المتبقية على الواجهات المطلية "بوابة الجلالة" في كنيسة تورو الجماعية بإسبانيا ، وذلك بفضل بناء مصلى أحاط بها وحماها من عوامل التعرية بعد قرن واحد فقط من اكتمالها. [ 22 ]

ما قبل كولومبوس

يُشار عمومًا إلى فنون ما قبل كولومبوس بأنها الفنون البصرية للشعوب الأصلية في منطقة الكاريبي وأمريكا الشمالية والوسطى والجنوبية قبل بدء الاستعمار الأوروبي . ومن أكثر أشكال فنونهم شيوعًا التي لا تزال باقية حتى اليوم الفخار والمنحوتات والأعمال المعدنية واللوحات، والتي احتفظ معظمها بألوانها المتعددة. ومن الأمثلة على المنحوتات متعددة الألوان أحد رؤوس الأولمك العملاقة التي تعود إلى عصور ما قبل التاريخ من سان لورينزو تينوتشتيتلان ، والتي تحمل آثارًا من الجص والطلاء الأحمر. [ 30 ]

القرنين السابع عشر والثامن عشر

مكتبة دير ويبلينجن ، أولم ، ألمانيا، من تصميم كريستيان ويدمان ، 1737-1744. [ 31 ] جميع العناصر التي تبدو وكأنها مصنوعة من الرخام مصنوعة في الواقع من الجص متعدد الألوان .

بينما ظلت المنحوتات الحجرية والمعدنية عادةً غير ملونة، مثل المنحوتات الكلاسيكية الباقية، فقد تم إنتاج منحوتات خشبية متعددة الألوان من قبل فنانين إسبان: خوان مارتينيز مونتانيس ، غريغوريو فرنانديز (القرن السابع عشر)؛ ألمان: إغناز غونتر ، فيليب جاكوب شتراوب (القرن الثامن عشر)؛ أو برازيليون: أليخادينيو (القرن التاسع عشر).

صُممت حلول الألوان الأحادية للأنماط المعمارية في أواخر عصر الباروك الديناميكي، مستلهمةً أفكار بوروميني وغواريني. استُخدمت كسوة حجرية أحادية اللون: الحجر الرملي الفاتح، كما في حالة واجهة كنيسة بامبرغ اليسوعية (غونزيلمان 2016) التي صممها جورج وليونهارد دينتزن هوفر (1686-1693)، وواجهة كنيسة الدير في ميشيلسبيرغ التي صممها ليونارد دينتزن هوفر (1696)، وكنيسة الدير في نيرسهايم التي صممها يوهان بيير نيومان (1747-1792). [ 32 ]

في ألمانيا الحالية، خلال القرن الثامن عشر، صمّم الأخوان آسام ( إيجيد كويرين آسام وكوزماس داميان آسام ) كنائس بجدران متموجة، وأفاريز منحنية مكسورة ، وزخارف متعددة الألوان. [ 33 ] في المناطق الناطقة بالألمانية، بُنيت كنائس ومكتبات عديدة على طراز الروكوكو، مزينة بأعمدة وزخارف جصية متعددة الألوان بألوان الباستيل . هناك، تُصنع أعمدة تُحاكي الرخام من أعمدة خشبية مغطاة بطبقة من الجص متعدد الألوان، وهو مزيج من الجص والجير والصبغة . عند خلط هذه المكونات ، تتكون عجينة متجانسة اللون. وللحصول على مظهر الرخام، تُصنع دفعات أرق من العجينة الداكنة والفاتحة، بحيث تبدأ العروق بالظهور. يُخلط كل شيء تقريبًا يدويًا. عندما تتصلب المادة، تُصقل بفركها بورق صنفرة ناعم، وبذلك تصبح طبقة الجص متعدد الألوان لامعة، وتحاكي الرخام بشكل واقعي للغاية. خير مثال على ذلك مكتبة دير ويبلينغن في مدينة أولم الألمانية. واستمر استخدام الرخام الصناعي المصنوع من الجص خلال القرنين التاسع عشر والعشرين أيضاً، حيث اقتصر استخدامه على الديكورات الداخلية فقط، لأن الجص يذوب عند تعرضه للماء في الخارج.

في والاشيا ، خلال أواخر القرن السابع عشر وأوائل القرن الثامن عشر، شاع أسلوب برانكوفينيسك في العمارة والفنون الزخرفية. سُمّي هذا الأسلوب نسبةً إلى الأمير قسطنطين برانكوفينو ، الذي ازدهر في عهده. تتميز بعض الكنائس المبنية على هذا الأسلوب بواجهات متعددة الألوان مزينة بلوحات جدارية، مثل كنيسة دير ستافروبولوس في بوخارست ، رومانيا.

شهد النصف الثاني من القرن الثامن عشر صعود الكلاسيكية الجديدة ، وهي حركة تسعى جاهدة لإحياء أنماط اليونان القديمة وروما والحضارة الأترورية ، وأحيانًا حتى مصر . خلال عهد لويس السادس عشر (1760-1789)، بدأت الديكورات الداخلية المصممة على طراز لويس السادس عشر تُزين بزخارف عربية مستوحاة من تلك المكتشفة في منازل قديمة في بومبي وهيركولانيوم . وقد طُليت هذه الزخارف بألوان الباستيل، أو باللون الأبيض مع تذهيب الأجزاء المزخرفة، أو بألوان متعددة. تُعد قاعة الطعام الرسمية في قلعة إنفيراري في اسكتلندا ، التي زينها رسامان فرنسيان، مثالًا جيدًا على الديكورات الداخلية متعددة الألوان على طراز لويس السادس عشر.

الخزف

مع وصول الخزف الأوروبي في القرن الثامن عشر، لاقت تماثيل الفخار ذات الألوان الزاهية والمتنوعة رواجًا كبيرًا. وقد طُوّر الخزف في الصين في القرن التاسع، وظلت وصفته سرية عن الدول الأخرى، ولم تُقلّد بنجاح إلا في القرن الخامس عشر على يد اليابانيين والفيتناميين. وخلال القرن الثامن عشر، تمكنت الأفران الألمانية أخيرًا من إتقان صناعة الخزف، بدءًا من الكيميائي يوهان فريدريش بوتغر والفيزيائي إهرنفريد فالتر فون تشيرنهاوس ، اللذين صنعا أول نوع أوروبي عام ١٧٠٩. وفي العام التالي، تأسس مصنع مايسن للخزف، ليصبح المصنع الرائد في أوروبا في هذا المجال. لاحقًا، استنسخت أفران أخرى الوصفة أو ابتكرت تقنياتها الخاصة في صناعة الخزف. ومن المصانع الشهيرة الأخرى مصنع سيفر ، الذي أنتج خزفًا فاخرًا للنخبة الفرنسية خلال القرون الثامن عشر والتاسع عشر والعشرين. [ ٤٤ ]

القرن التاسع عشر

مقارنةً بالقرن الثامن عشر، كان استخدام الألوان المتعددة أكثر انتشارًا في القرن التاسع عشر. مع ذلك، ظلت واجهات معظم المباني بيضاء، ومعظم المنحوتات غير مطلية، ومعظم الأثاث بألوان مواده. أُضيفت الألوان عادةً من خلال الخزف المزجج على المباني، وأنواع مختلفة من الأحجار على المنحوتات، ومن خلال الرسم أو التطعيم غالبًا على الأثاث. وكما في القرن الثامن عشر، ظل الخزف ملونًا، وكانت العديد من التماثيل نابضة بالحياة. وعلى النقيض من واجهاتها الخارجية، كانت الديكورات الداخلية للعديد من منازل الأثرياء مزينة غالبًا بالألواح الخشبية والجص و / أو الطلاء. وكما في النصف الثاني من القرن الثامن عشر، تتميز العديد من الساعات البرونزية والأشياء الزخرفية بلونين من خلال التذهيب والزنجار . كما أُضيفت عناصر من الخزف لإضفاء المزيد من الألوان.

الكلاسيكية الجديدة

على الرغم من اكتشاف أدلة على استخدام الألوان المتعددة في العمارة والمنحوتات اليونانية القديمة ، إلا أن معظم المباني الكلاسيكية الجديدة تتميز بواجهات بيضاء أو بيج، وأعمال معدنية سوداء. في حوالي عام 1840، نشر المهندس المعماري الفرنسي جاك إغناس هيتورف دراسات عن العمارة الصقلية ، موثقًا أدلة واسعة النطاق على استخدام الألوان. استمر الجدل حول استخدام الألوان المتعددة لأكثر من عقد من الزمان، وشكّل تحديًا كبيرًا للمهندسين المعماريين الكلاسيكيين الجدد في جميع أنحاء أوروبا. [ 15 ]

بفضل اكتشاف اللوحات الجدارية في مدينتي بومبي وهيركولانيوم الرومانيتين خلال القرن الثامن عشر، زُيّنت العديد من المنازل الكلاسيكية الجديدة التي بُنيت في القرنين الثامن عشر والتاسع عشر بلوحات جدارية ملونة على طراز بومبي. وغالبًا ما تتميز هذه اللوحات باللون الأحمر الزاهي، المعروف باسم "الأحمر البومبي". وقد أدى رواج أسلوب بومبي في الرسم إلى تزيين الغرف بألوان زاهية. ومن الأمثلة على ذلك غرفة بومبي في قاعة هينكستون في كامبريدجشير ، وغرفة بومبيانوم في أشافنبورغ ، وغرفة نوم الإمبراطورة جوزفين في قصر مالميزون ، وحمام نابليون في قصر رامبوييه . وبحلول مطلع القرن التاسع عشر، تمكن الرسامون أيضًا من ابتكار تأثيرات الرخام والحبيبات الخشبية لمحاكاة مظهر الخشب.

النزعة المتشددة في القرن التاسع عشر

كان مبدأ "كلما زاد كان أفضل" هو المبدأ الجمالي السائد في العصر الفيكتوري. وتتجلى النزعة التزيينية المفرطة في العديد من تصاميم تلك الحقبة، كالخزف والأثاث وأدوات المائدة والأزياء والهندسة المعمارية ورسوم الكتب والساعات وغيرها. ورغم الميل إلى الزخرفة، إلا أن العديد منها ظل مزينًا بألوان قليلة، لا سيما الأثاث. وكان الخزف مجالًا شاع فيه استخدام الألوان المتعددة. وإلى جانب القطع الفنية، ظهر الخزف متعدد الألوان أيضًا في الهندسة المعمارية، وتحديدًا في بعض قطع الأثاث والبلاط.

لا شك أن القطع الأثرية والمباني التي تعود إلى القرن التاسع عشر، والمعروضة في معارض هذه الصفحة، مثيرة للإعجاب. واليوم، نبهر بزخارفها وألوانها وأنماطها. مع ذلك، وحتى ستينيات القرن العشرين، ومع صعود ما بعد الحداثة ، حين بدأ الناس يتساءلون عن الحداثة ويُقدّرون تراث ما قبل الحداثة، لم يكن الحكم على التصاميم الفيكتورية إيجابياً. ففي أوائل القرن العشرين، وحتى في وقت إنشائها، وصف البعض العصر الفيكتوري بأنه عصرٌ قدّم لنا بعضاً من أبشع الأشياء التي صُنعت على الإطلاق. وشاعت أوصافٌ مثل "مسوخ جمالية" أو "زخارف بشعة" في ذلك الوقت، ولم يزد الأمر إلا سوءاً. في أواخر القرن التاسع عشر، لم يكن مارك لويس سولون (1835-1913)، مصمم الخزف الشهير الذي عمل لدى شركة مينتون، غريباً حين علّق بأن تلك الفترة "تحمل بصمة ذوق رديء للغاية". [ 50 ] ومع مرور الوقت، ازدادت الآراء السلبية سوءاً. فقد رأى المعماريان الرائدان في العمارة الحديثة ، أدولف لوس ولو كوربوزييه، أن أعمالاً كهذه لم تكن سيئة فحسب، بل كانت إهانة بالغة لدرجة أنه كان ينبغي تجريمها. [ 51 ]

أعمال الطوب متعددة الألوان

يُعدّ البناء بالطوب متعدد الألوان نمطًا معماريًا ظهر في ستينيات القرن التاسع عشر، حيث استُخدمت فيه طوب بألوان مختلفة (بني، كريمي، أصفر، أحمر، أزرق، وأسود) في تركيبات زخرفية لإبراز العناصر المعمارية. صُممت هذه الأنماط حول أقواس النوافذ أو وُضعت على الجدران مباشرةً. وكثيرًا ما استُخدمت لمحاكاة تأثير الزوايا الحجرية . تميزت النماذج المبكرة بخطوط متداخلة، بينما أظهرت النماذج اللاحقة أنماطًا معقدة من الخطوط القطرية والمتقاطعة والمتدرجة، وفي بعض الحالات، حتى الكتابة باستخدام الطوب. [ 54 ] كما استُخدمت عناصر من السيراميك المزجج بتفاصيل دقيقة لإضفاء زخارف أكثر تعقيدًا.

الطراز الروماني المُجدد

في مملكة رومانيا ، ظهر أسلوب الإحياء الروماني في أواخر القرن التاسع عشر. وهو المكافئ الروماني لأسلوب الرومانسية الوطنية الذي كان رائجًا في شمال أوروبا في نفس الفترة . استلهم هذا الأسلوب بشكل كبير من عمارة برانكوفينسك ، وهو أسلوب كان شائعًا في والاشيا في أواخر القرن السابع عشر وأوائل القرن الثامن عشر. غالبًا ما تُزيّن المنازل المبنية بهذا الأسلوب قبل الحرب العالمية الأولى بألوان زاهية متنوعة. وفي بعض المباني، امتدت الألوان المتعددة إلى الواجهة الخارجية أيضًا، من خلال استخدام بلاط السيراميك المزجج الملون. ازداد هذا الأسلوب شعبية في القرن العشرين. ومن أبرز منازل الإحياء الروماني التي تتميز بتنوع ألوانها منزل جورج بيتراشكو ( الساحة الرومانية رقم 5) في بوخارست ، من تصميم سبيرو سيغانيانو ، عام 1912 [ 58 ] .

القرن العشرين

شهد القرن العشرون فتراتٍ بارزةً من التعدد اللوني في العمارة، بدءًا من مظاهر فن الآرت نوفو في جميع أنحاء أوروبا، مرورًا بالازدهار العالمي لفن الآرت ديكو أو الآرت مودرن، وصولًا إلى تطور ما بعد الحداثة في العقود الأخيرة من القرن. خلال هذه الفترات، صُممت واجهات المباني المصنوعة من الطوب والحجر والبلاط والجص والمعادن مع التركيز على استخدام ألوان وأنماط جديدة، بينما استلهم المعماريون في كثير من الأحيان من نماذج تاريخية متنوعة، بدءًا من فن البلاط الإسلامي وصولًا إلى الطوب الفيكتوري الإنجليزي.

قبل الحرب العالمية الأولى

في مطلع القرن العشرين، وقبل الحربين العالميتين، شاع أسلوب إحياء العمارة الكلاسيكية (بما في ذلك الكلاسيكية الجديدة وإحياء الطراز القوطي ) وانتقائية الأساليب التاريخية في التصميم والهندسة المعمارية. ولا تزال العديد من سمات القرن التاسع عشر حاضرة في تلك الحقبة. فالعديد من مباني تلك الفترة تتميز بديكوراتها الداخلية الملونة، من خلال البلاط والفسيفساء والجص والجداريات. أما واجهات المباني الخارجية، فمعظمها متعدد الألوان ومُزين ببلاط السيراميك.

Art Nouveau was also in fashion during the 1900s all over the Western world. However, it fragmented by 1911 and from then it steadily faded, until it disappeared with WW1. Some regular Art Nouveau buildings have their facades decorated with colourful glazed ceramic ornaments. The colours used are often more earthy and faded compared to the intense ones used by Neoclassicism. Compared to other movements in design and architecture, Art Nouveau was one with different versions in multiple countries. The Belgian and French form is characterized by organic shapes, ornaments taken from the plant world, sinuous lines, asymmetry (especially when it comes to objects design), the whiplash motif, the femme fatale, and other elements of nature. In Austria, Germany and the UK, it took a more stylized geometric form, as a form of protest towards revivalism and eclecticism. The geometric ornaments found in Gustav Klimt's paintings and in the furniture of Koloman Moser are representative of the Vienna Secession (Austrian Art Nouveau). In some countries, artists found inspiration in national tradition and folklore. In the UK for example, multiple silversmiths used interlaces taken from Celtic art. Similarly, Hungarian, Russian, and Ukrainian architects used polychromatic folkloric motifs on their buildings, usually through colourful ceramic ornaments.

Modernism

During the interwar period and the middle of the 20th century, Modernism was in fashion. To Modernists, form was more important than ornament, so solid blocks of strong colour were often used to emphasize shape and create contrast. Primary colours and black and white were preferred. This is really the case of the Dutch De Stijl movement, which began in 1917. The style involved reducing an object (whether a painting or a design) to its essentials, using only black, white and primary colours, and a simple geometry of straight lines and planes. Gerrit Rietveld's Red and Blue Chair (1917–1918) and Rietveld Schröder House in Utrecht (1924) show this use of colour. Polychromy in Modernist design was not limited to De Stijl. The Unité d'habitation, a residential housing typology developed by Le Corbusier, has some flat colourful parts.

Some Art Deco objects, buildings and interiors stand out through their polychromy and use of intense colours. Fauvism, with its highly saturated colours, like the paintings of Henri Matisse, was an influence for some Art Deco designers. Another influence for polychromy were the Ballets Russes. Leon Bakst's stage designs filled Parisian artistic circles with enthusiasm for bright colours.[70]

Despite their lack of ornamentation, multiple Mid-century modern designs, like Lucienne Day's textiles, Charles and Ray Eames's Hang-It-All coat hanger (1953), or Irving Harper's Marshmallow sofa (1956), are decorated with colours. Aside from individual objects, mid-century modern interiors were also quite colourful. This was also caused by the fact that after WW2, plastics became increasingly popular as a material for kitchenware and kitchen units, light fixtures, electrical appliances and toys, and by the fact that plastic could be produced in a wide range of colours, from jade green to red.[71]

Postmodernism

The use of vivid colours continued with Postmodernism, in the 1970s, 1980s and 1990s. Compared to Mid-century modern objects, which often had intense colours but were monochrome, Postmodern design and architecture stand out through the use of a variety of colours on single objects or buildings. Postmodern architects working with bold colors included Robert Venturi (Allen Memorial Art Museum addition; Best Company Warehouse), Michael Graves (Snyderman House; Humana Building), and James Stirling (Neue Staatsgalerie; Arthur M. Sackler Museum), among others. In the UK, John Outram created numerous bright and colourful buildings throughout the 1980s and 1990s, including the "Temple of Storms" pumping station. Aside from architecture, bright colours were present on everything, from furniture to textiles and posters. Neon greens and yellows were popular in product design, as were fluorescent tones of scarlet, pink, and orange used together. Injection-moulded plastics gave designers new creative freedom, making it possible to mass-produce almost any shape (and colour) quickly and cheaply.[80]

An artist well known for her polychrome artworks is Niki de Saint Phalle, who produced many sculptures painted in bold colours. She devoted the later decades of her life to building a live-in sculpture park in Tuscany, the Tarot Garden, with artworks covered in vibrant colourful mosaics.[81]

United States

Polychrome building facades later rose in popularity as a way of highlighting certain trim features in Victorian and Queen Annearchitecture in the United States. The rise of the modern paint industry following the American Civil War also helped to fuel the (sometimes extravagant) use of multiple colors.

Early 20th Century polychrome pediment, Philadelphia Museum of Art (1928)
Water pot, Acoma Pueblo, c.1889 – c.1903, earthenware decorated with slip –De Young Museum

The polychrome facade style faded with the rise of the 20th century's revival movements, which stressed classical colors applied in restrained fashion and, more importantly, with the birth of modernism, which advocated clean, unornamented facades rendered in white stucco or paint. Polychromy reappeared with the flourishing of the preservation movement and its embrace of (what had previously been seen as) the excesses of the Victorian era and in San Francisco, California in the 1970s to describe its abundant late-nineteenth-century houses. These earned the endearment 'Painted Ladies', a term that in modern times is considered kitsch when it is applied to describe all Victorian houses that have been painted with period colors.

John Joseph Earley (1881–1945) developed a "polychrome" process of concrete slab construction and ornamentation that was admired across America. In the Washington, D.C. metropolitan area, his products graced a variety of buildings –all formed by the staff of the Earley Studio in Rosslyn, Virginia. Earley's Polychrome Historic District houses in Silver Spring, Maryland were built in the mid-1930s. The concrete panels were pre-cast with colorful stones and shipped to the lot for on-site assembly. Earley wanted to develop a higher standard of affordable housing after the Depression, but only a handful of the houses were built before he died; written records of his concrete casting techniques were destroyed in a fire. Less well-known, but just as impressive, is the Dr. Fealy Polychrome House that Earley built atop a hill in Southeast Washington, D.C. overlooking the city. His uniquely designed polychrome houses were outstanding among prefabricated houses in the country, appreciated for their Art Deco ornament and superb craftsmanship.

Native American ceramic artists, in particular those in the Southwest, produced polychrome pottery from the time of the Mogollon cultures and Mimbres peoples to contemporary times.[91]

21st century

In the 2000s, the art of designing art toys was taking off. Multiple monochrome or polychrome vinyl figurines were produced during this period, and are still produced during the 2020s. A few artists who designed vinyl toys include Joe Ledbetter, Takashi Murakami, Flying Förtress, and CoonOne1.

During the 2010s and the early 2020s, a new interest for Postmodern architecture and design appeared. One of the causes were memorial exhibitions that presented the style, the most comprehensive and influential one being held at the Victoria & Albert Museum in London in 2011, called Postmodernism: Style and Subversion 1970–1990. The Salone del Mobile in Milan since 2014 showcased revivals, reinterpretations, and new postmodern-influenced designs.[92] Because of this, multiple funky polychrome buildings were erected, like the House for Essex, Wrabness, Essex, the UK, by FAT and Grayson Perry, 2014[93] or the Miami Museum Garage, Miami, US, by WORKac, 2018.[94]

Besides revivals of Postmodernism, another key design movement of the early 2020s is Maximalism. Since its philosophy can be summarized as "more is more", contrasting with the minimalist motto "less is more", it is characterized by a wide use of intense colours and patterns.

Polychromatic light

The term polychromatic means having several colors. It is used to describe light that exhibits more than one color, which also means that it contains radiation of more than one wavelength. The study of polychromatics is particularly useful in the production of diffraction gratings.

See also

Notes

  1. ↑Harris, Cyril M., ed. Illustrated Dictionary of Historic Architecture, Dover Publications, New York, c.1977, 1983 edition
  2. ↑Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 65. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  3. ↑van Lemmen, Hans (2013). 5000 Years of Tiles. The British Museum Press. p. 17. ISBN 978-0-7141-5099-4.
  4. ↑Fortenberry 2017, p. 6.
  5. ↑Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 62 & 63. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  6. ↑Wilkinson, Toby (2008). Dictionary of ANCIENT EGYPT. Thames and Hudson. p. 55. ISBN 978-0-500-20396-5.
  7. ↑Rose Marie, Rainer Hagen (2022). EGYPT – People Gods Pharaohs. Taschen. p. 242. ISBN 978-3-8365-2054-6.
  8. ↑"temple-relief". britishmuseum.org. Retrieved May 1, 2023.
  9. ↑C. Michael Hogan, Knossos Fieldnotes, The Modern Antiquarian (2007)
  10. ↑Siotto, Eliana; Cignoni, Paolo (July 1, 2024). "Digital methods and techniques for reconstructing and visualizing ancient 3D polychromy – An overview". Journal of Cultural Heritage. 68: 59–85. doi:10.1016/j.culher.2024.05.002. ISSN 1296-2074.
  11. ↑Jones 2014, p. 37. sfn error: no target: CITEREFJones2014 (help)
  12. ↑Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 144. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  13. ↑Fortenberry 2017, p. 40.
  14. ↑Psarra, I. "Ministry of Culture and Sports: Mieza, the so-called Macedonian Tomb of the Palmettes". odysseus.culture.gr. Archived from the original on June 3, 2020. Retrieved April 14, 2019.
  15. 12Bergdoll 2000, pp. 176.
  16. ↑Virginia, L. Campbell (2017). Ancient Room – Pocket Museum. Thames & Hudson. p. 199. ISBN 978-0-500-51959-2.
  17. ↑Virginia, L. Campbell (2017). Ancient Room – Pocket Museum. Thames & Hudson. p. 199. ISBN 978-0-500-51959-2.
  18. ↑Fortenberry 2017, p. 75, 76, 87, 93.
  19. ↑Fortenberry 2017, p. 75.
  20. ↑Fortenberry 2017, p. 76.
  21. ↑"Figure". britishmuseum.org. Retrieved September 17, 2023.
  22. ↑Katz, Melissa R. Architectural Polychromy and the Painters' Trade in Medieval Spain. Gesta. Vol. 41, No. 1, Artistic Identity in the Late Middle Ages (2002), pp. 3–14
  23. ↑Benton, Janetta Rebold (2022). The History of Western Art. Thames & Hudson. p. 60. ISBN 978-0-500-29665-3.
  24. ↑Benton, Janetta Rebold (2022). The History of Western Art. Thames & Hudson. p. 61. ISBN 978-0-500-29665-3.
  25. ↑Melvin, Jeremy (2006). …isme Să Înțelegem Stilurile Arhitecturale (in Romanian). p. 39. ISBN 973-717-075-X.
  26. ↑Fortenberry 2017, p. 150.
  27. ↑Fortenberry 2017, p. 154.
  28. ↑Hubert Faensen, Vladimir Ivanov (1981). Arhitectura Rusă Veche (in Romanian). Editura Meridiane.
  29. ↑Irving, Mark (2019). 1001 BUILDINGS You Must See Before You Die. Cassel Illustrated. p. 108. ISBN 978-1-78840-176-0.
  30. ↑Diehl 2004, p. 112.
  31. ↑Listri, Massimo (2020). The World's Most Beautiful Libraries. Taschen. p. 346. ISBN 978-3-8365-3524-3.
  32. ↑Ludwig, Bogna. 2022. The Polychrome in Expression of Baroque Façade Architecture. Arts 11: 113. https://doi.org/10.3390/arts 11060113
  33. ↑Glancey, Jonathan (2017). Architecture – A Visual Guide. DK. p. 257. ISBN 978-0-2412-8843-6.
  34. ↑Rosenberg, Sandrine (2019). Château de Versailles – Petit Inventaire Ludique et Spectaculaire de "La Plus Belle Maison du Monde" (in French). Chêne. p. 62. ISBN 978-2-81230-351-7.
  35. ↑Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 31.
  36. ↑Florea, Vasile (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent (in Romanian). Litera. p. 244. ISBN 978-606-33-1053-9.
  37. ↑"Terme : l'Eté sous les traits de Cérès". collections.louvre.fr (in French). Retrieved June 11, 2023.
  38. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 331. ISBN 978-1-52942-030-2.
  39. ↑Borngässer, Barbara (2020). POTSDAM – Art, Architecture and Landscape. Vista Point. p. 94. ISBN 978-3-96141-579-3.
  40. ↑Jones 2014, p. 238. sfn error: no target: CITEREFJones2014 (help)
  41. ↑Honour, Hugh; Fleming, John (2009). A World History of Art – Revised Seventh Edition. Laurence King. p. 619. ISBN 978-1-85669-584-8.
  42. ↑"Kina slott, Drottningholm". www.sfv.se. National Property Board of Sweden. Retrieved August 2, 2014.{{cite web}}: CS1 maint: deprecated archival service (link)
  43. ↑"Ground Floor". inveraray-castle.com. Retrieved April 23, 2023.
  44. ↑Andrew, Graham-Dixon (2023). art – The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 251. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  45. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 503. ISBN 978-1-52942-030-2.
  46. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 509. ISBN 978-1-52942-030-2.
  47. ↑Irving, Mark (2019). 1001 BUILDINGS You Must See Before You Die. Cassel Illustrated. p. 315. ISBN 978-1-78840-176-0.
  48. ↑"PAIRE DE VASES " FUSEAU "". amisdulouvre.fr. Retrieved May 10, 2023.
  49. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 443. ISBN 978-1-52942-030-2.
  50. ↑Greenhalgh, Paul (2021). Ceramic – Art and Civilisation. Bloomsbury. p. 296. ISBN 978-1-4742-3970-7.
  51. ↑Greenhalgh, Paul (2021). Ceramic – Art and Civilisation. Bloomsbury. pp. 287, 288, 296. ISBN 978-1-4742-3970-7.
  52. ↑Bresc-Bautier, Geneviève (2008). The Louvre, a Tale of a Palace. Musée du Louvre Éditions. p. 122. ISBN 978-2-7572-0177-0.
  53. ↑Bresc-Bautier, Geneviève (2008). The Louvre, a Tale of a Palace. Musée du Louvre Éditions. p. 122. ISBN 978-2-7572-0177-0.
  54. ↑O'Brien, Charles (2017). Houses – An Architectural Guide. PEVSNER. pp. 134, 138, 139. ISBN 9780300233421.
  55. ↑Jones 2014, p. 286. sfn error: no target: CITEREFJones2014 (help)
  56. ↑O'Brien, Charles (2017). Houses – An Architectural Guide. PEVSNER. p. 139. ISBN 9780300233421.
  57. ↑"Maison". pop.culture.gouv.fr. Retrieved September 15, 2023.
  58. ↑Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture – an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 80. ISBN 978-973-0-23884-6.
  59. ↑"Arh. Ion Socolescu". ionsocolescu.blogspot.com. Retrieved April 30, 2023.
  60. ↑Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture – an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 90. ISBN 978-973-0-23884-6.
  61. ↑Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture – an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 80. ISBN 978-973-0-23884-6.
  62. ↑Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture – an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 80. ISBN 978-973-0-23884-6.
  63. ↑"Boulangerie". pop.culture.gouv.fr. Retrieved September 17, 2023.
  64. ↑Duncan 1994, p. 43. sfn error: no target: CITEREFDuncan1994 (help)
  65. ↑Greenhalgh, Paul (2019). Ceramic – Art and Civilization. Bloomsbury. p. 323. ISBN 978-1-4742-3970-7.
  66. ↑"Immeuble Les Chardons". pop.culture.gouv.fr. Retrieved April 10, 2022.
  67. ↑Treasures of Ukraine – A Nation's Cultural Heritage. Thames & Hudson. 2022. p. 168. ISBN 978-0-500-02603-8.
  68. ↑Wilhide, Elizabeth (2022). Design – The Whole Story. Thames & Hudson. p. 105. ISBN 978-0-500-29687-5.
  69. ↑Marinache, Oana (2015). Ernest Donaud – visul liniei (in Romanian). Editura Istoria Artei. p. 79. ISBN 978-606-94042-8-7.
  70. ↑Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. pp. 68, 72. ISBN 978-973-1872-03-2.
  71. ↑The Definitive Visual History of Design. DK Limited. 2015. pp. 167, 172, 215, 223, 233. ISBN 978-0-2411-8565-0.
  72. ↑van Lemmen, Hans (2013). 5000 Years of Tiles. The British Museum Press. p. 238. ISBN 978-0-7141-5099-4.
  73. ↑Texier, Simon (2022). Architectures Art Déco – Paris et Environs – 100 Bâtiments Remarquable. Parigramme. p. 37. ISBN 978-2-37395-136-3.
  74. ↑Criticos, Mihaela (2022). București Oraș Art Deco (in Romanian and English). igloomedia. p. 183. ISBN 978-606-8026-90-9.
  75. ↑Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 227. ISBN 978-973-1872-03-2.
  76. ↑Glancey, Jonathan (2017). Architecture – A Visual Guide. DK. p. 376. ISBN 978-0-2412-8843-6.
  77. ↑The Definitive Visual History of Design. DK Limited. 2015. p. 215. ISBN 978-0-2411-8565-0.
  78. ↑Banks, Grace (2022). Art Escapes – Hidden Art Experiences Outside the Museum. gestalten. p. 19. ISBN 978-3-96704-052-4.
  79. ↑van Lemmen, Hans (2013). 5000 Years of Tiles. The British Museum Press. p. 256. ISBN 978-0-7141-5099-4.
  80. ↑The Definitive Visual History of Design. DK Limited. 2015. pp. 260, 261. ISBN 978-0-2411-8565-0.
  81. ↑Hessel, Katy (2022). The Story off Art without Men. Penguin Random House. p. 305. ISBN 9781529151145.
  82. ↑Fiell, Charlotte & Peter (2023). Design of the 20th Century. Taschen. p. 468. ISBN 978-3-8365-4106-0.
  83. ↑Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 53. ISBN 978-0-500-51914-1.
  84. ↑Hall, William (2019). Stone. Phaidon. p. 79. ISBN 978-0-7148-7925-3.
  85. ↑Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 121. ISBN 978-0-500-51914-1.
  86. ↑Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 121. ISBN 978-0-500-51914-1.
  87. ↑Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 141. ISBN 978-0-500-51914-1.
  88. ↑Lizzie Crook (February 14, 2020). "Less is a Bore book celebrates "postmodern architecture in all its forms"". dezeen.com. Retrieved June 25, 2023.
  89. ↑Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 120. ISBN 978-0-500-51914-1.
  90. ↑Lizzie Crook (February 14, 2020). "Less is a Bore book celebrates "postmodern architecture in all its forms"". dezeen.com. Retrieved June 25, 2023.
  91. ↑Center for New Mexico Archaeology. "The Classification System". Office of Archaeological Studies, Pottery Typology Project. Retrieved December 23, 2020.
  92. ↑Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 439. ISBN 978-0-500-51914-1.
  93. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 722. ISBN 978-1-52942-030-2.
  94. ↑Galilee, Beatrice (2021). radical architecturre of the future. Phaidon. p. 192. ISBN 978-1-83866-123-6.
  95. ↑Irving, Mark (2019). 1001 BUILDINGS You Must See Before You Die. Cassel Illustrated. p. 875. ISBN 978-1-78840-176-0.
  96. ↑Galilee, Beatrice (2021). radical architecturre of the future. Phaidon. p. 30. ISBN 978-1-83866-123-6.
  97. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 722. ISBN 978-1-52942-030-2.
  98. ↑Architizer The World's Best Architecture. Phaidon. 2020. p. 191. ISBN 978-1-83866-066-6.
  99. ↑Galilee, Beatrice (2021). radical architecturre of the future. Phaidon. p. 192. ISBN 978-1-83866-123-6.
  100. ↑Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 722. ISBN 978-1-52942-030-2.
  101. ↑Benton, Janetta Rebold (2022). The History of Western Art. Thames & Hudson. p. 167. ISBN 978-0-500-29665-3.
  102. ↑Architizer The World's Best Architecture. Monacelli. 2021. p. 187. ISBN 978-1-58093-591-3.

References

  • Bergdoll, Barry (2000). European Architecture 1750–1890. Oxford University Press. ISBN 978-0-19-284222-0.
  • Fortenberry, Diane (2017). The Art Museum (Revised ed.). London: Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-7502-6. Archived from the original on April 23, 2021. Retrieved April 23, 2021.
  • Rogers, Richard; Gumuchdjian, Philip; Jones, Denna (2014). Architecture The Whole Story. Thames & Hudson. ISBN 978-0-500-29148-1.